Mayo en Malba.cine Lang vs. Murnau + Leones + Martín Blaszko III + Burman + Lynch
CICLO Fritz Lang vs. Friedrich Wilhelm Murnau Durante todo el mes Durante todo el mes de mayo, malba.cine enfrentará amistosamente a Fritz Lang y F. W. Murnau, dos de los mayores creadores de la historia del cine, ambos surgidos a la sombra del expresionismo, ambos esenciales en la evolución expresiva del cine mudo y ambos seducidos por Hollywood, donde continuaron sus obras pese a múltiples conflictos. Una gran parte de los films se verá en copias nuevas, con acompañamiento de música en vivo por la National Film Chamber Orchestra, que coordina y dirige Fernando Kabusacki.
CICLO Retrospectiva Daniel Burman Durante todo el mes De todos los realizadores que renovaron el cine argentino desde 1995, Daniel Burman fue quien más rápidamente se insertó en la producción "industrial", equilibrando la preocupación expresiva personal (muchas veces informada de autobiografía) con la astucia del productor que sabe llegar a un público masivo. Durante este mes se exhibirán seis de sus films, todos en 35mm.
ESTRENO Martín Blaszko III, de Ignacio Mallorens Sábados de mayo a las 18:00 Martin Blaszko (Berlín 1920- Buenos Aires 2011) fue escultor, pintor y dibujante. Desarrolló desde sus inicios el arte abstracto y el concreto, y sus obras han sido exhibidas en numerosos museos y muestras alrededor del mundo, incluido Malba. A partir de una de esas exposiciones toma forma este documental sobre el personaje.
ESTRENO Leones, de Jazmín López Viernes a las 20:00 En medio del bosque, un grupo de cinco amigos merodea como una manada de leones. Perdidos en sus juegos de palabras, juegan y se seducen unos a los otros mientras se internan dentro del territorio de la adultez. La película se llevó el Premio Especial del Jurado en el último BAFICI.
TRASNOCHES David Lynch Sábados a las 24:00
CONTINÚAN La chica del Sur, de José Luis García (Argentina, 2012) Sábados a las 22:00 Papirosen, de Gastón Solnicki (Argentina 2012) Domingos de mayo a las 20:00 Cornelia frente al espejo, de Daniel Rosenfeld (Argentina, 2012) Sábados a las 20:00
Grilla de programación Jueves 2 18:00 Mientras Nueva York duerme, de Fritz Lang 20:00 Dos hermanos, de Daniel Burman 22:00 Los sobornados, de Fritz Lang Viernes 3 18:00 Dos hermanos, de Daniel Burman 22:00 Fausto, de F. W. Murnau + MV 24:00 Nosferatu, de F. W. Murnau + MV Sábado 4 18:00 Martín Blaszko III, de Ignacio Mallorens 20:00 Cornelia frente al espejo, de Daniel Rosenfeld 22:00 La chica del sur, de José Luis García 24:00 Terciopelo azul, David Lynch Domingo 5 18:00 Papirosen, de Gastón Solnicki 20:00 Amanecer, de F. W. Murnau + MV 22:00 El pan nuestro de cada día, de F. W. Murnau + MV Jueves 9 18:00 M, el vampiro negro, de Fritz Lang 20:00 El nido vacío, de Daniel Burman 22:00 El Dr. Mabuse, de Fritz Lang + MV Viernes 10 18:00 El nido vacío, de Daniel Burman 20:00 Parece la pierna de una Muñeca + Leones, de Jazmín López 22:00 Los Nibelungos: Sigfrido, de Fritz Lang + MV 24:00 Nosferatu, F. W. Murnau + MV Sábado 11 18:00 Martín Blaszko III, de Ignacio Mallorens 20:00 Cornelia frente al espejo, de Daniel Rosenfeld 22:00 La chica del sur, de José Luis Garcia 24:00 Terciopelo azul, de David Lynch Domingo 12 18:00 Papirosen, de Gastón Solnicki 20:00 Tabú, de F. W. Murnau 22:00 Metrópolis, de F. W. Murnau + MV Jueves 16 18:00 Los mil ojos del Dr. Mabuse, de Fritz Lang 20:00 Derecho de familia, de Daniel Burman 22:00 Fantasmas, de F. W. Murnau + MV Viernes 17 18:00 Derecho de familia, de Daniel Burman 20:00 Juego Vivo + Leones, de Jazmín López 22:00 Los Nibelungos: La venganza de Krimilda, Fritz Lang + MV 24:00 Nosferatu, F. W. Murnau + MV Sábado 18 18:00 Martín Blaszko III, de Ignacio Mallorens 20:00 Cornelia frente al espejo, de Daniel Burman 22:00 La chica del sur, de José Luis García 24:00 Terciopelo azul, De David Lynch Domingo 19 18:00 Papirosen, de Gastón Solnicki 20:00 Los sobornados, de Fritz Lang 22:00 Mientras Nueva York duerme, de Fritz Lang Jueves 23 18:00 Los sobornados, de Fritz Lang 20:00 La suerte en tus manos, de Daniel Burman 22:00 Los verdugos también mueren, de Fritz Lang Viernes 24 18:00 Esperando al Mesías, de Daniel Burman 20:00 Te Amo y Morite + Leones, de Jazmín López Sábado 25 18:00 Martín Blaszko III, de Ignacio Mallorens 20:00 Cornelia frente al espejo, de Daniel Rosenfeld 22:00 La chica del sur, de José Luis García 24:00 Terciopelo azul, de David Lynch Domingo 26 18:00 Papirosen, de Gastón Solnicki 20:00 El castillo Vogelod, de F. W. Murnau + MV 22:00 La última carcajada, F. W. Murnau + MV Jueves 30 18:00 M, el vampiro negro, de Fritz Lang 20:00 El abrazo partido, de Daniel Burman 22:00 Tabú, de F. W. Murnau Viernes 31 18:00 El abrazo partido, de Daniel Burman 20:00 Juego Vivo + Leones, de Jazmín López 22:00 Los verdugos también mueren, de Fritz Lang Sábado 1º de junio 18:00 Anima Buenos Aires, de María Verónica Ramírez 20:00 Cornelia frente al espejo, de Daniel Rosenfeld 22:00 La chica del sur, de José Luis García 24:00 Terciopelo azul, de David Lynch Domingo 2 18:00 Anima Buenos Aires, de María Verónica Ramírez 20:00 Mientras Nueva York duerme, de Fritz Lang 22:00 Los mil ojos del Dr. Mabuse, de Fritz Lang
Entrada general: $25. Estudiantes y jubilados: $13. Abono: $114. Estudiantes y jubilados: $58. MV: Música en vivo * Entrada libre y gratuita. Más información: Teléfono: 4808-6500 Mail: info@malba.org.ar Sitio web: www.malba.org.ar
Sala Leopoldo Lugones Volver a los clásicos: F.W. Murnau
Complejo Teatral de Buenos Aires, el Goethe-Institut y la Fundación Cinemateca Argentina han organizado un ciclo denominado Volver a los clásicos: F.W. Murnau, que se llevará a cabo del martes 7 al miércoles 15 de mayo, en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Avenida Corrientes 1530). El ciclo propone un recorrido por la obra de uno de los realizadores alemanes más importantes de la era del cine mudo.
