Francine, de Brian M. Cassidy y Melanie Shatzky.

The International Sign for Choking, de Zach Weintraub.

Nana, de Valerie Massadian.

Una por una, iremos publicando las reseñas de las 14 películas que disputan los premios que otorgará el jurado integrado por Peter Von Bagh (Finlandia), Pilar López de Ayala (España), Christoph Huber (Austria), Miguel Gomes (Portugal) y Rodrigo Moreno (Argentina).

-Francine, de Brian M. Cassidy y Melanie Shatzky (2012, 74', Estados Unidos-Canadá). Calificación: 8,50 puntos

Melissa Leo debería ganar otro Oscar (de hecho, más por este papel que por su algo excesiva performance premiada de El luchador) por encarnar a esta mujer casi catatónica que sale de la cárcel y trata sin demasiada fortuna de reintegrarse a la sociedad, fallando en casi todos sus intentos y encerrándose cada vez más en su casa, con sus gatos y animales, que crecen y crecen en cantidad en tanto su distanciamiento con el mundo de afuera se torna cada vez más definitivo. The Wall podría haber tenido una secuela así, con gatitos… DIEGO LERER

-La casa Emak Bakia, de Oskar Alegría (2011, 83', España). Calificación: 7,50 puntos

El tema, en cine, puede proponer infinitos abordajes y derivas. El punto de partida de un documental puede ser eso: un punto de arranque y, desde allí, se abren caminos impensados, curvas inesperadas, encrucijadas y bifurcaciones. Un film puede motivar otro film, como en este caso: un corto que realizó el surrealista norteamericano Man Ray en 1926 llamado Emak Bakia motivó al director español Oskar Alegría a desarrollar una investigación sobre derivas estéticas y vinculaciones que rozan tangencialmente, de una u otra manera, el film original. Emak Bakia significa en vasco Déjame en paz, frase que se corresponde tanto semántica como fonéticamente con el espíritu libertario y casi anarquista del dadaísta Man Ray.

El punto clave del film es la búsqueda de la casa donde Man Ray filmó su corto experimental, también llamada Emak Bakia, cerca de Biarritz, que aparentemente había desaparecido. Pero Alegría sale también en busca de su modelo: si por un lado desarrolla en su exploración relaciones libérrimas a partir del film vanguardista de Ray, donde el azar tiene su parte, pero también el capricho, por otro lo sigue fielmente: reproduce momentos del film, lo remeda y lo duplica, actualizándolo, llegando a la pantalla doble. También Alegría experimenta.

A la manera de una historia detectivesca, la investigación decide tomar un camino sinuoso, como lo son los recorridos de las liebres, o es llevada por el azar y la intuición. Esas derivas van creando el suspenso, hasta que, casi de la nada, aparece la casa tan buscada. La historia de la misma es una muestra de los cambios sociales acaecidos en el siglo XX.

Emak Bakia no sólo inspiró a Alegría. En su recorrido exploratorio, encuentra en Italia una marca de ropa con ese nombre y un grupo de música concreta en España que musicaliza el film con sonidos de la propia casa. Si puede resultar demasiado abigarrado en cuanto a contenidos e informaciones, el film rebosa creatividad, vitalidad y humor, atributos poco frecuentes en este 14º BAFICI. JOSEFINA SARTORA

-Aquí estoy, aquí no, de Elisa Eliash (2012, 96', Chile). Calificación: 7,50 puntos

Cuando Ramiro dice “aquí estoy” al comienzo de la película todo parece claro y afirmativo: siempre se puede decir “aquí estoy” pero el problema es indicar, entender a qué lugar se refiere ese “aquí”. y eso es lo que nunca se sabe en esta historia de Eliasch que reescribe con toda libertad Vértigo, de Hitchcock. Ramiro sobrevive a un accidente automovilístico y todo lo que pasa después está bajo el signo de su licencia médica indeterminada, es decir, que las posibilidades para encuadrar lo que pasa, o lo que Ramiro dice que pasa, van desde lo onírico hasta un simple golpe en la cabeza.

