Críticas de la sección Cine del Futuro

Un recorrido por las 20 películas de esta sección competitiva que apostó por lo más audaz y experimental de la producción contemporánea.

-True Love (España, 75'), de Ion de Sosa.

Hay algo de exhibicionismo impúdico y otro tanto de querible y fascinante en esta suerte de diario íntimo que el vasco Ion de Sosa filmó durante una larga estancia en Berlín. El director recorre la ciudad en las distintas estaciones del año, pero básicamente se filma a sí mismo (en el dentista, en el quirófano, siendo tatuado, haciendo el amor con su novia y un largo etcétera) en una propuesta visceral, cruda en imagen, sonido y montaje. Es de esos films que pueden provocar cierto fastidio, pero que al mismo tiempo muestran la audacia (y la arrogancia) de un director autogestionario con una infrecuente capacidad para encontrar buenas dosis de intéres e incluso de lirismo en las cosas más banales (y hasta más desagradables) de la vida cotidiana. DB

 

-The Arbor (Reino Unido, 90’), de Clio Barnard.

The Arbor es el nombre de la calle de un pueblo de Yorkshire, en Inglaterra, donde vivía la autora teatral Andea Dunbar, quien murió en 1990 a los 29 años, y dejó tres hijos pequeños. En su opera prima, la directora Clio Barnard reconstruye esa vida y la de los hijos en su crecimiento, en una suerte de ensayo biográfico con una puesta posmoderna, estructurada en distintos niveles: por un lado, la reproducción de algunas entrevistas televisivas a la escritora y su familia; por otro, la grabación de testimonios de familiares y amigos, al tiempo que actores representan a esos personajes de la historia (historia real con actores, se advierte al comienzo del film) con las voces originales superpuestas; y, por último, la representación, en plena calle The Arbor, de una obra teatral autobiográfica de Dunbar. A través de esas biografías se traza un cuadro social de la Inglaterra de fin de siglo, con una clase media empobrecida y brutalizada, dominada por el alcohol, las drogas y los abusos de la violencia doméstica. Tan dramática como la historia de la alcoholizada Dunbar es la de su hija Lorraine, mitad paquistaní, que sufre el racista rechazo de su madre y cae en una espiral de degradación. Film muy duro, si bien interesante, cuyo carácter teatral y prolongados testimonios a cámara lo convierten en una experiencia difícil. JS

 

-Separado! (Reino Unido-Argentina-Brasil, 84’), de Gruff Rhys y Dylan Goch

Lo primero a mencionar es que esta road movie es tan disparatada como divertida. Su estética glam, que incluye sonidos y sobreimpresos típicos de las presentaciones de los spaghetti western, llevará al mundo surrealista de los directores Dylan Goch y Gruff Rhys (este último músico de la banda Super Furry Animals y protagonista de la película) a teletransportarse a cualquier parte del mundo... ¡con un casco de un Power Ranger! Pero a no equivocarse. Este interesante film -a manera de un documenta-l busca saber el destino de un personaje singular: el tío de Gruff, llamado René Griffiths, un galés que emigró a la Patagonia, y se dedicó allí a cantar música autóctona con su guitarra. Gruff lo busca por Brasil hasta que recala en el sur, donde vivirá y experimentará desde los recuerdos de la llamada “conquista del desierto” al destino de la comunidad galesa que terminó –dice la leyenda- siendo determinante para no perder la Patagonia en manos de los chilenos. Hablando y cantando en el idioma originario galés (que suena muy duro a nuestros oídos latinos, como una de las lenguas escandinavas) y otro poco en inglés, llevará a cabo este intento de búsqueda, con asombrosa capacidad de observación de las distintas costumbres. Los directores dividen la pantalla en varios cuadros de colores diversos que, a manera de separación de capítulos, logra una estética acorde con esta extraña historia. Hasta se ve el testimonio de la excelente directora argentina Mariana Arruti (Trelew) que menciona que la ciudad siempre quedará con el peso de esa masacre: “la historia y la verdad nos fue negada”. En esta loca película no falta una visita de Gruff, cuyo grupo ha realizado parte de la banda sonora de Red Social, a la mítica cabaña del que fue el último hospedaje de Butch Cassidy, con un libro -sobre la filmografía de Robert Redford- bajo el brazo. NK

 

-Silver Bullets (Estados Unidos, 70’), de Joe Swanberg.

