Guía de recomendaciones: 13 propuestas imperdibles de esta edición

A continuación, un análisis de varios films imperdibles de la programación de este año.

1- Independencia (Filipinas), de Raya Martin. Sin dudas, la mejor película que vi de todas las de este prolífico e inclasificable joven maravilla del cine filipino, responsable de títulos como A Short Film about the Indio Nacional o Autohystoria. Tras algunas decepciones que me llevé con Now Showing y con films experimentales que vi en el BAFICI 2008, Independencia me terminó de convencer de que estamos ante un gran director. Este historia de una familia, ambientada a principios del siglo XIX en plena jungla, y en momentos en que el país está a punto de ser invadido por los norteamericanos, "dialoga" con, por ejemplo, la fábula y las tradiciones del Apichatpong Weerasethakul de Tropical Malady y se asemeja en la utilización de fondos pintados a los frescos históricos de Eric Rohmer), pero Independencia no deja de ser una película única, clásica y moderna a la vez, que remite al cine mudo (mayoría de planos fijos en blanco y negro con saltos de luz y movimientos propios de aquel período silente), pero que al mismo tiempo apela en la mitad a un falso documental de época, incluye una animación fantasmagórica casera o se arriesga sobre el final con destellos de color y de pintura. Una larga secuencia con una tormenta de proporciones "bíblicas" quedará entre lo mejor de este cineasta. La película más "accesible" (si ese término puede usarse en el cine de Martin), más narrativa y mejor producida (contó con financiación francesa y apoyo de todo tipo de festivales y fondos europeos) de un director que, ahora sí, encontró cómo seguir contando la historia de su país de una manera bella y singular. DIEGO BATLLE

2- Irène, de Alain Cavalier (Francia). En su nuevo film, el director de Le filmeur (2005) despliega todo su saber como autor de diarios íntimos y, con elegancia y precisión, entrega su personal aportación al universo de los revenants fílmicos. La presencia fantasmal en cuestión es la de su ex-mujer, de nombre Irène, con la que compartió varios años de su vida hasta su muerte trágica en 1972, en accidente de coche. De todos los rumbos y derivas que propone este elegíaco work in progress, la más fascinante es sin duda la búsqueda que emprende Cavalier de una imagen que le permita materializar el recuerdo de su amada. Una imagen que toma las más diversas y sorprendentes formas: una fotografía del rostro de la actriz Sophie Marceau, una mujer desconocida observada de lejos en una playa, un cuadro de Monet y, en la estampa más intrigante y misteriosa del film, un edredón arrugado sobre la cama de un hotel. Así, cual Dr. Frankenstein, equipado con una cámara digital y varios diarios escritos, Cavalier invoca, entre el pudor y la ironía, la imagen fragmentaria de la amada, aparecida como la Kim Novak de Vértigo (1958), recuperada y reinventada como la figura del padre en los documentales de Naomi Kawase, soñada y exorcizada.

Como objeto poético, Irène es un logro de envergadura; sin embargo, hay un aspecto que enturbia la trasparencia del film. La película despliega en su primera mitad un proceso de mitificación propio de la memoria: la idealización del recuerdo. Es luego, sobre el tercio final de metraje, cuando Cavalier empieza a revelar la auténtica naturaleza de la personalidad de Irène, una mujer con una psicología terriblemente conflictiva, proclive a la depresión y a los comportamientos manipuladores. Llegado un punto, Cavalier opta por confesar, ante un espejo, en sombras, los límites más dramáticos de su relación. En conjunto, el giro “argumental”, claramente preconcebido y calculado, puede verse como una exploración de la naturaleza frágil de los recuerdos, pero uno no puede dejar de preguntarse cómo juzgaríamos un golpe narrativo de este calibre si estuviéramos ante una ficción ¿No nos parecería una manipulación en toda regla? Así, bajo la sombra de la belleza, pero también del juego sucio, Irène avanza entre las imágenes de Cavalier como un fantasma cargado de sugerentes interrogantes. MANUEL YÁÑEZ MURILLO