Friedrich Wilhelm Murnau (1888-1931) es, junto a D.W.Griffith, Sergei Eisenstein y Alfred Hitchcock, uno de los grandes creadores de formas de toda la historia del cine. Su obra, truncada por un accidente automovilístico que le costó la vida, apenas pudo desarrollarse en poco más de una década, pero incluye films de una belleza incandescente, capaces de atravesar las pruebas del tiempo, como Nosferatu (1922), La última carcajada (1924), Amanecer (1927) y Tabú (1931).
Doctorado en filosofía e historia del arte y discípulo de ese gran revolucionario del teatro moderno que fue Max Reinhardt, Murnau supo fundir en su cine la mejor tradición del romanticismo alemán y contribuyó de manera determinante al apogeo del expresionismo y a la creación del Kammerspielfilm. “Para Murnau, el director más grande que hayan tenido los alemanes -escribió la historiadora Lotte Eisner-, la visión cinematográfica nunca es el resultado del puro esfuerzo de estilización decorativa. Murnau ha creado las imágenes más perturbadoras y más cautivantes de la pantalla alemana”. La continuación de su carrera en Hollywood fue igualmente genial: “Si se me pregunta cuáles son los lugares que más me gustan en mi vida diré que es el campo de Amanecer de Murnau, o la ciudad del mismo film”, escribió François Truffaut. Sobre su film final, Tabú, escribió Eric Rohmer: “No me asusta denominar sublime a esta fusión espontánea de los sentimientos religiosos y poéticos”.
La agenda completa del ciclo es la siguiente:
Martes 7: Fantasma (Phantom; Alemania, 1922) Dirección: Friedrich Wilhelm Murnau. Con Alfred Abel, Frieda Richard, Aud Egede Nissen. “...En esta versión cinematográfica de una novela de Gerhart Hauptmann, un humilde empleado ansía llegar a ser un famoso poeta y casarse con una hermosa muchacha que ha pasado a su lado en una calesa tirada por un pony. Poseído por su deseo, duerme con una prostituta muy parecida a la muchacha inalcanzable, hundiéndose cada vez más profundamente. Hasta que en la soledad de su celda de la cárcel, aprende a renunciar a todos los fantasmas. La película de Murnau alcanza su culminación visual en una secuencia que funde impresiones de la calle en una visión del caos…” (Siegfried Kracauer). A las 14.30 y 19.30 horas (125’; digital)
El castillo Vogeloed (Schloß Vogelöd; Alemania, 1921) Dirección: Friedrich Wilhelm Murnau. Con Arnold Korff, Lulu Keyser-Korff, Lothar Mehnert. “…En el castillo Vogeloed se reúnen una serie de aristócratas para disfrutar de una partida de caza. Mientras esperan a la baronesa Safferstätt, el conde Oetsch se presenta en el castillo y se hace invitar a la reunión. Todos recelan de Oetsch; hace tres años mataron a su hermano, quien fue marido de la baronesa Safferstätt y piensan que fue él. Sólo el esfuerzo de Murnau, Carl Mayer, Hermann Warm y Fritz Arno Wagner podría haber dado frutos -como de hecho ocurrió- a la hora de crear, a partir de esta historia un tanto confusa, una atmósfera genuina, opresiva, cargada de angustia” (Lotte Eisner) A las 17 y 22 horas (75’; digital)
Miércoles 8: Nosferatu, una sinfonía del horror (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens; Alemania, 1922) Dirección: Friedrich Wilhelm Murnau. Con Max Schreck, Alexander Granach. Versión libre de la novela Drácula, de Bram Stoker. “Contrariamente a lo que sucedía en la mayor parte de las películas alemanas de la época, los paisajes, las vistas de la pequeña ciudad o del castillo de Nosferatu se rodaron al aire libre. (…) La naturaleza participa en el drama: mediante un montaje lleno de sensibilidad, el empuje de las olas deja prever la proximidad del vampiro, la inminencia del destino que va a golpear la ciudad. Sobre todos esos paisajes, colinas sombrías, espesos bosques, cielos de nubes desflecadas que anuncian la tempestad, se cierne, como diría Balazs, la noción de lo sobrenatural, aunque sean naturales” (Lotte Eisner). A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (94’; digital)
Jueves 9: Las finanzas del Gran Duque (Die Finanzen des Großherzogs; Alemania, 1923) Dirección: Friedrich Wilhelm Murnau. Con Harry Liedtke, Mady Christians, Guido Herzfeld. El Gran Duque de Abbaco se encuentra en graves apuros económicos, por lo que no puede afrontar la deuda que tiene. Su principal acreedor estudia expropiar el condado entero. Sus planes de boda con Olga, la Gran Duquesa de Rusia, podrían resolver sus problemas, pero una carta crucial en la que se anuncia su compromiso es robada… Esta comedia, que cosechó un enorme éxito en su época, fue adaptación de una novela de Frank Heller. El guión estuvo a cargo del propio Murnau y de Thea Von Harbou, esposa en ese tiempo de Fritz Lang y autora de Metrópolis, Spione y La mujer en la Luna. A las 14.30 y 17 horas (80’; digital).