El prolífico treintañero Swanberg -uno de los principales referentes del Mumblecore junto a los hermanos Duplas, Andrew Bujalski y Aaron Katz con films como Nights and Weekends, Hannah Takes the Stairs y Alexander the Last- escribió, dirigió, produjo, fotografió, editó, produjo y coprotagonizó esta película que, si bien tiene algunos rasgos de este movimiento (mucho diálogo "susurrado"), se arriesga -no siempre con buenos resultados- con escenas de lo más variadas y delirantes, inclusive con una estructura de cine dentro del cine con hombres (y mujeres) lobo. Se nota que el proyecto fue rodado de a partes, con largos intervalos y, así, al relato le cuesta alcanzar frescura y fluidez (dos de los mumblecores): es como si por momentos se trataran de sketches aislados o situaciones improvisadas para ver en qué resultan. De todas maneras, más allá de sus desniveles, siempre es interesante ver qué están haciendo los directores estadounidenses ultraindependiendes, esos que buscan, prueban y no se quedan en la fórmulas ya probadas. DB 

 

-Year without a Summer (Malasia, 90’), de Chui Mui Tan.

En su segundo largometraje después del multipremiado Love Conquers All, el director malayo propone una película que prescinde de la narración clásica y se despliega en múltiples situaciones (pescadores en el mar y cazadores en la selva, escenas de la cotidianeidad familiar y relatos de corte fantástico sobre fábulas, mitos y leyendas propias de la tradición del lugar). El film no está nada mal en su exploración de la naturaleza, en su combinación del presente y el pasado, pero al mismo tiempo me pareció demasiado influido por el cine de Apichatpong Weerasethakul y la copia en Beta que se presentó no estaba a la altura de lo que -intuyo- habrá sido un trabajo con un gran cuidado visual. Una pena. DB

 

-Mensajero (Argentina-España-Alemania, 85’), de Martín Solá.

Casi en las antípodas acuáticas de Caja cerrada (su film sobre el trabajo en un buque pesquero que estuvo en esta misma sección del BAFICI 2008), Solá se traslada ahora hasta el árido norte para describir las vivencias de Rodrigo, un muchacho que se gana la vida como mensajero de pueblo (va en moto dando recados casa por casa). Sin embargo, luego de una procesión religiosa, el personaje viaja por tres meses hasta una salina para ganarse unos pesos como trabajador golondrina. Allí es donde la contemplativa película -rodada en bellos, largos, casi hipnóticos planos fijos en blanco y negro- adquiere su real dimensión. Riguroso documental observacional (aunque Solá se permite incluir algunos diálogos, pequeñas ficcionalizaciones y hasta "retratos posados" de los empleados de la salina que no hacen "ruido"), Mensajero nos propone un viaje a una tierra y su gente sin lugares comunes, pintoresquismos ni subrayados porque confía -y hace bien- en el poder de sus imágenes. DB 

 

-El fantástico mundo del cropogo (Argentina, 63’), de Wenceslao Bonelli.

El cropogo es una mezcla entre el croquet, el polo y el golf (cro-po-go), y se juega en el campamento del YMCA en Sierra de la Ventana. Bonelli se acerca no tanto al "deporte" en sí -aunque hay una introducción "histórica"- sino a la "interna" que existe entre los cultores del juego, dos bandos enfrentados por el uso de palos de madera o de fibra de vidrio, por si uno u otro posee el récord de menos golpes en la cancha de 9 hoyos y cosas por el estilo (todo bastante menor y, en el fondo, patético). El climax es el "master" que se juega cada enero. Se trata de un documental simpático, que no desentonaría en ninguna señal del cable, pero que en el marco del BAFICI (y, más aún, en la muy experimental sección Cine del Futuro) resulta una elección absurda. DB  

 

-Snap (Irlanda, 86’), de Carmel Winters.