3- La tierra de la locura, de Luc Moullet (Francia). Gracias al BAFICI -que le dedicó una retrospectiva- conocimos la filmografía de este crítico de Cahiers du Cinéma. A los 72 años, Moullet es todo un personaje en Francia y en el universo de la cinefilia mundial. En este caso, concibió un documental autobiográfico sobre "su" locura y la locura que, según él y la investigación que realizó, es hereditaria (hay varios casos en su familia) y también social, ya que descubre que la zona de los Alpes del Sur de la que es originario tiene la tasa más alta de asesinatos, suicidios e internados en neuropsiquiátricos de toda Francia. Con mucho humor (negro) y una mirada política sobre el tema, y por momentos con un registro que se asemeja al de un Nanni Moretti en plan autoparódico, Moullet aparece en cámara relatando oscuros casos de la crónica periodística y literaria, conversando con familiares, amigos, cronistas, policías y testigos de hechos truculentos, mientras coquetea con la prensa amarilla y ofrece un retrato de esos pequeños pueblos rurales de montaña que a simple vista parecen encantadores, pero esconden los más terribles secretos. DIEGO BATLLE

4- Pausa para almorzar (EE.UU.), de Sharon Lockhart. El trabajo en torno a la suspensión y manipulación del tiempo fílmico (una senda abandonada por James Benning tras sus jugueteos iniciales) alcanza todo su potencial expresivo, estético y político en Pausa para almorzar/Lunch Break, película dirigida por Sharon Lockhart y en la que su mentor Benning ha colaborado en el montaje y el diseño de la banda de sonido. La película es simple y llanamente un travelling frontal de 80 minutos, a cámara ultra-lenta y sin interrupciones, a lo largo de un pasillo interior donde los trabajadores de un astillero descansan a la hora del almuerzo. Una experiencia radical del tiempo y los sentidos, una propuesta conceptual sostenida sobre un poderoso argumento político: convertir los cerca de 10 minutos del descanso laboral de los obreros en 80. El resultado de dicha operación es una película de una sensualidad, belleza y poder hipnótico difícil de describir en palabras. De partida, cabe hablar de una absoluta transformación de las coordenadas espaciales y cinéticas, que no sonoras, ya que el audio, completamente reconstruido, actúa como anclaje a la realidad gracias a su desarrollo a velocidad normal. Sin embargo, los trabajadores, que comen, conversan, duermen o leen, parecen participar de una extraña coreografía de movimientos suspendidos, sinuosos y aletargados que desemboca en una suerte de “épica de la ingravidez”. Lunch Break bien podría titularse “2008: Una odisea proletaria”.

Estamos ante la aplicación política de las ya mencionadas procesiones pop de Wes Anderson, la traducción al universo proletario de la fuerza magnética del plano de apertura de Millenium Mambo (2001), de Hou Hsiao-hsien, el regreso formalista a La sortie des usines Lumière (1895), de los hermanos Lumière, la manifestación en movimiento de los enigmas soterrados en la fotografía y la grabación de Blow Up (1966) y Blow Out (1981), respectivamente. Lunch Break podría considerarse un parsimonioso museo de la quietud repleto de luces artificiales, tuberías, taquillas y escaleras distribuidas de forma uniforme por el extenso pasillo de la fábrica. Sin embargo, la película guarda sorpresas al espectador atento. Una vez los sentidos se adaptan a la velocidad mínima de avance, casi imperceptible en un inicio, es posible ir encontrando multitud de focos de interés en la imagen: las variaciones cromáticas, los movimientos que se suceden en los diferentes puntos del pasillo, las pegatinas pegadas en las taquillas situadas en la pared derecha del pasillo... Tanto es así que llega un momento en que el avance de la cámara (que va succionando el espacio con la fuerza de un poderoso agujero negro) llega a parecer vertiginoso. La película ha conseguido su cometido: transformar nuestra percepción de la realidad y multiplicar por diez el tiempo de descanso de los trabajadores. MANUEL YÁÑEZ MURILLO

5 y 6- La realidad china x 2: El chino Wang Bing -de quien a lo largo de los años el DocBsAs ha venido difundiendo sistemáticamente toda su obra- retrata en El dinero del carbón, de "apenas" 53 minutos (sus films suelen durar muchas horas), las miserias y la codicia que genera el negocio del carbón en la zona de Mongolia, donde nuevos ricos que ganan poder en sociedad con el Estado, camioneros, prostitutas, mecánicos, policías y militares, conviven de manera poco armónica con el medio ambiente. El desfile incesante de cientos de camiones, las escenas en los bares, las miradas ávidas de dinero de los empresarios y el rostro triste de los trabajadores marcan a las claras las profundas diferencias sociales que se están acentuando cada vez más en la "locomotora" industrial del planeta.

