Recomendaciones de la programación

Diego Batlle, Quintín, Sergio Wolf (director de la muestra), Diego Brodersen y Manuel Yáñez Murillo adelantan algunas perlas de la frondosa oferta del 10º Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI), que se realizará entre el 8 y el 20 de abril. Cinco listas personales con las películas preferidas de cada crítico y el por qué de cada una de las elecciones. Una guia para tener en cuenta a la hora de comprar entradas ¿Las favoritas? Paranoid Park (foto), de Gus Van Sant; La France, de Serge Bozon; Redacted, de Brian De Palma; I'm Not There, de Todd Haynes; En la ciudad de Sylvia, de José Luis Guerín; y Profit Motive and the Whispering Wind, de John Gianvito, entre muchas otras.

LAS ELEGIDAS DE DIEGO BATLLE

Nota: no incluyo películas de la competencia oficial ni las argentinas (se publicarán oportunamente sus críticas)

Top 10

1- La question humaine (Francia), de Nicolas Klotz. Una de las grandes películas de la Quincena de Realizadores de Cannes 2007. Un retrato despiadado sobre las miserias personales dentro de una gran corporación, pero la pintura del comienzo en la línea de Recursos humanos, de Laurent Cantet, luego deriva hacia algo todavía más oscuro, ominoso, casi alucinatorio, con una mirada terriblemente descarnada y desencantada sobre la historia del siglo XX y la violencia latente que inevitablemente termina por estallar de la peor manera. También es imperdible La blessure, el film previo de Klotz presentado en la Quincena 2005.

2- Paranoid Park (EE.UU.), de Gus Van Sant. Nuevo acercamiento a las contradicciones y sinsabores del mundo adolescente sin clisés ni moralejas. Actores no profesionales, fotografía en 16 y super 8 del enorme Christopher Doyle, sensibilidad y predilección por las imágenes corporales antes que por los diálogos psicologistas hacen de este film sobre las desventuras de un skater (está basado en un hecho real) otra pequeña gema en la filmografía del director más importante del cine indie norteamericano.

3- La France (Francia), de Serge Bozon. Primera Guerra Mundial + travestismo + irresistibles canciones anacrónicas + lirismo + desparpajo + una historia de amor y solidaridad en medio de las peores atrocidades + una enorme actriz (Sylvie Testud) haciéndose pasar por soldado para ir en busca de su marido, del que ha perdido todo contacto epistolar. Otra joya de la última Quincena.

4- Night and Day (Corea del Sur), de Hong Sang-soo. Este notable discípulo de la nouvelle-vague francesa filmó por primera vez en... París, aunque se trata de otra de sus historias sobre infidelidades, culpas y mentiras, esta vez con un pintor casado que huye de Seúl por un problema de drogas y se instala en un hostel de coreanos en la Ciudad Luz.

5- The Mourning Forest (Japón), de Naomi Kawase. Fascinante viaje elegíaco en el que una chica acompaña a un anciano en un misterioso y tortuoso viaje final por un bosque. Con toda la belleza, la carga poética y la melancolía de la directora de Shara.

6- Persépolis (Francia), de Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud. Film de animación 2D en blanco y negro, en el que la iraní -radicada en Francia- Marjane Satrapi adapta sus novelas gráficas autobiográficas que han sido un enorme éxito en todo el mundo. La película va reconstruyendo la vida de esta niña-adolescente-mujer en Teherán y Viena, mientras ofrece un panorama desolador sobre las distintas etapas (la dictadura del Sha, la revolución y el régimen neo conservador actual) de su país.

7- Elle s'appelle Sabine (Francia), de Sandrine Bonnaire. La talentosa actriz debuta en la dirección con un conmovedor, devastador documental sobre la historia de una de sus hermanas (sus padres tuvieron 11 hijos), la Sabine del título, que -a los 38 años, y luego de pasar un lustro en un hospital psiquiátrico- debe lidiar con la degradación física y psíquica de un extraño caso de autismo y esquizofrenia. Sin golpes bajos, sin obviar la parte de culpa que le toca, Bonnaire narra el film en primera persona e intercala imágenes actuales de una muy deteriorada Sabine y de home-movies rodadas durante dos décadas que muestran a una por entonces bella muchacha, que aprendió inglés, a tocar el piano y viajó en el Concorde a Nueva York. Una suerte de Tarnation más clásica, menos virtuosa, pero más delicada. Se proyectó en la Quincena 2007.

8- Shine a Light (EE.UU), de Martin Scorsese. Un show de los Rolling Stones como nunca se vio, más algunas perlas del archivo, más el aporte de varios de los mejores directores de fotografía del mundo. Un gran espectáculo (para los fans del grupo, claro).

