Críticas de la sección Cinefilias (3 películas)

Esta muestra dedicada a películas sobre el cine suele ser una de las más valiosas del festival.

-DAWSON CITY: FROZEN TIME (Estados Unidos, 2016, 120'), de Bill Morrison ★★★★★

¿Una película sobre la Fiebre del Oro, la historia del cine, la preservación/recuperación de copias de nitrato, los sobornos en el béisbol y el inicio de la fortuna de la familia Trump ligada a la prostitución? Sí, todo eso -y mucho más- aborda esta magistral película de Bill Morrison, una historia fascinante y una demostración de que no hay nadie como este director a la hora de trabajar sobre materiales de archivo.

La historia comienza en 1978, cuando una máquina retroexcavadora descubrió en Dawson, una pequeña ciudad del norte de Canadá, 500 latas con rollos de películas del período mudo que habían sido enterradas en una piscina que luego se convirtió en cancha de hockey sobre hielo. Gracias a la intervención urgente de algunos cinéfilos e instituciones, ese material fue rescatado y enviado a los Archivos Canadienses en Ottawa y a la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos. Entre las gemas encontradas había desde unas 370 películas comerciales de las décadas de 1910 y 1920 que fueron desechadas luego de su explotación en esa zona de Yukón (nadie quería afrontar el costo de llevarlas de vuelta) hasta films caseros, pasando por noticieros de la época que, entre otras cosas, exponían el infame caso de corrupción de la “Black Sox” World Series de 1919 en el que varios jugadores fueron a menos.

La película -casi sin diálogos, con una hermosa música de fondo compuesta por el islandés Alex Somers (Capitán Fantástico), y constantes subtítulos y carteles que aportan el soporte informativo- también reconstruye la historia de Dawson City, una población ubicada a menos de 600 kilómetros del Círculo Polar Artico y fundada tras arrasar a los pueblos originarios en 1896, que -en plena Fiebre del Oro- llegó a tener más de 40.000 habitantes (allí el abuelo de Donald Trump, Frederick, abrió un antro que funcionaba como prostíbulo) y pocos años después tenía menos de mil.

Con muchísimos fragmentos de las películas recuperadas (de los géneros y estilos más diversos), imponentes fotografías tomadas por Erick A Hegg, recortes de diarios y una investigación prodigiosa, el director va construyendo un patchwork visual y una fascinante narración que funciona bien en todos los niveles: estético, sociológico, cinéfilo, político e histórico. Dawson City: Frozen Time expone en toda su dimensión los fuertes cambios sociales en los distintos períodos con sus momentos de esplendor y las crisis marcadas en muchos casos por tragedias (los incendios provocados por la mala manipulación de las copias de nitrato eran constantes y devastadores). Una obra maestra de ese infatigable y obsesivo buscador de tesoros fílmicos llamado Bill Morrison. DIEGO BATLLE





-COMO ME DA LA GANA II (Chile, 2016, 86'), de Ignacio Agüero ★★★★★

El veterano realizador chileno Ignacio Agüero resultó vencedor de la vigesimoséptima edición del FIDMarseille con su película Como me de la gana II, continuación de un cortometraje, Como me da la gana, que el mismo Agüero rodó en 1985. El trabajo original, que según explicó el propio director en la presentación, conocía su segunda proyección pública en el marco del FIDMarseille, tras su estreno en 1985 en el Festival de la Habana, es un singular retrato del Chile de los años '80, en plena dictadura de Pinochet, a través de los rodajes de varias películas, y las entrevistas que Agüero mantiene con sus realizadores, interrumpidos con una mezcla de ingenuidad e insolencia en medio de sus trabajo diarios.

Concebido en la superficie como una investigación en torno al propio cine, a sus aspiraciones, a su propia definición, Como me da la gana puede leerse también como un retrato de un país tratando de levantar la cabeza bajo un régimen sanguinario y dictatorial, buscando espacios de resistencia y pensamiento crítico en el campo artístico; los directores que aparecen son aquellos que no están en el exilio, y hacen lo imposible por trabajar “como les da la gana”.