Por su parte, el estadounidense J.P. Sniadecki describe en Demolición no sólo los profundos cambios en el espacio urbano de la República Popular China (constantes demoliciones de viejos inmuebles para la construcción de rascacielos) sino también las desventuras de los trabajadores llegados desde poblaciones campesinas. Rodado en Chengdu, capital de la provincia de Sichuan, en el oeste de China, en julio de 2007, este documental observacional sigue a estos obreros de la construcción (y de la destrucción) mientras comen en un alto de su trabajo o cuando pasean a la noche por la ciudad. Allí, son detenidos por una policía que -en su proceder- demuestra el fuerte control/censura/represión que impera en este gigante asiático. DIEGO BATLLE

Y además:

7- Moscú (Brasil), de Eduardo Coutinho. El veterano y siempre interesante director brasileño continúa experimentando entre los imprecisos límites de la realidad y la ficción con una apuesta todavía más radical que la de Juego de escena. Durante el proceso de creación, ensayo y puesta en escena de uan versión teatral del clásico Tres hermanas, de Antón Chejov, las actrices van entrando y saliendo de sus personajes mientras el maestro brasileño explora el lenguaje, las actuaciones, los tiempos y los dispositivos narrativos. D.B.

8- Noticias de la antigüedad ideológica: Marx-Eisenstein - El Capital, (Alemania), de Alexander Kluge. El prolífico director germano resucitó el ambicioso proyecto de Sergei Eisenstein de filmar El Capital, de Karl Marx, a finales de los años ’20, con un patchwork estilístico, visual y narrativo que incluye materiales de archivo, textos, imágenes propias y ajenas, poesías, carteles, diseño gráfico, testimonios a cámara y un largo etcétera. Aquí se exhibirá una versión abreviada de 83 minutos, ya que el proyecto completo alcanza las diez horas. D.B.

9- Los resistentes (Argentina), de Alejandro Fernández Mouján. Mouján -que también presentará un telefilm sobre Evita- se dedicó a registrar las memorias de los veteranos sobrevivientes de la Resistencia Peronista, los grupos que de manera clandestina combatieron a los sucesivos regímenes militares. La propuesta es clara: recuperar la historia, darle la palabra (en testimonios individuales, en actos público o en diálogos en mesas de cafés donde afloran los inevitables debates e incluso ciertas diferencias) a esos seres que -especialmente durante el período 1955-1965, pero también en años posteriores- intentaron sostener desde la lucha clandestina las conquistas y reivindicaciones del primer justicialismo. Son casi tres horas de talking-heads, que resultarán un poco arduas para quienes no se interesen demasiado en el tema, pero apasionantes para aquellos que sigan de cerca la evolución del peronismo. D.B.

10- Nénette (Francia), de Nicolas Philibert. El nuevo film del realizador de la exitosa Ser y tener se centra en la cotidianeidad -rodeada de miles de niños y turistas que la visitan- de una mona de Borneo que vive en el zoológico del Jardín de las Plantas, de París, desde 1972 y que ha llegado a la increíble (para los orangutanes) edad de 40 años. Un minucioso, fascinante y por momentos lírico ensayo sobre la mirada. D.B.

11 y 12- Apichatpong + Tsai. Un programa doble permite acceder a los nuevos cortometrajes de dos directores asiáticos de vanguardia como Tsai Ming-liang (Madam Butterfly) y Apichatpong Weerasethakul (Una carta para el tío Boonmee). El primero es una ficción con estética documental (mucho plano-secuencia con cámara en mano) sobre una mujer que deambula por la atestada terminal de ómnibus de Kuala Lumpur, mientras intenta que su amante se digne a llevarle la plata que la falta para poder adquirir su pasaje y regresar a su hogar. El segundo presenta tres versiones de una situación similar acompañadas por la lectura de una carta. D.B.

13- La danse - El ballet de la Ópera de París (Francia/EE.UU.), de Frederick Wiseman (FOTO). El mítico documentalista estadounidense apela a su mirada siempre rigurosa, minuciosa y desprovista de artilugios para acercarse a la opera parisina. Son dos horas y media de registros de las clases, los ensayos y las performances, pero también de la parte técnica o la administración de esta monumental institución cultural

Entradas: 8 pesos (5 pesos para jubilados y estudiantes)

Más información en www.docbsas.com.ar/muestra.htm