9- L'Avocat de la terreur (Francia), de Barbet Schroeder. Impactante y polémico (desde lo ideológico y desde lo ético) documental sobre Jacques Vergès, un abogado que incursionó en la lucha armada, defendió a terroristas en todo el mundo, desde Argelia hasta Palestina pasando por Alemania, y representó también a dictadores, criminales de guerra y profetas que negaron el Holocausto. Un personaje tan siniestro como fascinante.

10- Luz silenciosa (México), de Carlos Reygadas. El talentoso director de Japón y Batalla en el cielo narra un triángulo amoroso (prohibido, claro) en el seno de una rígida comunidad menonita del norte de México. Más allá de sus homenajes a (e ínfulas de) Tarkovski y Dreyer, tiene algunas secuencias tan brillantes y sobrecogedoras que lo hacen insoslayable. Reciente ganador del premio FIPRESCI a la mejor película latinoamericana de 2007.

Otras 20 recomendaciones

-Zoo (Estados Unidos), de Robinson Devor. Estrenada en la Quincena de Realizadores 2007, esta mezcla de documental y reconstrucción ficcional basado en gran cantidad de muy diversos testimonios reales que acompañan el relato describe el extraño, ominoso universo de la zoofilia en el estado de Washington (con epicentro en la ciudad de Seattle). El director de Police Beat descubre una suerte de cofradía que se conecta vía Internet, narra la tragedia de un hombre que murió tras mantener relaciones con un caballo y expone el contraataque de los medios de comunicación y de las autoridades que decidieron ilegalizar las prácticas sexuales con animales para conformar un fresco alucinatorio y contundente que escapa de la obviedad y del sensacionalismo escabroso y que habla de cómo se combaten hoy las perversiones íntimas y de la progresiva pérdida de las libertades individuales en una norteamérica cada vez más represiva y conservadora.

-Ploy (Tailandia), de Pen-Ek Ratanaruang. El talentoso director de 6ixtynin9, Monrak Transistor, Last Life in the Universe e Invisible Waves (un consumado esteta y cultor del melodrama romántico) narra la historia de un matrimonio hastiado (él, dueño de un restaurante bastante déspota; ella, una ex estrella de cine alcohólica y enferma de celos) que regresa luego de una década a Bangkok para asistir a un funeral. En medio de la crisis de pareja aparece Ploy, una jovencita que complicará aún más las cosas. La acción transcurre casi íntegramente en las habitaciones de un hotel de lujo y pendula entre lo real y lo onírico con resultados casi siempre fascinantes. Se vio en la Quincena 2007.

-Bashing (Japón), de Masahiro Kobayashi. Este film de 2005, incluido en la retrospectiva que se le dedica a Kobayashi, está basado en el caso real de una joven rehén japonesa en Irak que -al igual que otras personas que vivieron situaciones similares- fue unánimemente despreciada al regresar a su país por su decisión de seguir trabajando allí en tareas humanitarias. Con una notable interpretación de Fusako Urabe, el director ofrece un retrato muy sórdido y desesperanzado sobre una sociedad cada vez más revanchista e insensible.

-Lou Reed's Berlin (2007), de Julian Schnabel. En 1973, Lou Reed editó un disco llamado Berlin que resultó un fracaso de crítica y de ventas. Hoy, ese álbum es considerado uno de los grandes clásicos de la historia del rock. El genial cantante y guitarrista nunca quiso presentarlo en vivo hasta que en 2006 inició una larga gira mundial. El también neoyorquino Schnabel registró, con el aporte de la extraordinaria fotógrafa Ellen Kuras, los cinco shows en Brooklyn y el resultado es pura energía, talento y poesía. Los agregados "ficcionales" (unas imágenes protagonizadas por la francesa Emmanuelle Seigner) no agregan demasiado, pero tampoco hieren la potencia de este documental insoslayable para los seguidores del ex líder de The Velvet Underground.

-Patti Smith: Dream of Life (EE.UU.), de Steven Sebring. Desde el presente, Sebring reconstruye -con el apoyo y el compromiso absoluto de la cantautora que hasta aporta su narración en off- la carrera de una gran artista, lo que es decir de varias décadas de historia de la música. El CBGB de Manhattan, el Chelsea Hotel, su amor por poetas como William Blake, Walt Whitman y Arthur Rimbaud, la generación del '60, sus impactantes performances en vivo, el desgarro interior por la muerte de sus seres queridos y un extraordinario material de archivo que el director consiguió a lo largo de muchos años hacen de este film un retrato íntimo y generacional a la vez.

