Críticas de la sección Trayectorias (28 películas)

Con 41 títulos (incluidos los de los focos dedicados a Heinz Emigholz y Stéphane Brizé) esta es una de las muestras más amplias de la 19ª edición. Y, como siempre, hay varios directores consagrados a los que siempre es bueno seguirles las pistas.

-THE FIXER (Rumania-Francia, 2016, 98’), de Adrian Sitaru ★★★★★

El mismo año que presentó Illegitimate en la Berlinale, Sitaru llega con esta fábula moral al Festival de Toronto. El director de Hooked (2008) y Domestic (2012) sabe partir de los pequeños detalles para llegar a donde quiere, pero sin olvidar en ningún momento que lo más importante es, justamente, el cuidado de aquellos pequeños detalles. Es por eso que esta historia vista a través de los ojos de unos periodistas que desean entrevistar a la menor que ha sido víctima de tráfico y abuso en Francia y vuelve a Rumania, efectivamente plantea un dilema ético, pero no por eso transforma a los personajes en meros instrumentos para la construcción de una metáfora. El lugar común de ver al cine de un país determinado como si se tratara de un género cinematográfico demuestra su error en esta edición del TIFF: la mirada más cercana a la explotación que siempre caracteriza a Mungiu (acá se dio Graduation, que había pasado por el Festival de Cannes) y la magnífica Sieranevada, de Cristi Puiu (película definitiva sobre los conflictos familiares), poco tienen que ver con la mirada de Sitaru. En el medio de una situación incómoda, fea, tensa, el director encuentra belleza en una imposible interpretación musical en un restaurante. Como sucede en esa escena con el protagonista, que impone algo de jazz y savoir faire en una interpretación básica, casi circense, Sitaru no cae en la misantropía aun cuando pueda ser salvaje (como en el momento en que la entrevista se concreta). Todos tienen sus motivos, y no todos resultan simpáticos (pero sí atendibles). FERNANDO E. JUAN LIMA



-LA MORT DE LOUIS XIV (Francia-España-Portugal, 2016, 114’), de Albert Serra ★★★★✩

Agosto de 1715. El rey Luis XIV vuelve de un paseo y siente un terrible dolor en una de sus piernas. Los médicos analizan la infección. El monarca cada vez se puede mover menos. La fiebre sube. El protagonista de 72 años casi no se alimenta. La inquietud aumenta. Es el inicio de la lenta agonía. La gangrena... Ese es el eje de este nuevo trabajo del catalán Albert Serra. El director de Honor de Cavalleria, El cant dels ocells e Història de la meva mort filmó en francés, con bastante más despliegue de producción y una muy cuidada fotografía de Jonathan Ricquebourg. Pero el gran placer de esta película es, sin dudas, ver al inmenso Jean-Pierre Léaud en el papel principal. El le pone el rostro (y el cuerpo) a un rey en decadencia, en caída libre. Quien fuera el niño Antoine Doinel en 1959 aparece aquí como un hombre que carga sobre sus espaldas el poder, la responsabilidad, pero también la sensación de ya no poder y ya no ser, de inminente despedida final. Otro valioso aporte de ese icono de la cinefilia radical que es Serra, aquí obsesionado con continuar el legado de La toma del poder por parte de Luis XIV, de Roberto Rossellini. DIEGO BATLLE





-AUSTERLITZ (Alemania, 94’), de Sergei Loznitsa ★★★★✩

RESEÑA 1: Director de gemas de ficción (In the Fog, My Joy) y documentales (Maïdan, The Event), Loznitsa llevó su cámara al predio donde funcionó el campo de concentración nazi de Sachsenhausen, hoy convertido en una atracción del turismo masivo. En efecto, miles de personas recorren el lugar comiendo, charlando, leyendo folletos, escuchando audiotextos o a guías en todas las lenguas, fotografiando, filmando y sacándose selfies con las celdas o los hornos crematorios de fondo. Planos fijos, imágenes en blanco y negro, sin comentarios agregados, pero con una capacidad de observación y de escucha (el trabajo con el sonido es fundamental) para una película de múltiples capas e implicancias en su exploración de la memoria y la sociedad de consumo. El portón de hierro en la entrada con la frase de los nazis “Arbeit macht frei” (algo así como “El trabajo libera”) adquiere un sentido aterrador. Una experiencia fascinante y conmovedora a la vez. DIEGO BATLLE