Esta debutante directora irlandesa apela a un patchwork visual para narrar una enfermiza relación madre-hijo y reconstruir una historia signada por la tragedia y el dolor. Documental y ficción, videoarte y cine dentro del cine (fuerte presencia del equipo técnico en pantalla) son algunos de los elementos que se conjugan en un film lleno de búsquedas e ideas, pero también de altibajos y que, por lo tanto, genera fascinación e irritación en dosis similares. DB

 

-Day is Done (Suiza, 111’), de Thomas Imbach.

Imbach comenzó a filmar esta hermosa, íntima y desgarradora película con una pequeña cámara de 35mm en 1994 desde la ventana de su casa y luego le sumó las grabaciones de los mensajes de su contestador telefónico que empezó a recopilar en 1988. A partir de esos dos elementos, vamos conociendo durante las distintas estaciones del año (hay mucha nieve y lluvia) la vida en un barrio de Zurich dominado por trenes, fábricas, depósitos y aviones, los cambios del paisaje urbano (un incendio, la construcción de un rascacielos) y los grandes hitos de su vida (la muerte de su padre, el nacimiento de su hijo). Si bien algunos colegas cuestionaron la inclusión de imágenes en Súper 8 en la que aparecen las personas reales (él, su hijo, su ex esposa) y el uso algo abusivo de la cámara ultra-rápida, para mí la película gana en emoción con la primera decisión y no cae en el regodeo visual con lo segundo. El film, de un lirismo conmovedor (ayudado por hermosas versiones nuevas de temas de Bob Dylan, Syd Barret y John Frusciante, entre otros), es también visceral (Imbach es muy despiadado consigo mismo) y fascinante. Una de las grandes películas de esta sección y de todo el 13° BAFICI. DB

 

-Teoría de cuerdas (Argentina, 70’), de Luján Montes, Gabriel González Carreño, Clara Frías, Laura Focarazzo, Oscar Maio, Luciana Foglio, Eugenia De Rossi, Sergio Brauer, Juan Tancredi, Antonio González Mediondo y Amado Casal.

Cine experimental ultra-radical. Once directores que, en la primera función de presentación, demostraron poca capacidad de oratoria se animan a diversos géneros en un extraño e interesante film. Ernesto Baca, hacedor de Samoa oficia aquí de productor junto a Jessica Blanco y presenta estos capítulos donde se fusionan material de Internet, found footage y VHS, entre otros. La música realizada por el artista sonoro Gustavo Esnaola Moro funciona a manera de unión de cada uno de estos retazos experimentales. Se destacaron los remixados VHS de una reunión en una quinta familiar -con esos colores saturados de las viejas filmadoras- y una especie de operación a ojo abierto, que puede inquietar a más de un espectador, en una forma de reinventar la famosa escena de Un perro andaluz, de Luis Buñuel. Sólo recomendable para los que buscan lo realmente extremo. NK

 