Viernes 10: La última carcajada (Der letzte Mann; Alemania, 1924) Dirección: Friedrich Wilhelm Murnau. Con Emil Jannings, Maaly Delschaft, Max Hiller. “…Tragicomedia sobre el destino de un portero de hotel, orgulloso de su librea con galones, admirado por su familia y por los vecinos del patio trasero de su casa como si fuera un general. Luego, ya viejo para llevar las pesadas valijas, pasa a una situación de semi-entierro, de encargado como ‘último de los hombres’ del baño para caballeros; debe pues cambiar su aparatoso ropaje por una simple casaca blanca. Su familia se siente deshonrada y se convierte en el hazmerreír de los vecinos, dispuestos a vengarse de la adulación que le prodigaron antes. Ésa es una tragedia alemana por excelencia, incomprensible fuera de ese país donde el uniforme es rey, es Dios. Un espíritu latino difícilmente podrá concebir su contenido trágico” (Lotte Eisner). A las 14.30 y 17 horas (101’; digital)
Sábado 11: Tartufo (Herr Tartüff; Alemania, 1925) Dirección: Friedrich Wilhelm Murnau. Con Emil Jannings, Werner Krauss, Lil Dagover. Basada en la célebre obra de Molière y realizada por uno de los mejores equipos de la UFA (Emil Jannings como protagonista, Carl Mayer como guionista y Karl Freund como operador de cámara), Tartufo narra la historia un hombre de acomodada posición que durante un viaje conoce a un misterioso personaje llamado Tartufo, que le hechiza por completo con sus rígidas ideas morales. “Para Murnau, al igual que más tarde para el Pabst de Lulú, el rostro de un actor se convierte en una especie de paisaje que el ojo inquisidor del objetivo explora incansablemente hasta sus rincones más secretos, descubriendo continuamente ángulos nuevos, imprevistos y sorprendentes, nuevas superficies a iluminar” (Lotte Eisner). A las 14.30 y 17 horas (74’; digital)
Domingo 12: Amanecer (Sunrise: A Song of Two Humans; EE.UU., 1927) Dirección: Friedrich Wilhelm Murnau. Con George O’Brien, Janet Gaynor, Bodil Rosing. Un campesino se enamora de una sofisticada mujer de ciudad que está pasando una temporada en el campo. Su obsesión por ella es tal que descuida sus labores y, cuando la mujer le pide que se deshaga de su esposa, el hombre decide planearlo todo para cumplir los deseos de su amante. “El film más poderoso y avanzado de Murnau, superior incluso a La última carcajada. El estudio del guión de Carl Mayer no hace sino reforzar la impresión que causa el film por sí mismo. Todo el talento que Murnau había desarrollado en Alemania entre 1919 y 1926 se pone aquí de manifiesto de la manera más deslumbrante: su maravilloso sentido de la cámara, iluminación y valores tonales; su maestría en la composición y el orden rítmico de las imágenes. Y su don para crear atmósferas al mismo tiempo que revela las complejidades de los personajes” (Lotte Eisner). A las 14.30 y 17 horas (94’; digital).
Lunes 13: No hay función
Martes 14: El pan nuestro de cada día (Our Daily Bread (City Girl); EE.UU., 1929) Dirección: Friedrich Wilhelm Murnau. Con David Torrence, Charles Farrell, Mary Duncan. Después de rodar Four Devils (1928), Murnau le anticipó a la Fox su deseo de que su próxima película fuera “un cuento sobre el trigo, sobre la santidad del pan, acerca de la alienación de las fuentes de sustento que brinda la naturaleza”. Pero la productora modificó su film en el montaje. Sin embargo, la impronta de su creador es evidente aún en su versión final. “Un crítico alemán escribió que El pan… ya no era el Murnau convencional de Four Devils: el estilo y la dirección recuerdan la maestría de Amanecer y los mejores momentos del primer Sjöstrom…” (Lotte Eisner). A las 14.30 y 17 horas (77’; 35mm).
Miércoles 15: Tabú (EE.UU., 1929-1931) Dirección: Friedrich Wilhelm Murnau. Con Reri, Matahi, Hitu, Jean, Jules, Kong Ah. Última película de Murnau, que empezó como una colaboración con el famoso documentalista Robert J. Flaherty, aunque por diversos problemas sólo la firmó Murnau. Rodada en Tahití y Bora-Bora, al igual que Nanook of the North hacía con los esquimales, Tabú trasciende el mero registro documental para alcanzar una belleza y un lirismo trágicos. “Fascinado por su modelo, el artista que es Murnau se olvida del orden que se jactaba de imponerle a la naturaleza y revela su armonía, su unidad esencial. El canto se convierte en himno y oración; la carne transfigurada descubre este más allá, del que extrae vida. No me asusta denominar sublime a esta fusión espontánea de los sentimientos religiosos y poéticos” (Eric Rohmer). A las 14.30 y 17 horas (82’; digital).
Informamos que las localidades para la Sala Leopoldo Lugones podrán adquirirse personalmente con seis días de anticipación (incluyendo el día de la función) en las boleterías del Teatro San Martín.
Precio de las localidades en la Sala Leopoldo Lugones $ 25.- Estudiantes y jubilados $ 15.- (Los interesados deberán tramitar su credencial de descuento en el 4° piso del Teatro San Martín, de lunes a viernes de 10 a 16 horas.)
Mayo 2013 Programación de El Cultural San Martín
Paraná y Sarmiento (subsuelo) www.centroculturalsanmartin.com Teléfonos: 4373-1474, ccgsm@buenosaires.gob.ar Entradas $20 - jubilados y estudiantes $12 En boleterías o www.tuentrada.com Programación de la priimera quincena de mayo
El Rascacielos Latino Documental. Dirección: Sebastián Schindel. Origen: Argentina. Año: 2012. Duración: 62 minutos El Rascacielos Latino desentraña los misterios que rodean al mítico Palacio Barolo de Buenos Aires y a su creador, el arquitecto italiano Mario Palanti. El protagonista de la película es el propio director, Sebastián Schindel, quien se pregunta por el enigmático estilo arquitectónico del edifico, estilo que va a contramano de todos los cánones estéticos de la época. Jueves 2 y 9 a las 15 Hs, Viernes 3 y 10 a las 17.30 Hs, Domingo 5 y 12 a las 17.30 Hs
Diablo Ficción. Dirección: Nicanor Loretti. Origen: Argentina. Año: 2012. Duración: 85 minutos En Diablo, Marcos Wainsberg es un boxeador de mediana edad, retirado después de matar a un contrincante en el ring de un sólo puñetazo. Un día, mientras espera la llegadea de su ex novia para intentar recomponer la relación cae en su casa su primo Huguito, el clásico chanta porteño, con la camisa manchada de sangre. Al mismo tiempo, Franco Robles, un poderoso magnate corpororativo, se encuentra hospitalizado esperando un transplante de hígado. Viernes 3 y 10 a las 17.40 Hs, Sábado 4 y 11 a las 20 Hs, Domingo 5 y 12 a las 15.10 Hs
Beirut – Buenos Aires - Beirut. Documental. Dirección: Hernán Belón. Origen: Argentina. Año: 2012. Duración: 83 minutos Verónica es una mujer de origen libanés que vive en Buenos Aires. Un día su tía abuela le confía un secreto: Mohammed, su padre, el bisabuelo de Verónica, no murió en Argentina sino que volvió al Líbano, su país de origen y abandonó la familia que había formado aquí. Enojados por su partida, todos cortaron comunicación con él. Verónica, conmovida por este descubrimiento, decide investigar la vida de Mohammed. Viernes 3 y 10 a las 20.10 Hs, Sábado 4 y 11 a las 17.40 Hs, Domingo 5 y 12 a las 20 Hs.