RESEÑA 2: Lo último de Loznitsa constituye una evocación a los martirios vividos en los campos de concentración de Dachau, Sachsenhausen y Auschwitz a través de varios planos fijos con fotografía en blanco y negro de los actuales visitantes a ese museo, pero sobre todo encierra una crítica a la manera de aproximarse a la historia y a la banalización que se hace del lugar. Multitudes pasan delante de los distintos espacios donde se ha torturado y dado muerte sin detenerse un instante a la reflexión. Ocupado en tomar la foto familiar frente a los hornos crematorios, o ante un monumento, el turista da más importancia a la cámara del celular que a la memoria. Como en Maïdan, no hay aquí un solo comentario, la imagen es por sí misma elocuente, además de algunos fragmentos de conversaciones oídas al pasar. Con dolor, pero también con desprecio, Loznitsa continúa registrando nuestra contemporaneidad. JOSEFINA SARTORA



-THE HEDONISTS (China, 2016, 23’), deJia Zhang-ke ★★★★✩

Crítica de Diego Lerer en Micropsia



-CERTAIN WOMEN (Estados Unidos, 2016, 107’), de Kelly Reichardt ★★★★½

Nada le queda mejor a la directora de Old Joy (2006) y Wendy & Lucy (2008) que las pequeñas historias que se instalan en el lado menos brillante de los Estados Unidos. Claro que tampoco el asunto es hundirse en la oscuridad y lo ominoso, sino acercarse a esos seres que tratan de sobrellevar como mejor pueden cierta triste medianía, un continuo devenir de inconvenientes que los empujan fuera de los bordes del sistema. Incluso su western Meek's Cutoff podría decirse que responde a esos parámetros. Esta vez la estructura formal es más heterogénea, siguiendo con elegancia la deriva vital de varias mujeres, cuyas historias en principio nunca se cruzan. Una abogada que, por ser mujer, no puede despegarse de determinados roles atávicamente impuestos incluso por sus clientes; una madre de familia que  lucha por construir la casa que desea, demostrando quién lleva los pantalones en la familia; y una profesora -también abogada- que da clases para adultos y se encuentra con que una de sus alumnas se engancha demasiado con ella. Que esos roles estén interpretados por Laura Dern, Michelle Williams y la siempre perfecta Kristen Stewart, por supuesto, suma a la experiencia, pero el tempo, el recorte de ese mundo, la manera en que los abruptos pasos de una a otra historia construyen un continuo cargado de sensibilidad y empatía es lo que termina por conformar un regreso de esta directora a su mejor forma. FERNANDO E. JUAN LIMA