A partir de allí comienzan a suceder cosas levemente inverosímiles, pero no del todo; lo suficiente como para que el personaje, al que todos llaman “guatón”, pueda ser tanto un chanta como alguien que se mueve en otra dimensión enriquecida, distorsionada, de la experiencia. O más probablemente las dos cosas, pero como Ramiro -hay que decirlo- es altamente querible y parece estar a gusto con el mundo en su abandono, dan ganas de seguirlo en la aventura que lo tiene buscando a la ex rockera Ana Patricia Ahumada Jones para escribir su biografía por encargo en una Santiago sutilmente alucinada, suavemente artificial. MARINA YUSZCZUK

-Hemel, de Sacha Polak (2011, 80', Holanda-España). Calificación: 7,50 puntos

Como en Clip, aquí también hay una chica con una intensa vida sexual, mucha curiosidad y, en apariencia, poca participación de sus emociones en el asunto. Es más grande que la protagonista de aquel film y Sacha Polak no intenta aquí hacer ninguna denuncia de nada, sino más bien entrar en el mundo de este personaje. Lo mejor es que es un poco como Shame sin el melodrama absurdo e impostado puesto ahí por Steve McQueen y su guionista Abi Morgan (la misma de La Dama de Hierro). Lo flojo es que, también como Shame, Clip y tantas otras películas, buscan una “explicación” sobre los hábitos de nuestra protagonista ligada a su, digamos, algo extraña relación con su padre. Se ve que el realismo psicologista es una carga que nadie, ni aún los cineastas más “provocadores” se atreven a dejar de lado… ¿Por qué no puede ser, simplemente, la vida de una mujer que tiene sexo porque le gusta y punto? Me supera la necesidad de encontrarle “la explicación, el trauma”, a esa decisión, gusto y/o necesidad. DIEGO LERER

-The International Sign for Choking, de Zach Weintraub (2012, 80', Estados Unidos-Argentina). Calificación: 7 puntos

En todos lados sucederá lo mismo: siempre despierta curiosidad cuando un cineasta extranjero filma en tu país. No es una cuestión de nacionalismo ni mucho menos. Es, simplemente, intrigante saber cómo los lugares, hábitos y costumbres que uno conoce y muchas veces da por sentados son vistos por alguien que apenas ha pasado unas semanas en el lugar. The International Sign for Choking se centra en la experiencia de un guionista que viene a Buenos Aires con la excusa de escribir una histoira, pero que en realidad está buscando a una mujer que conoció en el pasado y a la que no puede encontrar. En su recorrido se topa con otra norteamericana –encarnada por Sophia Takal– y es en la relación entre ambos en donde la película se apoya. Utilizando planos cortos y locaciones poco distinguibles, Weintraub pinta claramente las vivencias de un hombre perdido en una suerte de limbo personal y artístico. Se puede viajar al otro lado del mundo, dirá el film, pero lo que no se puede es escapar de uno mismo. Y eso, citando a Moris, es lo más encantadoramente “porteño” que tiene esta original película. DIEGO LERER

-Nana, de Valérie Massadian (2011, 68', Francia). Calificación: 6,50 puntos

Mejor ópera prima en Locarno, Mejor película en Valdivia, este primer largometraje de Massadian (pareja de Pedro Costa) describe las vivencias de la niña del título, quien -con apenas cuatro años- parece mucho más adulta que aquellos que debieran cuidarla y la dejan sola buena parte del tiempo en una casa/granja ubicada en medio de un bosque. La película empieza de la peor manera (otra vez, con una larga matanza de un cerdo, uffff), pero luego -por suerte- cambia de registro y narra (con una cámara fija, ubicada a una considerable distancia de la protagonista) cómo ella construye su mundo propio y se relaciona con los conflictos del afuera. Kelyna Lecomte es un prodigio de expresividad y dulzura que Massadian afortunadamente no explota con fines demagógicos. La pregunta, inevitable, es si se trata de una gran película por su puesta en escena, o simplemente del hallazgo de una directora que supo captar el encanto, ese "ángel" de la pequeña (no)actriz. Yo me inclino más por la segunda alternativa, aunque reconozco que soy minoría, ya que casi todos mis colegas están convencidos de que aquí no ha nada casual sino causal y que, por lo tanto, el resultado artístico es extraordinario. DIEGO BATLLE