El gran simulador Documental. Dirección: Néstor Frenkel. Origen: Argentina. Año: 2013. Duración: 76 minutos. ¿Quién es René Lavand? El hombre lleva una exitosa carrera de más de 50 años como ilusionista, haciendo tours alrededor del mundo, acogiendo discípulos y viviendo de su arte. Vemos material de archivo del ilusionista, haciendo apariciones televisivas a lo largo de los años y poniendo en escena sus trucos de magia. Orgulloso autodidacta, Lavand desarrolló su propio estilo, ya que por aquel entonces ningún manual enseñaba prestidigitación a zurdos o mancos. En definitiva, “No tenía nadie a quien copiar”. Jueves 2 y 9 a las 20 Hs, Sábado 4 y 11 a las 15.10 Hs, Domingo 5 y 12 a las 20.10 Hs.
Villegas Ficción. Dirección: Gonzalo Tobal. Origen: Argentina, Holanda, Francia. Año: 2012. Duración: 98 minutos. Tras un buen tiempo sin verse, dos primos deben reunirse para ir en auto al entierro del abuelo en Villegas, pequeña ciudad del interior donde crecieron juntos. Este retorno se convierte pronto en un intenso viaje emocional marcado por los reencuentros, el peso del pasado y el fin de una era. Viernes 3 y 10 a las 15.10 Hs, Sábado 4 y 11 a las 20.10 Hs, Domingo 5 y 12 a las 17.40 Hs
La nana Ficción. Dirección: Sebastián Silva. Origen: Chile Año: 2009. Duración: 95 minutos. Raquel, la amargada e introvertida nana de la casa de los Valdés, con quienes ha trabajado por 23 años, ve peligrar su puesto cuando éstos contratan a una nueva empleada que le ayude durante su convalecencia. Raquel se dedica a hacerle la vida imposible a las nuevas nanas. Esta mecánica se repite una y otra vez hasta la aparición de Lucy, una mujer de provincia que logrará penetrar la coraza de Raquel. Jueves 2 y 9 a las 17.30 Hs, Viernes 3 y 10 a las 15 Hs, Sábado 4 y 11 a las 15 Hs.
Amour Ficción. Dirección: Michael Haneke. Origen: Austria. Año: 2012. Duración: 127 minutos. Georges y Anne, los ochenta cumplidos, son dos profesores de música clásica jubilados que viven en París. Su hija también se dedica a la música, y vive en Londres con su marido británico. Un día, Anne sufre un infarto. Al volver del hospital, un lado de su cuerpo está paralizado. El amor que ha unido a la pareja durante tantos años se verá puesto a prueba. Viernes 3 y 10 a las 20 Hs, Sábado 4 y 11 a las 17.30 Hs, Domingo 5 y 12 a las 17.30 Hs.
Es una injusticia que la obra de Terence Davies (Liverpool, 1945) sea poco conocida en nuestro país, porque se trata de uno de los grandes cineastas británicos contemporáneos, autor de films de un notable poder de evocación. En su cine ha logrado hacer de sus recuerdos de infancia y juventud un cuerpo de obra que atraviesa la esfera personal para convertirse en la memoria emotiva de un país. Terence Davies estudió en la Coventry School of Drama y allí escribió el guión de su primer corto –Children- que luego, en 1976, produciría el British Film Institute. Continuó su formación el la National Film School, donde realizó el corto Madonna and Child como film de graduación, en 1980. Posteriormente, completó una trilogía con Death and Transfiguration, producido por la London Arts Association y el British Film Institute (la denominada Terence Davies Trilogy lo ubicó en el mapa cinematográfico como uno de los más originales realizadores del siglo XX). Luego vendrían sus seis largometrajes: Voces distantes (1988), El largo día acaba (1992), La biblia de Neón (1995), La casa de la alegría (2000), Del tiempo y la ciudad (2008) y El profundo mar azul (2011). “La naturaleza de la memoria es doble, está suspendida en nuestra conciencia pero también se mueve a través del tiempo”, declaró Terence Davies, y la crítica británica lo llegó a llamar “el Marcel Proust del cine”. La rigurosidad de su cine, realizado al margen de cualquier intención comercial, ha despertado la admiración de directores de la talla de Derek Jarman, que escribió de sus films: “Davies se aproxima a sus temas –la represión familiar y religiosa, la violencia institucional, el sadomasoquismo- con una delicada melancolía y momentos de humor perverso”. El British Arts Centre le dedicará una retrospectiva, que incluirá todos sus largometrajes. La cita es a partir del martes 7 de mayo, en la sala de cine del BAC.
Programación:
Martes 7 de mayo a las 17 y a las 20 horas El profundo mar azul (The Deep Blue Sea, 2011) Dirección: Terence Davies. Guión: Terence Davies, sobre la obra de Terence Rattigan. Música: Samuel Barber. Producción: Sean O’Connor, Kate Ogborn. Origen: Gran Bretaña, Estados Unidos. Duración: 98 minutos. Intérpretes: Rachel Weisz, Tom Hiddleston, Ann Mitchell, Joylon Cy, Karl Johnson, Simon Russell Beale, Barbara Jefford. Ubicada en los años ’40 y ’50, The Deep Blue Sea, protagonizada por Rachel Weisz, está basada en una obra del gran dramaturgo británico Terence Rattigan. “Melodrama canónico sobre la doble frustración de una mujer que equivoca sus elecciones amorosas no una vez sino dos al mismo tiempo, que The Deep BlueSea transcurra en tiempos de su infancia permite a Davies apropiarse a fondo de esta obra ajena. Hasta el punto de que si no se conociera su origen cualquiera juraría que no puede no tratarse de un guión propio. (…) Un doble recurso de rotunda modernidad le permite a Davies sobreponerse a todo lastre académico y teatral. Por un lado, el realizador produce tal efecto de abstracción –llenando la puesta en escena de sombras como de sueño, recortándola sobre decorados brumosos– que los (des)encuentros de la protagonista con ambos objetos de frustración dan la impresión de transcurrir como en medio de un mareo, propio tal vez del gas que la mujer intenta aspirar dos veces. La sensación se ve reforzada por el modo en que Davies fusiona distintas épocas –a veces de modo literal, haciéndolas coexistir en el mismo plano– y por la deliberada sustracción de datos de la trama. Lo cual tiende a difuminarla, en beneficio de un tratamiento rapsódico e impresionista” (Horacio Bernades en Página/12, sept. 2011). Último film de Davies a la fecha e inédito en salas en nuestro país, The Deep Blue Sea fue galardonado con el premio a la mejor actriz (Rachel Weisz) por la Toronto Film Critics Association.