Otra crítica de Violeta Kovacsis





-BRIGHT NIGHTS (Alemania, 2017, 86’), de Thomas Arslan ★★★½

Crítica de Diego Lerer



-DAGUERROTYPE (Francia-Japón-Bélgica, 2016, 131’), de Kiyoshi Kurosawa ★★★★✩

Ya lo había dicho en la Berlinale 2016, en la reseña de Creepy: Kiyoshi Kurosawa ha vuelto a su mejor forma. En este caso, además, el desafío era doble, porque se trata de una coproducción con Francia y Bélgica, hablada en francés, en la que aparecen figuras de la talla (y del peso simbólico y específico) de Mathieu Amalric y Olivier Gourmet. Una historia de fantasmas algo más clásica que aquella a la que nos tiene habituados este Kurosawa (aunque los giros del último tercio de la película desmientan parte de lo afirmado), el tempo y el mundo del director de Pulse, Cure y Doppelganger (esta última, de 2003, posiblemente su última gran película) se ensamblan perfectamente en el tono y el decir de cierto cine francés (y no, no  estoy hablando de "esa" tendencia). Es difícil ese transplante (término especialmente pertinente en este caso, ya que un vivero y una posible mudanza formaran parte central de la trama), y Kiyoshi Kurosawa se hace cargo del viaje sin descuidar o ignorar su esencia. El clima enrarecido, la propia duda acerca de quiénes son los fantasmas en la historia que vemos en pantalla, necesitan de una determinada extensión y justifican alguna morosidad por la mitad del metraje. FERNANDO E. JUAN LIMA



-I AM NOT YOUR NEGRO (Francia-Estados Unidos, 2016 93’ ), de Raoul Peck ★★★★½

Crítica de Diego Lerer en Micropsia  



-SIERANEVADA (Rumania-Francia, 2016, 173’), de Cristi Puiu ★★★★✩

El notable director de La noche del señor Lazarescu y Aurora describe durante tres horas y casi en tiempo real el (des)encuentro de un grupo familiar, durante el cual aflorarán el dolor por una reciente muerte y las diferencias generacionales, ideológicas (los comunistas contra los monárquicos) y religiosas, mientras entran y salen de escena (hay algo teatral en la propuesta) decenas de personas, se cocina, se discute sobre política internacional y se sacan los trapos más sucios al sol. Puiu elude, a pura inteligencia y virtuosismo, las trampas del costumbrismo, ofrece un pano- rama amplio, crudo y desgarrador sobre la realidad rumana, y le saca todo el jugo posible a un grupo de actores capaces de sintonizar a la perfección con su ambiciosa propuesta narrativa sustentada en largos planos secuencia. DIEGO BATLLE





-LA REGIÓN SALVAJE (México, 2016, 100’), de Amat Escalante ★★★½

Que el cine mexicano la viene rompiendo últimamente en los festivales, no es ninguna novedad. Que ese cine que parece deslumbrar a programadores y jurados tiene que ver con cierto regodeo en la violencia y la crueldad (¿reflejo de lo que el mundo quiere ver de México?) parece también un dato corroborable con cierta facilidad. Debo entonces comenzar por decir que no disfruto de ese cine, mucho no me interesa (aunque, seguramente por algo de morbo, sigo viéndolo). Aun así no puedo ignorar que Escalante no es un fantoche o un vende-humo. Lejos están sus películas de las producciones de sus coterráneos Alejandro González Iñárritu o Michel Franco, de la venezolana Desde allá o de las cosas que hace Gaspar Noé, por armar una internacional de la crueldad un poco arbitraria y acelerada, pero que sirve para poner en contexto lo que aquí se intenta decir. Y en el marco de la obra de un realizador que sí sabe narrar, que sí sabe construir climas, que sí sabe utilizar las herramientas del cine para contar lo que desea, esta es -hasta ahora- su mejor película. La historia parte de una conflictiva relación familiar (que bien podría ser parte de una obra de Arturo Ripstein), para abrirse de manera sugestiva al deseo y lo fantástico. La idea del deseo, de la pulsión sexual como misterio antes que explotación es lo que hacen de la visión de esta película una experiencia inquietante. FERNANDO E. JUAN LIMA