-CSNY-Déjà vu (EE.UU.), de Neil Young. El gran cantautor canadiense filmó la reciente gira de su mítica banda Crosby, Stills, Nash & Young por todo el territorio de Estados Unidos para protestar contra la invasión a Irak. Un intento poderoso aunque algo forzado por comparar el movimiento pacifista de la época de Vietnam (donde CSNY tuvo un papel importante) y la movilización actual contra Bush.

-My Winnipeg (Canadá), de Guy Maddin. Algo de documental sobre su ciudad natal, otro poco de experimentación formal y un toque de ensayo autobiográfico. Con el sello inconfundible del director de Brand Upon the Brain!.

-Savage Grace (EE.UU.), de Tom Kalin. Arranca como un típico melodrama de qualité (transcurre entre las décadas de los 40 y los 60 en distintas ciudades) y termina como una de las películas más locas y perversas en mucho tiempo, con incesto incluído y una magistral actuación de Julianne Moore. Otra gentileza de la Quincena 2007.

-The Edge of Heaven (Alemania), de Fatih Akin. Segunda parte de la trilogía que empezó con la multipremiada Contra la pared. Una mirada trágica y desoladora sobre el estado de las cosas para jóvenes, adultos y ancianos de origen turco, tanto para aquellos que viven en Alemania como para aquellos que permanecen o regresan a su país natal.

-Control (Gran Bretaña), de Anton Corbijn. Biopic en blanco y negro sobre ese artista de culto que aún hoy, a 27 años de su muerte, sigue siendo Ian Curtis (condición amplificada por su durísima existencia y su trágico final, justo cuando el grupo Joy Division se encaminaba a la gloria dentro del movimiento post-punk británico). Esta opera prima del holandés Corbijn, un eminente fotógrafo de la escena rock que llegó incluso a retratar en aquella época a Curtis y a sus compañeros que luego sí alcanzarian la masividad con la propuesta tecno/new-age de New Order, tiene una narración interesante, muy bien armada y afortunadamente elude las convenciones que nos hacen odiar a estos acercamientos biográficos a héroes caídos. Abrió la Quincena 2007.

-En la ciudad de Sylvia (España), de José Luis Guerín. La película de un voyeurista (casi de un onanista), pero -claro- ese mirón es nada menos que el talentoso director de Innisfree, Tren de sombras y En construcción. Por lo tanto, la historia de un chico lindo que se dedica a observar y dibujar bellas mujeres en bares intelectuales de la ciudad francesa de Strasbourg y a perseguir a una de ellas que podría ser (o no) una joven con la que alguna vez tuvo un apasionado romance se convierte en un deleite visual construido a base de sublimes encuadres.

-I'm Not There (EE.UU.), de Todd Haynes. La anti biopic sobre una leyenda viviente. Media docena de actores (incluido un niño negro y una mujer) encarnan las diversas facetas del inclasificable Bob Dylan. Un film lleno de altibajos, es cierto. Pero los altos son tan memorables (la belleza de sus imágenes, la increíble banda sonora, varias de las actuaciones, un puñado de secuencias) que los bajos se olvidan rápidamente.

-El silencio antes de Bach (España-Alemania), de Pere Portabella. Entre los camioneros y los exponentes de la alta cultura, entre el documental irónico y el film-ensayo presuntuoso, entre la superficialidad de la divulgación televisiva y las cimas de la música clásica representada por Bach, el veterano director catalán ofrece un film tan contradictorio como subyugante.

-Canciones de amor (Francia), de Christophe Honoré. Despareja, pero digna y provocativa tragicomedia musical con Louis Garrel y Ludivine Sagnier. Todo arranca como en los musicales de Jacques Demy y de Alain Resnais, pero luego la protagonista se muere de un ataque al corazón y la ligereza pronto se convierte en negrura.

-Redacted (EE.UU.), de Brian De Palma. La película más experimental, audaz y virulenta sobre Irak. Un patchwork visual con múltiples capas y materiales de los más diversos orígenes le sirven a De Palma para construir un falso diario personal de un marine desencantado. El resultado es más interesante desde lo formal que desde lo político.

-Songs from the Second Floor (Suecia), de Roy Andersson. Un compendio del mejor humor absurdo, de la creatividad visual y del desparpajo políticamente incorrecto de este ambicioso y muchas veces irregular artista sueco.

-Import/Export (Austria), de Ulrich Seidl. El director de la insoportable Días de perro analiza con su habitual sordidez y contundencia las diferencias sociales, las contradicciones y también las conexiones entre la Europa opulenta (Austria) y la otra (Ucrania). Otro desencantado tratado sobre los excesos y bajezas morales de estos tiempos.