Martes 14 de mayo a las 17 y a las 20 horas Voces distantes, imágenes quietas (Distant Voices, Still Lives, 1988) Dirección: Terence Davies. Guión: Terence Davies. Producción: Jennifer Howarth para British Film Institute, Channel Four Films. Origen: Gran Bretaña. Duración: 85 minutos. Intérpretes: Freda Dowie, Pete Postlethwaite, Angela Walsh, Dean Williams, Lorraine Ashbourne, Sally Davies, Nathan Walsh, Susan Flanagan. La camaradería y la solidaridad en tiempos de crisis nacional han sido temas familiares en el cine británico, particularmente en relación con la Segunda Guerra Mundial. En Voces distantes…, Terence Davies explora magníficamente los lazos de unión dentro de una familia de clase trabajadora de Liverpool, durante los años ’50, una familia para la cual el enemigo común es tanto la tiránica figura paterna como los modos tradicionales de comportamiento, que perpetúan el patriarcado. Lo más interesante del film es la forma en que Davies plantea el tema evitando conscientemente el típico enfoque cronológico y con moraleja. El film se compone de escenas aparentemente sueltas, casi independientes entre sí, que muestran momentos de la familia a lo largo de los años. Aclamado en el Festival de Cannes (donde obtuvo el premio de la crítica internacional), Voces distantes… circuló ampliamente por el circuito de festivales internacionales y obtuvo los premios a la mejor película y al mejor director por parte de la crítica británica, además del Leopardo de Oro en el Festival de Locarno y un nuevo premio de la crítica en el Festival de Toronto.
Martes 21 de mayo a las 17 y a las 20 horas La biblia de neón (The Neon Bible, 1995) Dirección: Terence Davies. Guión: Terence Davies sobre la novela homónima de John Kennedy Toole. Música: Robert Lockhart. Producción: Elizabeth Karlsen, Olivia Stewart para Channel Four. Origen: Gran Bretaña. Duración: 91 minutos. Intérpretes: Jacob Tierney, Drake Bell, Gena Rowlands, Diana Scarwid, Denis Leary, Bob Hannah. Exquisitamente realizada por Terence Davies, The Neon Bible es un viaje al sur profundo de los Estados Unidos, en los años ’40. Basada en la primera novela de John Kennedy Toole (el autor de “La conjura de los necios”), La biblia de neón cuenta la historia de David, un adolescente sensible y conflictuado que encuentra en su extravagante tía Mae (Gina Rowlands) la posibilidad de salvación, de escapar de un hogar problemático, con un padre brutal y una madre emocionalmente frágil. Selección oficial en competencia del Festival de Cannes 1995.
Martes 28 de mayo a las 17 y a las 20 horas El largo día acaba (The Long Day Closes, 1992) Dirección: Terence Davies. Guión: Terence Davies. Música: Bob Last, Robert Lockhart. Producción: Olivia Stewart, Angela Topping para British Film Institute, Channel Four Films. Origen: Gran Bretaña. Duración: 85 minutos. Intérpretes: Marjorie Yates, Leigh McCormack, Anthony Watson, Nicholas Lamont, Jimmy Wilde. Una incursión de Terence Davis por su propio pasado, una ficcionalización de su memoria emotiva, como si el cineasta se hubiera propuesto una especie de museo personal imaginario. Lo que hace de El largo día acaba un film tan original y valioso no tiene tanto que ver con la particularidad de la infancia de Davies sino más bien con la forma en que el director evoca los momentos más fugaces y, al mismo tiempo, los más significativos de su pasado. Lo que le interesa al director es transmitir un estado de ánimo y para lograrlo no duda en intentar recursos extremos. The Long Day Closesparticipó en competencia oficial en el Festival de Cannes 1992.
Martes 4 de junio a las 17 y a las 20 horas La casa de la alegría (The House of Mirth, 2000) Dirección: Terence Davies. Guión: Terence Davies sobre la novela de Edith Wharton. Producción: Olivia Stewart para Arts Council of England, Diaphana Films, Film Four. Origen: Gran Bretaña, Francia, Alemania, Estados Unidos. Duración: 140 minutos. Intérpretes: Gillian Anderson, Dan Aykroyd, Eleanor Bron, Terry Kinney, Anthony LaPiglia, Laura Linney. Un retrato de la alta sociedad neoyorkina de principios del siglo XX, con aire victoriano de telón de fondo. Basada en la novela de Edith Wharton (Martin Scorsese ya había llevado al cine su novela La edad de la inocencia) La casa de la alegría disecciona ese círculo social tan cerrado y hermético como complejo y falso, en el que Lily Bart (Gillian Anderson) encarna a una joven de buena posición que desafía las rígidas convenciones de la sociedad decimonónica, para acabar siendo expulsada de ésta y verse obligada a trabajos propios de la burguesía y de la clase obrera.
Martes 11 de junio a las 17 y a las 20 horas Del tiempo y la ciudad (Of Time and the City, 2008) Dirección: Terence Davies. Guión: Terence Davies. Producción: Roy Boulter, Sol Papadopoulos. Origen: Gran Bretaña. Duración: 74 minutos. Intérpretes: Terence Davies (narrador). El peso de la memoria, la ineludible subjetividad de los recuerdos, la reflexión sobre un pasado que ya nunca volverá, la infancia como paraíso perdido: ésos son los materiales sobre los cuales trabaja, en esencia, el cine de Terence Davies y que en Del tiempo y la ciudad, más que nunca, forman el núcleo duro de un film que va mucho más allá de la esquemática idea que se suele tener del documental: se trata de una obra ambiciosa, que avanza hacia un terreno que en otros campos se consideraría “ensayo”, “autorretrato” e incluso, en ciertos pasajes, sencillamente “poesía”. Armada casi por completo con material de archivo, Del tiempo y la ciudad tiene efectivamente una sustancia lírica y un carácter elegíaco, en la medida en que se lamenta por aquello que alguna vez fue y ya nunca será. Pero a no confundirse: no hay nada de banalidad, de nostalgia barata en la revisión que el director hace de Liverpool en los años ’40 y ’50, la ciudad en la que Davies nació, creció y luego abandonó. Lo suyo es más bien una suerte de melancolía lúcida, de evocación crítica, tanto de su pasado personal como de su lugar de pertenencia. Las memorias y reflexiones de Davies –que la voz del propio director va desgranando desde un relato en off– son absolutamente íntimas, personales, pero quizás justamente por ello, por su carácter de verdad individual, son capaces de conectarse con otras memorias, otros recuerdos y volverse universales. Si no fuera porque Davies es tan ferozmente anticlerical y tan fervientemente antimonárquico, se podría pensar que es un reaccionario. Para él –y Del tiempo y la ciudad lo deja muy claro– Los Beatles, el producto de exportación más famoso y perdurable que ha tenido Liverpool, son el principio del fin, la invasión de la cultura pop que acabará con la personalidad históricamente obrera de la ciudad. Ese estallido Davies lo asocia también con la piqueta del progreso que termina con las típicas hileras de calles proletarias, con casas gemelas y chimeneas humeantes, que pasan a ser reemplazadas por horribles torres de hormigón. Del tiempo y la ciudad fue galardonada por el prestigioso festival de cine documental de Tesalónica y el New York Film Critics Circle.