Otra crítica de Carlota Moseguí



-THE ASSIGNMENT (Francia-Canadá-Estados Unidos, 2016. 95’), de Walter Hill ★★★★✩

La última película del director de The Warriors (1979) y 48 horas (1982) fue unánimemente destrozada por la crítica especializada estadounidense. Otra vez están equivocados. La lectura lineal, el quedarse en la superficie, el no bancarse determinadas ironías, seguramente deja afuera a quienes no conciben nada intermedio o mutante entre el cine comercial y el autorismo. El director que alguna vez dijo que todas sus películas son en verdad westerns, vuelve -de alguna manera- a este género para narrar la venganza de un hombre que es sometido a una operación inesperada por una demente médica interpretada por Sigourney Weaver. Es ella desde un hospital psiquiátrico, con una camisa de fuerza, la que cuenta la historia que vemos en pantalla. Casi como una respuesta (o un chiste) relacionado con las acusaciones de misoginia que  ha recibido durante toda su carrera, en esta película todos los  personajes fuertes, los que toman las decisiones y llevan la trama son, de alguna manera, mujeres. Orgulloso espíritu clase B, mucho humor y una tonalidad rojinegra que nos remite a los años 80. FERNANDO E. JUAN LIMA



-VIDA VAQUERA (España, 2016, 118’), de Ramón Lluís Bande ★★★★✩

La película abre con una serie de fotografías antiguas. Vemos campesinos. Vacas. Campo. Todo en blanco y negro. Entre cada una de las fotos, se intercala un fragmento de Jovellanos de finales del siglo XVIII, en torno a la vida de los vaqueros. Este arranque funciona a modo de prólogo de una película que consta de otros tres episodios: el trabajo de los vaqueros con el ganado, en lo alto de las montañas asturianas, cuando el verano permite vivir allí arriba; la bajada, para resguardarse del frío; y, finalmente, un epílogo, en el que una mujer cuenta cómo era la vida de los vaqueros antes, cuando no tenían camiones para el traslado, cuando viajaban con mulas y sin grandes pertenencias. Así, el grueso de la película es un balanceo entre dos tiempos, el retrato de unos vaqueros que, en cierta manera, siguen siendo figuras del pasado, pero que revelan a su vez los progresos de la vida campesina.

Las películas de Bande funcionan en dos niveles. Primero, en el de una puesta en escena que refuerza el tempo real, que reafirma la apuesta por un discurso que nace de la observación. Segundo, en un plano intelectual. De carácter eminentemente antropológico, Vida vaquera, que se ha presentado en las Nuevas Olas del Festival de Sevilla, no es tan distinta al díptico de Bande en torno a los fugaos de la Guerra Civil Española, formado por Equí y n’otru tiempu y El nome de los árboles, donde el cineasta asturiano ahondaba en los huecos y la fragilidad de la memoria histórica. Es decir, que en Vida vaquera, tras la contemplación, llega la tesis, que aquí tiene que ver con el tiempo, con una serie de costumbres que existieron y que ahora son una excepción. De nuevo, y como en sus anteriores películas, Bande elabora un discurso en torno a la memoria: preserva a través del cine algo que hunde su ancla en el pasado y que está a punto de desaparecer.

Bande opta, extrañamente, por no mostrar la vida de los vaqueros más allá de su trabajo (como si la esfera íntima no estuviese marcada por este espíritu migratorio de los vaqueros). Sin embargo, logra revelar algo más difícil de aprehender: el tiempo, que está en la esencia de Vida vaquera. Amante del plano fijo, Bande planta la cámara ante el nacimiento asistido de un ternero, ante una mujer que da un biberón a la cría de la vaca, ante un hombre que distribuye el pasto para el ganado. Ese es un tiempo esencialmente pasado, que ya no es nuestro, en el que cada acción se alarga, sin interrupciones, sin el desbarajuste que a veces provoca la tecnología y el ajetreo de la vida moderna. VIOLETA KOVACSIS





-MISTER UNIVERSO (Austria-Italia, 2016, 90’), de Tizza Covi & Rainer Frimmel ★★★½

Crítica de Diego Batlle



-THE TOKYO NIGHT SKY IS ALWAYS THE DENSEST SHADE OF BLUE (Japón, 2017, 108’), de Yuya Ishii ★★★★✩