-Canción de amor (Argentina, 65’), de Karin Idelson

Hay cierto cine de difícil clasificación que transita los límites entre lo documental y lo experimental, y es en esa zona difusa donde podríamos ubicar a Canción de amor, de Karin Idelson. Esas canciones que no escuchamos pero que todos sabemos, que pueblan lo cotidiano de manera casi imperceptible y surgen en el sitio menos esperado, constituyen el eje que vertebra una película que tiene mucho de azar y de asociación libre, pero que sabe detenerse, observar y descubrir puntos de vista inesperados. La estructura del film -que podríamos llamar a-narrativa, más allá de las mínimas unidades esbozadas- está compuesta de pequeños fragmentos, cada uno de ellos enmarcado por una de las canciones del título que surgen en medio de situaciones más o menos cotidianas, más o menos esperables, pero siempre resignificadas a partir de esa irrupción de la música en el mundo. Así, desfilan por la banda sonora Bryan Adams, Gilda, Queen, boleros clásicos y reggaetones hiteros, y hasta un Elvis nacional, inundando situaciones y espacios tan disímiles como un hotel alojamiento, un geriátrico, un vagón de la línea B del subte de Buenos Aires, un ensayo del Coro Kennedy, un show de strippers o un viaje en taxi. Lejos del vértigo del videoclip, la cámara funciona como un ojo atento que se detiene en detalles que muchas veces van más allá, o se quedan más acá, de lo esperable (paradigmático resulta, por ejemplo, el anti-erotismo de la escena del show de strippers). Tampoco se busca que las canciones se ubiquen “por encima” del mundo, sino más bien mostrar que están justo en el medio: el sonido no es “limpio”; la cercanía o lejanía de la fuente y la fuerza del sonido ambiente se evidencian y, lejos de la idealización sonora de MTV, nos recuerdan que en la experiencia de la escucha la música no es más que un “ruido”, entre otros. Siempre es difícil dar cuenta de un film que se aleja del territorio de lo narrativo. Pero si tuviéramos que llegar a una conclusión, podríamos decir que, de algún modo, Canción de amor busca dar cuenta -a su manera- de eso que hace la música con nosotros y con el mundo: transformar nuestra mirada y teñir lo más banal de otro color. GS

 

-The Terrorists/Poo kor karn rai (Tailandia-Alemania, 103’), de Thunska Pansittivorakul

Como varias de las películas de esta sección, no hay aquí una narración clásica, sino varios fragmentos o episodios muy diferentes entre sí en los que conviven lo político y lo íntimo, lo bello y lo cruel, la literatura y el erotismo, el realismo y lo lírico. El director -una de las víctimas preferidas de la censura de la monarquía dictatorial de su país- expone el estado de represión, amargura y confusión en que vive la sociedad, mientras busca refugio en la sensualidad y la introspección como forma de "combatir" ese estado de situación. DB

 

-Música campesina (Estados Unidos.Chile, 100’), de Alberto Fuguet.

Luego de la decepción que me provocó Velódromo en el BAFICI 2010, con Música campesina me reconcilié con el cine de Fuguet y con su actor-fetiche Pablo Cerda. Tras las anodinas desventuras del ciclista que deambulaba por Santiago en su film anterior, el reconocido escritor ahora traslada a su antihéroe a la ciudad de Nashville (contó con el apoyo de la universidad local en la que es profesor): un chileno que viene de sufrir un desengaño amoroso con una novia estadounidense. Entre hoteles y casas compartidas con losers/dealers/slackers (la mirada sobre la sociedad norteamericana es despiadada sin por eso caer jamás en la bajada de línea), Alejandro Tazo tendrá trabajos precarios (como limpiar baños en hoteles), amistades fugaces (incluida con una... ¡argentina!) y experiencias musicales (es un fan de Johnny Cash). Si bien al film le hubiese venido bien una puesta más "aireada", Fuguet da aquí un enorme salto cualitativo como narrador (aparecen algunos encuadres muy virtuosos), como director de actores y como observador de la soledad, de las contradicciones de los inmigrantes, y de las diferencias culturales, de costumbres y, claro, de idiomas entre norte y sudamericanos. DB

 

-Verano de Goliat (México-Canadá, 76’), de Nicolás Pereda

Este quinto largometraje (y probablemente el mejor hasta el momento) del jovencísimo (apenas 28 años), prolífico y muy talentoso director mexicano -radicado en Canadá- Nicolás Pereda ganó el premio principal de la sección Orizzonti del Festival de Venecia 2010. El realizador de Perpetuum Mobile, Todo, en fin, el silencio lo ocupaba, Juntos y ¿Dónde están sus historias? alcanza en Verano de Goliat una mayor depuración, intensidad, solidez y convicción con un retrato coral (con mucho de ficción y algo de documental) sobre los habitantes de un pequeño (pero nada tranquilo) pueblo rural, donde se combinan la tragedia, el humor, la violencia, la ternura y las peores miserias. Con una dimensión que por momentos remite al cine de un Apichatpong Weerasethakul o un Lisandro Alonso, Pereda maneja muy diferentes registros (desde el plano fijo al plano-secuencia, desde el testimonio a cámara hasta tour-de-forces actorales, desde el grotesco hasta el lirismo, desde los ancianos hasta los niños) y los hace convivir con absoluta naturalidad, sin forzar ni subrayar jamás las cosas. Una pequeña obra maestra. La consagración de un director a seguir muy de cerca. DB