Todas las películas en inglés con subtítulos en castellano
Capacidad de la sala: 90 butacas. Las puertas se habilitan 30 minutos antes de la función. El ingreso es por orden de llegada. No se reservan localidades.
Kino Palais, con el apoyo de la Cinemateca de la Embajada de Francia y el Institut Français, presenta del 26/4 al 26/5 un ciclo con cinco de los films más importantes del realizador francés Jacques Demy, más un homenaje realizado por quien fuera su esposa, Agnès Varda. Su interés por lo musical (fue probablemente uno de los más reconocidos realizadores de musicales fuera de Estados Unidos), la exploración de la imaginería del cine clásico norteamericano y una fuerte inclinación por la narración de historias de amor marcadas por el destino, lo hacen un ser excepcional dentro del irregular y trascendental grupo de realizadores de la Nouvelle Vague.
Programa: Lola, 1960, Francia, Dir. Jacques Demy, 85 minutos. Dedicado a Max Ophüls (de ahí el título, homenaje a Lola Montes), el primer largometraje en la carrera de Jacques Demy cuenta la historia de Lola (encarnada por la bellísima Anouk Aimée), bailarina de cabaret y madre soltera que espera la vuelta de su gran amor mientras hace felices a otros hombres. Un film sobre la fidelidad a los recuerdos, tal como señalara el propio Demy en una entrevista, en el que comienzan a aparecer algunos de los rasgos salientes de su filmografía, como el gusto por lo musical y la fuerte presencia del destino en la trama. Viernes 26 de abril a las 19 Domingo 12 de mayo a las 19:30 Sábado 25 de mayo a las 19
La bahía de los ángeles (La baie des anges), 1962, Francia, Dir. Jacques Demy, 89 minutos. Jean, un joven e ingenuo empleado de banco que descubre que tiene suerte en el juego, llega a la ciudad de Niza dispuesto a ganar dinero. Allí conoce a Jackie (interpretada por Jeanne Moreau, emblema de los films de la Nouvelle Vague), una atractiva mujer casada, adicta a las apuestas. Entre ellos surge una extraña relación en la que la pasión (por momentos entre ellos y por momentos por el casino) los moviliza. Según Demy, se trata del desmontaje y la exhibición de los mecanismos de la pasión. Nuevamente el destino juega su pasada: la pasión por el juego y el amor se muestran incompatibles. Sábado 27 de abril a las 19 Viernes 10 de mayo a las 19 Domingo 26 de mayo a las 19:30
Los paraguas de Cherburgo (Les parapluies de Cherbourg), 1964, Francia, Dir. Jacques Demy, 91 minutos. Este film, ganador de la Palma de Oro del Festival de Cannes de 1964 y Nominado al Oscar, es probablemente el más emblemático trabajo de Jacques Demy. Estructurado completamente a partir del género musical (todos los diálogos de la película son cantados), narra la historia de amor y desencuentro entre Guy y Geneviève (interpretada por Catherine Deneuve, en el papel que la hizo conocida y a partir del cual comenzó a trabajar con Demy). Con un intenso trabajo sobre el color y con una banda sonora muy recordada, consigue lo que el realizador se propusiera: “una película contra la guerra, contra la ausencia, contra todo aquello que odiamos y que destruye la felicidad”. Domingo 28 de abril a las 19:30 Sábado 11 de mayo a las 19 Viernes 24 de mayo a las 19
Las señoritas de Rochefort (Les demoiselles de Rochefort), 1966, Francia, Dir. Jacques Demy, 120 minutos. Delphine y Solange son dos hermanas mellizas de 25 años, preciosas y espirituales. Delphine, la rubia, da clases de danza, mientras que Solange, la pelirroja, da clases de música. Las hermanas viven inmersas en la música como otros viven en la luna, y sueñan con encontrar el gran amor a la vuelta de la esquina. El último fin de semana que pasan en Rochefort cambia por completo sus vidas. Siguiendo la línea de su trabajo anterior, este film constituye un sentido homenaje al musical de Hollywood (entre otras cosas por la presencia de Gene Kelly). Nominado a los Oscar en 1969 y ganador del premio Louis Delluc. Viernes 3 de mayo a las 19 Sábado 18 de mayo a las 19
Piel de asno (Peau d’âne), 1970, Francia, Dir. Jacques Demy, 89 minutos. Antes de morir, la reina hace prometer a su esposo el rey que él sólo podrá casarse con una mujer más hermosa que ella. Tras una intensa y en principio fallida búsqueda, la única que cumple con los requisitos es la propia hija de ambos. La princesa acude a su madrina, el Hada de las Lilas, con quien teje estrategias para impedir la boda. Basada en el cuento de hadas de Charles Perrault, esta película se sitúa en un mundo donde lo fantástico es regla, construido a partir de un intenso y minucioso trabajo de puesta en escena. Sábado 4 de mayo a las 19 Domingo 19 de mayo a las 19:30
Jacquot de Nantes, 1991, Francia, Dir. Agnès Varda, 118 minutos. Érase una vez un niño que creció en un taller en el que a todo el mundo le gustaba cantar. Corría el año 1939, el niño tenía entonces ocho años y le encantaban las marionetas y la opereta. Más tarde quiso hacer cine, pero su padre lo obligó a estudiar mecánica. Un cariñoso film que evoca la vida y recuerdos de Jacques Demy, narrado por quien fuera su mujer y compañera desde 1958 hasta su muerte, en 1990. Domingo 5 de mayo a las 19:30 Viernes 17 de mayo a las 19
FUC Crónicas de la vida cinema: las primeras películas de Nanni Moretti
Todas las exhibiciones cinematográficas que se realizan en la Universidad son gratuitas y forman parte del cumplimiento y desarrollo de los planes educativos y programas de estudio de las distintas asignaturas que se dictan.