¿La mirada sobre Tokio responde a quienes la miran o es que aquella mirada está influida o determinada por la propia? Entre los múltiples y solitarios personajes, la película hace foco sobre todo en una enfermera (que en algún momento para conseguir algo más de dinero trabaja en un bar/club nocturno) y un joven albañil que puede ver sólo con uno de sus ojos. Es por eso que eso de “hacer foco” es efectivamente muy pertinente en este caso, ya que ese juego de impresión-expresión marca la forma en que se narra lo que podría ser otra historia de chico-conoce-chica, y definitivamente no es así. La libertad temática y formal de la deriva (que incluye hasta momentos de animación) hace que la sensación de agradable sorpresa nos acompañe durante toda la proyección y bastante más, ya al dejar la sala. FERNANDO E. JUAN LIMA



-20TH CENTURY WOMEN (Estados Unidos, 2016, 119’), de Mike Mills ★★★½

Crítica de Diego Lerer en Micropsia





-ON THE BEACH AT NIGHT ALONE (Corea del Sur, 2017, 101’), de Hong Sang-soo ★★★★★

Crítica de Diego Lerer



-YOURSELF AND YOURS (Corea del Sur, 2016, 86’) ★★★★✩

Si cualquier cinéfilo leyera que Yourself and Yours trata sobre intelectuales que beben y conversan podría pensar que es más de lo mismo (lo cual no tendría nada de malo porque todos sus films son notables), pero en este caso el alcohol (o más precisamente el alcoholismo) no es una mera excusa sino el eje y disparador del comportamiento de los protagonistas. El control posesivo de un hombre hacia su (ex) novia, el constante desdoblamiento de los personajes (brillante actuación -o en verdad actuaciones- de Lee Yoo-young), situaciones que parecen repetirse pero en verdad son pequeñas variaciones de las anteriores, y los habituales enredos y equívocos de sus historias conforman otro universo fascinante y tragicómico como solo el gran maestro coreano es capaz de construir. DIEGO BATLLE



-ORPHELINE (Francia, 2016, 111’), de Arnaud des Pallières ★★★½

Crítica de Diego Lerer en Micropsia



-THE OTHER SIDE OF HOPE (Finlandia-Alemania, 2017, 98’), de Aki Kaurismäki ★★★★½

Crítica de Diego Lerer



-LES BEAUX JOURS D’ARANJUEZ (Francia-Alemania, 2016, 97’), de Wim Wenders ★★★½

Un escritorio, una máquina de escribir y un novelista. Una ventana. Un jardín en el que un hombre y una mujer charlan, discuten un poco, sobre todo en torno a las relaciones de pareja y el sexo. ¿Lo que vemos es la realidad o eso que el escritor está construyendo en su ficción? No voy a ser yo el que defienda las películas más recientes de Wim Wenders, pero esta versión de la obra de Peter Handke, sin dudas está entre lo mejor que ha hecho en el último tiempo.

El río de la conversación nos va atrapando en una deriva que no por anodina carece de encanto. La utilización del 3D juega aquí un rol fundamental, al hacer “flotar” la cámara en torno a la pareja, multiplicando el efecto de irrealidad, de recreo, de fuga. Desmintiendo el lugar común que dice que ese artificio se justifica sólo en el cine de acción o con algún componente espectacular. En fin, un delicioso disfrute, ciertamente onanista, en el que el adiós al verismo anida la aparición de Nick Cave en un perfecto momento musical. FERNANDO E. JUAN LIMA





-THE RED TURTLE (La tortue rouge) (Francia-Bélgica-Japón, 2016, 80’), de Michaël Dudok de Wit ★★★★✩

Técnicamente es una ópera prima, pero decir que lo de Michael Dudok de Wit es una sorpresa o una revelación es desconocer que se trata de uno de los animadores más elogiados de los últimos años, a partir de cortos como The Monk and the Fish o Father and Daughter que le valieron múltiples reconocimientos (desde ganar el Festival de Annecy hasta el Oscar). La expectativa por La tortue rouge también era muy fuerte por tratarse de la primera producción de los estudios Ghibli fuera de Japón y, si bien hay que indicar que se trata de un muy buen trabajo, también es cierto que no estamos ante una obra maestra y que por el momento el notable artista holandés parece funcionar mejor en duraciones acotadas y no tanto en los algo excesivos 80 minutos de esta película.