-Une vieille maîtresse (Francia), de Catherine Breillat. Película de época a-la-Relaciones peligrosas con grandes decorados y vestuarios, pero  con mucho humor negro y con una Asia Argento desatada, bebiendo sangre de su amante.

-Calle Santa Fe (Francia-Chile), de Carmen Castillo. Esta directora radicada desde hace muchos años en París regresa a Chile para recuperar la historia de su marido Miguel Enriquez -lider del grupo revolucionario MIR, que acompañó a Salvador Allende y combatió a la dictadura de Augusto Pinochet- asesinado en 1974. Embarazada por entonces, Castillo se salvó milagrosamente de las balas policiales y fue enviada al exilio por los militares. Más allá de algún off sentencioso y de algunas decisiones artísticas discutibles en su didactismo for export, Calle Santa Fe es una obra de múltiples aristas, que propone diversos debates sobre aquella época, que tiene varias capas y niveles de lectura y que termina emocionando con una apuesta inteligente y profunda. La responsabilidad que cada uno tuvo en aquellos tiempos, la discusión sobre la lucha armada, las consecuencias del exilio, la reivindicación de los militantes muertos y la culpa de los sobrevivientes, las diferencias generacionales, los conflictos familiares y una larga discusión respecto de si el MIR debía o no comprar la casa de la calle Santa Fe donde cayó Enriquez son algunos de los temas que surgen durante las muy interesantes tres horas del film.

-My Brother's Wedding (EE.UU.), de Charles Burnett. La Berlinale presentó hace poco la versión restaurada de Killer of Sheep (1977), la notable opera prima de este influyente director del cine afroamericano que había sido premiada en el festival alemán, y ahora le tocó el turno a este segundo largometraje de 1983 -en copia nueva y reeditada hace poco por el propio Burnett- sobre las tragicómicas vivencias de una familia negra de South Central, Los Angeles. Como para saber de dónde vienen Spike Lee y compañía.

Cinco Bonus Tracks:

BONUS TRACK 1: Toda la retrospectiva de Kôji Wakamatsu. Un maestro del cine japonés a descubrir. Aquí lo que se publicó desde el Festival de Berlín.

BONUS TRACK 2: Chacun son cinéma. Cannes reunió a 33 grandes directores para que cada uno filmara un corto con motivo de los 60 años del festival. El resultado, inevitablemente desparejo, deja el siguiente balance:
-El más divertido: Nanni Moretti rememorando las películas que vio en cada sala y los desencuentros con su hijo, que le pide ver Matrix 2: "¿Vos sabés que yo hago otro tipo de películas, no?", le dice. Respuesta: "Sí ¿y...?".
-El más siniestro: Amos Gitaï comparando el bombardeo de una sala de Varsovia en 1937 con una de Haifa en la actualidad.
-El más demagógico (y, por lejos, el más aplaudido en Cannes): el de Walter Salles sobre dos pernambucanos que improvisan hilarantes cantos sobre la historia de Cannes.
-Los más creativos: los de Elia Suleiman (desventuras casi keatoneananas), Manoel de Oliveira (un encuentro entre el Papa y Nikita Kruschev con estética de cine mudo) y Aki Kaurismäki (trabajadores de una fundición que van a ver Trabajadores saliendo de la fábrica, de los Lumière).
-Los más emotivos: el de Van Sant con un adolescente que ingresa en pantalla para recibir su primer beso, el de los Dardenne sobre un ladronzuelo y una chica en una sala,
-Los peores: el de Wenders filmando a los niños pobres del Congo, el de Cimino retratando a una salsera cubana, el de Campion sobre una mujer-insecto, y el de González Iñárritu sobre una ciega que se emociona en el cine.
-El "resto" incluye desde Takeshi Kitano a Wong Kar-wai, pasando por David Cronenberg, los Coen, Abbas Kiarostami y Ken Loach, entre otros.

BONUS TRACK 3: O estado do mundo. Este proyecto de la Fundación Gulbenkian consta de seis cortometrajes de grandes directores como Pedro Costa, Wang Bing, Vicente Ferraz, Chantal Akerman, Apichatpong Weerasethakul y Ayisha Abraham. Destaco Tarrafal, el episodio del portugués Costa sobre la historia real de un inmigrante de Cabo Verde a punto de ser expulsado por las autoridades portuguesas, el del tailandés Weersethakul (retratos casi mudos de los pasajeros de un viaje en lancha) y el del chino Wang Bing (la sesión de tortura a una trabajadora fabril rebelde por parte de autoridades del Partido Comunista).