ENTRADA LIBRE Y GRATUITA Miércoles 20hs. y Jueves 15hs.
SALA DE PROYECCIONES DE LA UNIVERSIDAD DEL CINE Pasaje Giuffra 330 – San Telmo
De atrás hacia adelante, durante el mes de junio, Espacio.Ciclos presenta las primeras películas del guionista, director y actor italiano, el extraordinario Nanni Moretti.
Comenzando por Caro Diario y terminando con Io sono autarchico, los cinco largometrajes programados, definen a Moretti como un intelectual de izquierda con un original sentido común y estético. Sus trabajos son una equilibrada mezcla de documentales, tesis sociológicas, romanticismo y anarquismo, libertad y responsabilidad, sarcasmo y ternura; que encuentran siempre en los silencios y los exabruptos su principal fuerza.
A partir de este jueves 2 de mayo, durante todo el mes en la Sala de proyecciones de la Universidad del Cine. Incluso en aquel entonces yo estaba interesado en ventilar mi ropa sucia en público, en ser transparente, en burlarme de mi entorno político, social y generacional, de una manera brutal pero cariñosamente. N.M. Jueves 2 de mayo Caro diario (1993, 100′, color) “En su octava película, la figura de culto Europeo y cómico italiano escritor-director-actor Nanni Moretti, ofrece un elegante, encantador, divertido e íntimo ensayo fílmico en tres partes. La primera parte, ‘En mi Vespa’ sigue a Moretti que viaja alrededor de Roma en su moto, visitando varios barrios (así como un par de películas) y rumiando sobre lo que ve; en el segundo capítulo, ‘Islas’, Moretti gira entre un grupo de islas frente a la costa de Italia y Sicilia con un amigo intelectual, buscando un lugar tranquilo para hacer algún trabajo; y ‘Médicos’, la sección más directa y objetiva, relata las visitas de Moretti en una cadena de médicos sobre una misteriosa dolencia-picazón y sus contradictorios diagnósticos y recetas. Para todas las traviesas digresiones de esta película (incluyendo algunas notaciones fascinantes y divertidas sobre el papel de la televisión en Italia contemporánea), la experiencia de las tres partes es misteriosamente muy unificada, y uno se va con una sensación imborrable de haber tenido contacto humano. Jonathan Rosenbaum, Chicago Reader Miércoles 8 y Jueves 9 Bianca(1984, 96′, color) A menudo hilarante… Nanni Moretti escribió, dirigió y protagoniza esta comedia italiana, que tiene lugar en una escuela secundaria alternativa por lo liberal, que hasta cuenta con un psicoterapeuta para el tratamiento del personal de la Facultad. Un profesor de matemáticas de neurótico (Moretti) quiere que las relaciones a su alrededor sean tan armoniosas como sus números (su escrutinio voyeurista de parejas a través de la terraza en su complejo de apartamentos deliberadamente evoca a La ventana indiscreta), pero cuando una hermosa colega (Laura Morante) le corresponde su amor, se convierte en celoso y desconfiado. Miércoles 15 y Jueves 16 Sogni d’oro (1981, 105′, color) En esta iniciática comedia, Moretti se proyecta como Michele, un cineasta que vive con su madre y tratando de completar un guión titulado, siniestramente — ‘La madre de Freud’. Con un guiño a Fellini 8 1/2, ficción y realidad se entremezclan cuando el cineasta desventurado empieza a entre soñar escenas de su obra. Las alucinaciones culminan en una extraña escena de un programa de entretenimiento, en el que cineastas participan en una batalla verbal real. Sueños de oro, según su director, “no es una película sobre el cine ni es incluso sobre los tormentos de un artista… Hay sufrimiento y dolor en mi película, pero eso no es cine, eso es la vida”. Harvard Film Archive Miércoles 22 y Jueves 23 Ecce bombo (1978, 103′, color) Narra la vida cotidiana de Michele, un estudiante universitario, las relaciones con sus padres, su hermana Valentina, sus novias y sus amigos, que pasan el tiempo en interminables conversaciones en un bar. Michele intenta ligar con la novia de uno de sus amigos. A veces, el grupo toma autoconciencia y ayuda a Olga, esquizofrénica, a superar su enfermedad. Llega el verano y Michele se encuentra solo y aburrido. Pero, cuando sus amigos vuelven de vacaciones, todo empieza de nuevo… Miércoles 29 y Jueves 30 Io sono un autarchico (1976, 95′, color) La primera película de Nanni Moretti, rodada en Super-8 (más tarde ampliada a 16 y 35mm) cuando tenía 22, utilizando a sus amigos como parte del elenco y del equipo, demuestra que su estilo y manera personal estaban completamente en el lugar desde el principio. Moretti juega al héroe, un padre cuyo matrimonio se derrumba y que está preparando una nueva producción para un grupo de teatro experimental en Roma que resulta ser también un desastre – Jonathan Rosenbaum, Chicago Reader.
Centro Cultural Ricardo Rojas Cine independiente mexicano Corrientes 2038 Sala Batato Barea | Entrada gratuita Todos los miércoles de mayo, a las 19hs Entrada gratuita
La Cineteca Nacional de México y Visionado Cine presentan en el Centro Cultural Rojas la primera Muestra de Cine Mexicano Independiente en Buenos Aires. Cuatro largos del reciente cine mexicano dirigidos por cineastas independientes. Los protagonistas de estas historias hacen una introspección en sus sensaciones, sentimientos e instintos. Las películas de esta muestra no sólo exponen la psicología de sus personajes sino también los diversos escenarios del territorio mexicano en los que éstos llegan al límite. La muestra tendrá una charla introductoria, la proyección de un video con un breve mensaje de los realizadores y un debate posterior en torno al contenido, la forma e ideas generales que puedan desprenderse del film.