 

-Good Morning to the World!! (Japón, 81’), de Satoru Hirohara

Este jovencísimo director japonés ya deja de ser sólo una promesa: luego de There (2007), en este segundo film presentado en el reciente Forum de la Berlinale ratifica su talento narrativo, su sensibilidad (poco habitual) y su capacidad de observación con la historia de un chico de 16 años que vive con su madre (aunque en realidad ella no está casi nunca y, cuando está, es como si no estuviera). En el secundario, tampoco es lo que se dice un tipo popular, por lo que dedica su tiempo a grabar una suerte de memorias personales en cassette y a escuchar noticias sobre catástrofes sociales. Un día, muere un vagabundo al que solía cruzar de camino al colegio y nuestro antihéroe se obsesiona con contactar a su familia, pese a que nadie parece tener demasiado interés en la suerte de dicho homeless. Películas de perdedores queribles, de traumas y heridas abiertas que evitan ser subrayadas, de momentos de gran inspiración no exentos de lirismo, Good Morning to the World!! es una tragicomedia llena de desprejuicio, de libertad... y de cine. DB

 

-Fleurs du mal (Francia, 98’), de David Dusa

Bien clasificada en la sección Cine del Futuro, podría decirse que se trata de una película de amor posmoderno, o de cómo se desarrolla el encuentro amoroso en las sociedades desarrolladas contemporáneas. El es un chico de origen árabe en Paris, dedicado a Facebook y a desplazarse mediante un baile bastante acrobático, desde su departamento al hotel donde trabaja como botones. Ella es una chica iraní en su primera visita a la ciudad, que sigue obsesivamente por Internet la evolución de las protestas en Teherán durante las últimas elecciones. Una historia simple, que contiene tantos elementos actuales: ese amor con cierto desapego que hoy viven los más jóvenes, el desarraigo y las migraciones, los -largos- tiempos muertos centrados en el baile y, sobre todo, el tremendo poder de Internet. JS

 

-Finisterrae (España, 80’), de Sergio Caballero

Dos fantasmas recorren Galicia charlando en ruso y siguiendo el camino de Santiago hasta el fin del mundo. Así podría sintetizarse la propuesta de este film que será amado y odiado en el BAFICI. De la solemnidad al humor más absurdo, de lo más intelectual a lo más banal, esta opera prima de Caballero Lecha -ganadora de uno de los tres Tiger Awards del reciente Festival de Rotterdam con un jurado integrado por Lucrecia Martel- tiene todo tipo de referencias cinéfilas, literarias, pictóricas y musicales (el amigo Diego Lerer en Micropsia citó a Philippe Garrel, Albert Serra, los Monty Python, Luis Buñuel, Lars von Trier, Shrek, Andrei Tarkovsky, Eugene Green, El Señor de los Anillos, Ingmar Bergman, Alejandro Jodorowsky y varios más), aunque aquí se ve también el sello del productor Luis Miñarro (de la compañía Eddie Saeta), responsable de buena parte del cine más radical que se hace en España, incluida la filmografía de Albert Serra, con quien Caballero parece dialogar muy de cerca. Para destacar, el trabajo visual del DF catalán Eduard Grau (Honor de cavalleria, Sólo un hombre, Enterrado). DB

 