La segunda parte de aquel trabajo, Como me da la gana II, es un largometraje que retoma la idea central de aquella primera semilla, para expandirla en muchas más direcciones: la cámara de Agüero no se fija solamente en los rodajes cinematográficos, sino que deambula por todo el país, intentando dar respuesta, o al menos formulando, de muchas y muy distintas formas, la misma pregunta: “¿Qué es lo cinematográfico?”. Si en el cortometraje original, Agüero se limitaba a trasladar la pregunta a otros, como respuesta a la frustración producida por la censura de su primera película, en esta ocasión ensaya diversas respuestas: filmaciones de rodajes ajenos, pero también proyecciones, espectadores fascinados por las imágenes, sus propios archivos personales, reflexiones sobre el proceso de creación de la película, talleres de cine para niños, paisajes, sonidos, memorias, o el propio proceso de construcción y debate de la película en la mesa de montaje, en una mezcla que lejos de ser azarosa, o más bien caprichosa, va dibujando un sendero entre el pasado, el presente, la memoria y el futuro a través de las imágenes.

Sin nostalgia, pero sin olvido, Como me da la gana II aborda el Chile contemporáneo a través de los retazos de películas, rodajes y recuerdos de uno de sus más precisos retratistas. Con algo del espíritu de Raul Ruiz, la película es un viaje en el que vida y muerte son categorías obsoletas, que dialogan en la creación de una nueva definición temporal y vital: lo cinematográfico como ese enclave en el que la vida alcanza un estado superior, de una belleza doméstica, cotidiana, capaz de contener en un momento los recuerdos de quienes no están y las sonrisas de quienes forjan el futuro.

Si la primera película trataba de forma indirecta o alegórica sobre la libertad, en un país en el que ésta brillaba por su ausencia, Como me da la gana II es la libertad hecha película, un trabajo que se permite el lujo de reinventarse a sí mismo, reconocer su deambular, y comenzar y volver a recomenzar. “Nos perdimos, Sophie”, le dice en un momento el cineasta en off a su montadora, sobre el plano de un paisaje chileno de agua y montaña. Y la película vuelve a comenzar, de nuevo con sus títulos de crédito, para fijarse largo rato en el rostro de una niña que mira embelesada una pantalla de cine, o de televisión, que se mantiene fuera de cuadro.

Entre todas las tramas que recorren la película –las imágenes familiares de Agüero, sus visitas a distintos rodajes, o fragmentos de películas de amigos asesinados por la dictadura–, hay una que resulta ser esencial: la visita a los talleres de cine para niños que desde los años ochenta imparte Alicia Vega por todo el país; con la filmación de su trabajo, las miradas de los niños, su descubrimiento del proceso cinematográfico, la película (por momentos) se convierte en una lección de cine para niños, obligando al espectador a reconvertirse en un niño aprendiendo, o re-aprendiendo, su relación con las imágenes, y también reinventando el proceso de filmar, de convertir el mundo en imágenes, o descubrir nuestra relación con él a través de ellas.

Agüero, quizás el mejor conversador del cine contemporáneo, con permiso del malogrado Eduardo Coutinho, despliega en la película una clase magistral de relación y curiosidad por el mundo (y el cine como parte inseparable de él). Sabiendo esperar, manejando los silencios, el tempo, la curiosidad, y la no siempre bien valorada capacidad de escuchar, Agüero construye la película sobre la palabra justa, la de los otros, y la suya propia, y sobre la imagen precisa: la que dice sin decir, la que esconde la respuesta a la gran pregunta: ¿Qué es lo cinematográfico? Nos perdimos, Sophie. Créditos. GONZALO DE PEDRO AMATRIA



-O CINEMA, MANOEL DE OLIVEIRA E EU (Portugal, 2016, 81'), de João Botelho ★★★★✩

El documental de Botelho sobre Manoel de Oliveira tiene una propuesta diferente, evocando las enseñanzas del mítico director portugués -quien nunca aparece en escena- a través de sus películas. El racconto -y el montaje de las obras evocadas- aquí está llevado por los temas cinematográficos que se reiteran en sus films, y deja la cronología de lado.

En la tercera Y última parte del largometraje, Botelho incluye en abismo un homenaje al maestro, con la inclusión de su mediometraje A rapariga das luvas, a partir de una idea concebida y nunca rodada por Oliveira. Un film mudo en blanco y negro, realizado a la manera del cine expresionista, pero también siguiendo las huellas de Oliveira, sobre una torturada historia de amor imposible, que funciona a manera de espejo donde el discípulo emula al maestro. JOSEFINA SARTORA