8 de mayo. Lecciones para una guerra (2011). Juan Manuel Sepúlveda
15 de mayo. El sueño de Lu (2011). Hari Sama
22 de mayo. Asalto al Cine (2011). Iria Gómez Concheiro
29 de mayo. Paraísos Artificiales (2011). Yulene Olaizola
Sinopsis y fichas técnicas
-Miércoles 8 | 19 hs: Lecciones para una guerra (2011) El genocidio maya fue un oscuro periodo en la historia de Guatemala donde el ejército arremetió en contra de comunidades ixiles y quichés para suprimir las fuerzas de la guerra civil en la década de los 80. Después de refugiarse en las montañas para sobrevivir a las masacres que dejaron un saldo de más de doscientos mil muertos, los pueblos se establecieron en la parte nororiental de la sierra, zona actualmente asediada por su riqueza en recursos naturales. Conscientes de nuevas amenazas, los pueblos se preparar para una guerra venidera. Dir: Juan Manuel Sepúlveda / Guión: Juan Manuel Sepúlveda / Fotografía: Juan Manuel Sepúlveda / Música: Roberto Bolado / Prod: Juan Manuel Sepúlveda / Duración: 95 min / Premios: Mención especial en la categoría de documental mexicano. Festival Internacional de Cine de Morelia, México (2011)
-Miércoles 15 | 19 hs: El sueño de Lu (2011) Después de un intento de suicidio, Lucía tendrá que resignificar su vida para poder seguir adelante. Al enfrentar el duelo por la pérdida de su hijo encontrará nuevos vínculos y pequeños milagros; un encuentro y un viaje inesperado abrirán el espacio para comprender que puede permanecer en la vida y descubrirá que la eternidad se contiene en un instante. Dir: Hari Sama / Guión: Hari Sama / Fotografía: Emiliano Villanueva / Música: Darío González Valderrama / Edición: Mario Sandoval, Hari Sama / Con: Úrsula Pruneda, Gerardo Trejoluna, María del Carmen Farías, Emilio Echevarría, Moises Arizmendi, María Deschamps. / Prod: Sachiko Uzeta, Hari Sama / Duración 106 mins.
-Miércoles 22 | 19 hs: Asalto al Cine (2011) Asalto al cine cuenta la historia de cuatro adolescentes: Negus, Chale, Sapo y Chata. Son amigos desde niños, viven en una unidad habitacional de la colonia Guerrero, y su adolescencia transcurre en la necesidad de ocupar su tiempo y no encontrar cómo. Así empiezan a jugar con la idea de asaltar un cine. Cada uno en función de sus conflictos, encuentra motivaciones para llevarlo a cabo. La aventura los orilla a enfrentarse con sus vidas y pone en riesgo lo único que tienen: la amistad. Dir: Iria Gómez Concheiro / Guión: Juan Pablo Gómez García, Iria Gómez Concheiro / Fotografía: Alberto Anaya Adalid / Música: Aldo Max, Sebastián Rocca, Leonardo Soqui / Edición: Francisco X. Rivera, Luciana Jauffred / Con: Gabino Rodríguez (El Negus), Juan Pablo de Santiago (El Chale), Ángel Sosa (El Sapo), Paulina Ávalos (La Chata), Dolores Heredia (la señora), Susana Salazar (la mamá de la Chata)./ Prod: Roberto Fiesco, Iria Gómez Concheiro / Duración: 113 min / Premios: 2010. Premio Mayahuel a mejor ópera prima y premio Latinofusión en Guadalajara Construye. Festival Internacional de Cine de Guadalajara, México / Premio Casa de América en Cinema en Construcción. Festival Internacional de Cine de San Sebastián, España. Premio Ciné Cinéma, en Cinéma en Construcción. Encuentro de los Cine de América Latina, Toulouse, Francia. 2011.Premio de la prensa. Festival Internacional de Cine de Guanajuato, México. Premio Danzante al mejor actor. Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias, Colombia.
-Miércoles 29 | 19 hs: Paraísos Artificiales (2011) Jicacal es una hermosa playa delineada por la selva que constituye un verdadero paraíso tropical ubicado en la costa de Veracruz. Es también el lugar en el cual las historias de Luisa y Salomón se cruzan. Ella es una joven turista proveniente de la ciudad que lucha contra su adicción a la heroína. Él es un pescador de 63 años que trabaja en la localidad. Ambos ha encontrado en las drogas una manera de atender sus necesidades y mitigar sus temores. El título, que evoca la obra homónima de Charles Baudelaire, constata la presencia poética del film. A través del paisaje y de sus dos protagonistas que se comprenden tácitamente, Yulene Olaizola construye un relato en el que los personajes encuentran el alivio de no saberse completamente solos. Dir: Yulene Olaizola / Guión: Fernando del Razo y Yulene Olaizola / Fotografía: Lisa Tillinger / Música: Emiliano Motta y Emiliano González de León / Edición: Rubén Ímaz / Con: Luisa Pardo (Luisa), Salomón Hernández (Salomón) / Prod: Yulene Olaizola, Sandra Gómez y Maximiliano Cruz / Duración: 83 min. / Premios: Premio de la competencia Primer Corte. Ventana Sur, Buenos Aires, Argentina (2010). / Mención honorífica a la mejor fotografía. Festival de Cine de Tribeca, Nueva York, Estados unidos (2011). / Mejor dirección. Festival Internacional de Cine de Santiago (SANFIC), Chile (2011).
Ojo de Pez en el Club Cultural Matienzo Ciclo Backstage
Mayo 2013 Miércoles 21 hs | Matienzo 2424 y Av. Cabildo | Entrada $ 10 clubculturalmatienzo@gmail.com | www.ccmatienzo.com.ar | www.cicloojodepez.blogspot.com
Mostrale una película a un hombre del siglo XV y explicale cómo se hace cine. Decile que un tipo agarra a unos tipos que fingen ser otros tipos y les dispara con un ojo mecánico que parpadea 24 veces en un segundo y retiene como un recuerdo indeleble todo lo que vio. Y que hay un superoído en forma de una cosa peluda atada a un palo que oye por siempre y mini soles regulables direccionados para hacer día y noche según uno requiera y tantas maravillas inimaginables que aceptamos de inmediato mientras niños de doce años ya no creen en Santa Claus porque es imposible. Se puede hacer cine porque las cámaras existen; pero, igual, es imposible. Una idea manoseada por quince personas hasta ver la luz; un director que debe ser padre temporario de una familia inmensa; mil obstáculos a estrenar después de haber sorteado otros tantos para llegar a estar parado en el set con actores y técnicos. Este ciclo es para compartir el hermoso sufrimiento de hacer películas. Para espantar a jóvenes inocentes que ahora mismo se anotan para ser cineastas. Para compadecernos de nosotros mismos y contagiar a esas señoras que ven la vida entera de alguien puesta en pantalla y, como si tal cosa, dicen: una mierda. Y salen a tomar un café.
Miércoles 01- may/ 21hs La noche americana, de François Truffaut (1973)
Miércoles 08- may/ 21hs Living in Oblivion, de Tom DiCillo (1995)
Miércoles 15- may/ 21hs Man bites dog, de Rémy Belvaux, André Bonzel y Benoit Poelvoorde (1992)
Miércoles 22- may/ 21hs The Player, de Robert Altman (1992)
Miércoles 29- may/ 21hs La película del rey, de Carlos Sorín (1986)
Selección y textos: Fernando Milsztajn Producción: Club Cultural Matienzo
Festivales