-La vida sublime (España, 90’), de Daniel V. Villamediana

Con referencias explícitas a El sur, de Víctor Erice, y entiendo que con el deseo de capturar la esencia de los paisajes por los que se mueve, La vida sublime traza el viaje de un individuo, interpretado por Víctor Vázquez, tras las huellas de su abuelo, que vivió en el Cádiz posterior a la Guerra Civil española. Se trata de un film discursivo, muy basado en los diálogos que el protagonista mantiene con diversos personajes, así como en imágenes más o menos estáticas de los lugares en que se encuentra: el paisaje castellano, Sevilla, Cádiz y su costa. Aunque tiene poco que ver, no puedo dejar de pensar en Jim Jarmusch y en su Los límites del control (The Limits of Control), en la que también un personaje viaja y en cada lugar mantiene una charla con diversas personas. Mi problema con La vida sublime es que, sobre todo en su primer tramo, las conversaciones me resultan forzadas y, en cierto sentido, un recurso fácil para explicar cosas que es más difícil expresar cinematograficamente. A partir del viaje al sur, en cambio, encuentro tanto los diálogos como las imágenes más interesantes y fluidas. Mientras en la película de Jarmusch el problema estaba más en en el fondo que en la forma, creo que a La vida sublime le falta elaboración para que sea una auténtica experiencia cinematográfica. Resulta demasiado teórica en su estructura y en su puesta en escena; no encuentro un sentimiento genuino en el movimiento del personaje y sí algo de impostura. JML

 

-Aardvark / Cerdo hormiguero (Estados Unidos, 80’), de Kitao Sakurai

En un registro casi documental, vemos cómo vive un hombre ciego y solitario, que se las arregla bastante bien en su vida cotidiana, acude a un grupo de recuperación del alcoholismo y reza arrodillado junto a su cama. El primer plano del film podría engañar: una panorámica de un bosque muy frondoso, donde Larry se abre paso con su bastón, con dificultad pero tenazmente, entre malezas, árboles caídos y trampas del terreno. Sakurai -director de origen japonés radicado en los Estados Unidos- viene de la fotografía, y eso se nota en las bellos planos del film. Pero enseguida se abandona lo bucólico para pasar al ámbito urbano, donde la vida es aún más dura. Larry conoce a Darren, un instructor de judo y empieza esta práctica, encontrando una actividad tan placentera como estimulante, y un nuevo amigo que le abrirá alternativas de vida. Pero Darren está involucrado en asuntos no muy limpios, que derivan en hechos de violencia. Sin buscarlo, casi sin darse cuenta, Larry tendrá su propio descenso a los infiernos. Se trata de un film insólito, en el cual los cuerpos cobran una importancia vital: la visión que falta a Larry es reemplazada por lo táctil y el peso corporal. Es clave la escena en que van a un show, y la stripper termina arriba de Larry, bailando contra su pecho. Cuando Larry decide investigar qué ha sucedido con su amigo, entramos en un terreno siniestro que evoca lo más denso de David Lynch. Esta segunda parte del film, que se aleja de lo documental y entra en la ficción como un noir muy libre, bordea peligrosamente el precipicio. La actuación de Larry Lewis es muy inquietante, con esa mueca de los ciegos, cuya sonrisa no quiere decir lo mismo que en una persona vidente. El argentino Gastón Solnicki es sonidista y coproductor del film. JS 

 

-Fading (Francia, 65’), de Olivier Zabat.

Una serie de escenas más o menos inspiradas, más o menos inquietantes, por momentos más ligadas al documental y en otros coqueteando con la ficción. Eso es (todo) lo que propone el francés Zabat en este film que, para mi gusto, no tiene casi nada de lo innovador que nos informa el catálogo (y los programadores del BAFICI). Una ceremonia religiosa, un hombre con decenas de tatuajes y piercings por todo el cuerpo que se saca fotografías con su celular, dos empleados de seguridad/mantenimiento que recorren un oscuro pasillo de un hospital y escuchan ruidos de gente quejándose, alguien que van a toda velocidad en su auto y otros que corren picadas de motos. No creo que Fading sea una propuesta para descalificar (tiene algunos pasajes visuales y "sensoriales" logrados) pero está bastante lejos de ser el "cine del futuro" que la sección y sus defensores nos aseguran que es. DB

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