A partir de un guión coescrito con la talentosa cineasta francesa Pascale Ferran, Michael Dudok de Wit narra la historia de un hombre que se salva de manera milagrosa de un naufragio en medio de una tormenta y llega a una pequeña y paradisíaca isla plagada de pájaros, cangrejos, árboles y, claro, tortugas. La del título se convertirá en una bella mujer y con ella tendrá un hijo. Y habrá sueños increíbles y una secuencia de un tsunami arrasador, todo con música elegíaca de Laurent Pérez del Mar.

Simple y lineal en primera instancia, pero también onírica y circular si se la analiza con mayor profundidad, La tortue rouge tiene una animación artesanal, creativa y, sobre todo, funcional a la historia que se quiere contar. Historia que resulta, hay que destacarlo, como una interesante cruza entre el cine anterior del artista holandés y cierto sesgo fantástico y mítico que puede verse en los trabajos de Hayao Miyazaki y otros maestros de la factoría Ghibli. DIEGO BATLLE



-FROM THE DIARY OF A WEDDING PHOTOGRAPHER (Israel, 2016, 40’), de Nadav Lapid ★★★★✩

Crítica de Diego Lerer en Micropsia



-PAGLIACCI (Italia, 2016, 18’), de Marco Bellocchio ★★★★✩

Qué decir que no se haya dicho ya del maestro Bellocchio. Aquí, en apenas 18 minutos, construye una tragicomedia extraordinaria que combina ópera y drama familiar con una matriarca aterradora y unos hijos bastante patéticos que viven sometidos a ella y con ganas de matarla. La disfuncionalidad recuerda a su ópera prima I pugni in tasca. A la descomunal potencia narrativa se le suma el brillante trabajo de la fotografía de Daniele Ciprì en imponentes locaciones. DIEGO BATLLE



-LE CONCOURS (Francia, 2016, 115'), de Claire Simon ★★★½

La Fémis es una de las escuelas de cine más exigentes, exclusivas y prestigiosas del mundo. De allí surgieron varios de los mejores directores franceses (y de otras nacionalidades que también se formaron allí). Claire Simon fue durante muchos años una de las principales responsables de la formación de nuevas generaciones al frente de la carrera de Dirección y, por eso, en este caso tuvo un acceso privilegiado al proceso de selección en el instituto parisino. Cámara en mano, la realizadora de Les Bureaux de Dieu y Gare du Nord filma la relación que se va estableciendo entre los aspirantes a ingresar y aquellos referentes del cine que son convocados para participar en los distintos exámenes (se prefiere que sean figuras externas al plantel docente). Los jóvenes ven un fragmento de un film (en este caso uno del japonés Kiyoshi Kurosawa), exponen qué les pasó como espectadores y luego tienen que compartir alguna idea propia para filmar. Puede que las dos horas resulten un poco exageradas, pero la película -premiada en la Mostra de Venecia 2016 como el mejor documental sobre cine- alcanza a transmitir la dinámica interna de ese mítico lugar y las contradicciones íntimas (sueños y frustraciones) de aquellos que probablemente serán los talentos detrás del cine francés por venir. DIEGO BATLLE





FOCO STÉPHANE BRIZÉ

-MADEMOISELLE CHAMBON (Une Affaire d'amour) (Francia, 2009, 101') ★★★★✩

Crítica de Josefina Sartora


-ALGUNAS HORAS DE PRIMAVERA (Quelques heures de printemps, Francia, 2012, 108’) ★★★½