-Bonsái, de Cristián Jiménez (2011, 95', Chile-Francia-Argentina-Portugal).
Calificación: 6,50 puntos

Es original en su forma, pero se me hizo bastante fría como para ingresar del todo en su universo. Intriga, promete, no sé si termina de cumplir del todo. La historia se centra en una pareja cuyo final trágico se conoce desde el arranque. Las idas y venidas de ambos, su separación, sus intentos por ingresar al mundo de la literatura, entran en este ambicioso film que maneja varios tiempos a la vez y una serie de ejes narrativos. La película cumple en su cometido: bien hecha, seductora, elegante. Es uno (soy yo, tal vez) el que no termina de “comprometerse” con lo que pasa en la pantalla. Si bien la estructura del film es claramente distanciada y “meta” (mentiras e historias se mezclan con la supuesta realidad), hay algo en los ecos que todas esas asociaciones producen que no me termina de convencer. DIEGO LERER

-Tomboy, de Céline Sciamma (2011, 82', Francia). Calificación: 6,50 puntos

Volví a ver en DVD esta película que había apreciado con un jet-lag no menor el primer día del Festival de Berlín 2011. Lo mejor que tiene este nuevo largometraje de la joven directora de Water Lilies es que aborda un tema bastante complejo (un conflicto extremo de identidad sexual) con una naturalidad y un encanto que no necesita de subrayados, explicaciones ni mucho menos de justificaciones. Laure -una niña bastante poco femenina- se muda con su familia a un nuevo lugar y decide hacerse pasar por un varón, Michael. Juega al fútbol, se integra de a poco en el grupo del barrio y hasta logra interesar a Lisa. Sólo su hermana menor y su padre (su madre está embarazada y en otra cosa) parecen entender algo del conflicto interno, pero estamos aquí ante una exploración íntima, personal, de las contradicciones de una preadolescente. El film no quiere (o no se anima a) profundizar, pero se sigue casi siempre con bastante interés. DIEGO BATLLE

-The Woman in the Septic Tank, de Marlon N. Rivera (2012, 87', Filipinas). Calificación: 6 puntos

Arranca muy bien esta producción filipina, una suerte de comedia sobre los esfuerzos de los cineastas independientes de ese país por hacer películas que muestren la pobreza del lugar y triunfar así en festivales internacionales. Vemos al director y al productor pensar el film (un drama en las villas sobre una madre con siete hijos que se ve forzada a vender a una, o uno, de ellos a un pedófilo europeo) en función de actores y de estilos, y lo que imaginan que pueden conseguir gracias a ellos. “No nos alcanza con Cannes, queremos el Oscar”, comenta uno. Pero en un momento la histoira se pone demasiado obvia, reiterativa, y cuando la misma situación se repite en un musical, y en la versión que propone una actriz, y así, la idea del principio se va achicando y achicando, y lo que era una inteligente e incisiva mirada sobre el cine independiente filipino (más que aplicable al cine local, a la manera de UPA! Una Película Argentina) se vuelve una comedia de chistes fáciles y excesivos. Una gran media hora, de cualquier modo, y muchas referencias específicas que la gente de cine captará a la perfección… DIEGO LERER

-Clip, de Maja Milos (2011, 100', Serbia). Calificación: 5,50 puntos

En una Competencia Internacional dominada por películas "provocativas", esta es -sin dudas- una de las que más apuestasn por la provocación. Maja Milos ganó uno de los tres Tiger Awards del reciente Festival de Rotterdam por este crudo, desgarrador retrato de las experiencias sexuales de Jasna (notable performance de Isidora Simijonovic), una adolescente de 14 años que vive en un desolador entorno familiar y social, y está dispuesta a todo (incluso a degradarse, a humillarse) con tal de estar con el chico de 18 que le gusta (y que no parece prestarle demasiada atención). Con escenas de sexo explícito (en los créditos finales se aclara que fueron hechas con dobles de cuerpo, actores porno de más de 18 años) y con el plus "moderno" de que sea la propia protagonista -un ejemplo de nihilismo-quien se filme con su celular y luego comparta sus experiencias con amigas e incluso en la web, la película "sintoniza" con estos tiempos modernos. Seamos claros: no hay nada que reprocharle a Milos en cuanto a la dirección de actores, la puesta en escena o la contundencia del relato. El problema aquí es de orden moral. La película se regodea en el voyeurismo, en el morbo y termina cayendo en el sensacionalismo y la explotación. Una propuesta decididamente incómoda, pero al mismo tiempo muy interesante para la acalorada, apasionada discusión cinéfila (y de las otras). DIEGO BATLLE 

-Snowtown, de Justin Kurzel (2012, 120', Australia). Calificación: 5,50 puntos

Otra película "problema" para un crítico ¿Qué valorar? ¿Su solidez formal, su potencia narrativa y su credibilidad o sus excesos en la presentación explícita de varias de las peores miserias humanas (violaciones, torturas, descuartizamientos, efectos de drogas duras)? En el pueblo del título, se conforma un grupo clandestino que se dedica a eliminar -de las maneras más brutales que se puedan imaginar (¡la escena de la bañadera!)- a vecinos que cometen algún tipo de abusos. Homofóbicos, racistas, perversos, los integrantes de esta fuerza de choque representan a esos elementales white-trash que llevan hasta las últimas consecuencias la idea de la justicia por mano propia y el ojo por ojo. Basado (o inspirado) en hechos reales, el film tiene como antihéroe a un jovencito bastante inocente y tímido que es sumergido en ese infierno por el novio de su madre, psicopático líder de la banda. Mientras el protagonista es manipulado por su padrastro, el espectador es manipulado por Kurzel. En la línea del descarnado y perturbado nuevo thriller australiano (hay algo aquí de Reino animal/Animal Kingdom), pero con resultados bastante discutibles. DIEGO BATLLE 

 

-Policeman, de Nadav Lapid (2012, 107', Israel). Calificación: 4 puntos

Que este film haya ganado el Premio Especial del Jurado en Locarno, el Premio del Público en Nantes y -peor aún- que sea aclamado por no pocos críticos de primera línea, me hace pensar en lo mal que está el circuito de festivales (o, en caso contrario, lo mal que puedo estar yo). La película -que me recordó a los peores trabajos de Amos Gitaï- es de una banalidad, una torpeza, un trazo grueso, con personajes tan forzados y caricaturescos que indigna. Sobre todo, porque se mete con temas muy pesados como el (anti)terrorismo en Israel. En este caso, describe el accionar de unos policías que, esta vez, no deben enfrentarse con fanáticos palestinos sino con un patético grupo revolucionario integrado por compatriotas. Ni el espíritu tragicómico, ni algunas osadas observaciones sobre la contradictoria sociedad israelí, ni su "moderno" y experimental sistema narrativo alcanzan a redimir a una película que no tiene prejuicios, es cierto, pero tampoco demasiado talento. DIEGO BATLLE

-Los salvajes, de Alejandro Fadel (2012, 130', Argentina). Ver crítica aquí.

-Germania, de Maximiliano Schonfeld (2012, 75', Argentina). Ver crítica aquí 

-La araña vampiro, de Gabriel Medina (2012, 94', Argentina). Ver crítica aquí

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