Crítica de Diego Batlle


-UNE VIE (Francia, 2016, 119') ★★★★✩

Regresar a Guy de Maupassant y al siglo XIX requiere de agallas y sobre todo de talento para no caer en los lugares comunes de las épicas históricas y del cine de época (de qualité). Brizé sale más que airoso del desafío con una película que -tanto por su impronta como por su apuesta narrativa y visual- luce mucho más moderna y feminista que tanto film anquilosado. Judith Chemla se luce como Jeanne, la torturada heroína de familia burguesa que va cayendo en la miseria (y en la locura) mientras sufre por las desdichas de su hijo en Inglaterra. El espesor dramático y psicológico buscado (y logrado) no se traduce en falta de interés o de fluidez en el resultado final. DIEGO BATLLE



FOCO HEINZ EMIGHOLZ

-BICKELS [SOCIALISM] (Alemania-Israel, 2017, 92’) ★★★★✩

Desde la Casa do Povo, centro cultural en San Pablo (Brasil), Emingholz comienza su exploración sobre la obra arquitectónica de Samuel Bickels, que diseñó numerosos kibbutz y museos en Israel entre los años '50 y '70 del siglo pasado. No hay explicaciones ni guía en este recorrido, sólo se identifican los edificios que estamos viendo, espiando, descubriendo. La sensación es esa, la de ingresar en algún tipo de intimidad, sea porque esos inmuebles están vivos o habitados, sea incluso que se encuentren vacíos o en ruinas.

La arquitectura habla no sólo del profesional que pensó y construyó esas obras sino también de la gente que las habita, de los pueblos que dieron lugar -de alguna manera- colectivamente a esas creaciones. Y eso tiene que ver con la historia del arquitecto en cuestión, que descubrimos casi como coda de la narración. Ella es sorpresiva pero no constituye en modo alguno una vuelta de tuerca inesperada. A la mansa e intrigante contemplación acaecida durante la mayor parte del metraje, se añade cierta información que, sin explicar al punto de resignificar o justificar totalmente lo antes visto, sí dialoga con ello y nos deja pensando. Deseando ver las otras tres películas que el director presentará en el BAFICI y que también pasaron por el Forum de la última Berlinale. FERNANDO E. JUAN LIMA


-2+2=22 [THE ALPHABET] (Alemania, 2017, 88')

-STREETSCAPES [DIALOGUE] (Alemania, 2017, 132’) 

-DIESTE [URUGUAY] (Alemania, 2017, 95’)



También se exhiben en esta sección:

-COPENHAGUE. A LOVE STORY (Canadá-Francia-Dinamarca, 2014, 100’), de Philippe Lesage 

-GOODBYE BERLIN (Alemania, 2016, 93'), de Fatih Akin

-THE YOUNG KARL MARX (Alemania-Francia-Bélgica, 2017, 118’), de Raoul Peck

-IT’S NOT THE TIME OF MY LIFE (Ernelláék Farkaséknál) (Hungría, 2016, 81'), de Szabolcs Hajdu

-A MARRIAGE STORY / Strnadovi (República Checa, 2017, 102’), de Helena Třeštíková

-ALL THE RAGE (SAVED BY SARNO) (Estados Unidos-Grecia, 2016, 93’), de Michael Galinsky, Suki Hawley y David Beilinson

-BEDUINO (Brasil, 2016, 75’), de Júlio Bressane

-THE WOLF FROM ROYAL VINEYARD STREET (República Checa-Eslovaquia-Francia, 2016, 68’), de Jan Němec 

-ULYSSES IN THE SUBWAY (Estados Unidos-Francia, 2017, 60’), de Marc Downie, Paul Kaiser, Flo Jacobs y Ken Jacobs

-REVENGEANCE (Estados Unidos, 2016, 70’), de Bill Plympton y Jim Lujan