BONUS TRACK 4: Dos films que "se dejan ver". La influencia (España-México), de Pedro Aguilera (austeridad y rigor bressonianos en la mirada sobre personajes de un pueblo gris que se estrenó en la Quincena 2007); The Walker (EE.UU.), de Paul Schrader, una suerte de secuela de Gigoló americano (1980) que tiene como protagonista a Woody Harrelson en el papel de un distinguido homosexual que se ocupa de acompañar en juegos de cartas, galas de ópera, cenas benéficas y otros menesteres a las esposas de poderosos senadores, empresarios y lobbystas de Washington (interpretadas por Kristin Scott Thomas, Lauren Bacall y Lily Tomlin). Entre la sofisticación de los ricos, las miserias del poder y el submundo delictivo, Schrader construye un digno thriller sobre asesinatos, corrupciones y confabulaciones en las altas esferas políticas y económicas, pero que, de todas maneras, poco le agrega a su rica y ya dilatada carrera.

BONUS TRACK 5: Seis grandes directores con películas que a mí no me convencieron (mejor dicho, me defraudaron), pero que aquellos que siguen sus carreras deberían ver igual:
-Mr. Lonely (EE.UU.), de Harmony Korine. Una buena idea que se dilapida. Una historia de amor en el seno de una comunidad de imitadores con Diego Luna como Michael Jackson y Samantha Morton como Marilyn Monroe.
-I'm a Cyborg, But That's OK (Corea del Sur), de Park Chan-wook. El desmesurado talento del director de Oldboy, cinco días para vengarse en función de una comedia absurda que nunca alcanza a ser graciosa.
-The Man from London (Hungría-Gran Bretaña), de Béla Tarr. Para aquellos que disfrutamos la experiencia cinéfila del BAFICI 2001 disfrutando de las casi 7 horas de Sátátángo, ver este cine hueco, vacío, pretencioso, solemne y dedicidamente aburrido (muerto) fue una desilusión mayúscula. Sí, están esos planos-secuencia espectaculares en blanco y negro que son su marca de fábrica (el primero dura 14 minutos y se mueve sobre grúas de puerto que toman un barco y un tren), pero estamos ante un simple regodeo técnico-visual artificial e insustancioso.
-Le voyage du ballon rouge (Francia), de Hou Hsiao-hsien. Al contrario de lo que le pareció a Manu Yáñez Murillo, para mí Hou se perdió en París, quedó atrapado por la producción francesa, hace su película menos personal y permite que Juliette Binoche ofrezca una de las peores actuaciones de su carrera.
-Boarding Gate (Francia-EE.UU.), de Olivier Assayas. Asia Argento abruma (otra vez) como una ex drogadicta y ex prostituta dispuesta a todo en una absurda trama de clase B con traficantes y gangsters de todo tipo. Lo peor es que Boarding Gate ni siquiera está bien filmada como sí ocurría en los trabajos previos de Assayas.
-Go Go Tales (EE.UU.-Italia), de Abel Ferrara. Un delirio cercano al sinsentido sobre las miserias ¿cómicas? en un cabaret de mala muerte. Ferrara cae en el capricho, la autoparodia y un voyeurismo que ya roza lo grasa. 


LAS ELEGIDAS DE DIEGO BRODERSEN

-Between the Devil and the Wide Blue Sea (Alemania), de Romuald Karmakar. El chico maravilla del documentalismo alemán vuelve a las enseñanzas de los Hnos. Lumiere y les agrega una dosis de potente sonido electrónico. Cine de observación en los escenarios, las pistas y cabinas discotequeras europeas.

-Ecstasy of the Angels (Japón), de Koji Wakamatsu. El director más independiente de la Nueva Ola nipona y uno de sus films más (literalmente) explosivos. Sexo y política en colores y blanco y negro en un verdadero ejemplo de cine guerrillero.

-Flower in the Pocket (Malasia), de Liew Seng Tat. Interesante ópera prima malaya cuyos protagonistas son dos niños de origen chino y su padre, un “reparador de maniquíes”. El director logra un notable tono medio atravesado por ramalazos de humor en este firme candidato a llevarse el Premio del Público.

-Jogo de cena (Brasil), de Eduardo Coutinho. La película de apertura del Bafici 2008 es otro gran ejemplo de las bondades del procedimiento Coutinho. El “juego de escena” del título anuda la ficción y el documental en un puñado de entrevistas a actrices que, a su vez, interpretan a otras tantas mujeres de la vida real.

-La France (Francia), de Serge Bozon. Un grupo de soldados franceses durante la Primera Guerra mata el tiempo cantando canciones absurdamente anacrónicas. Un debut extremadamente original que no confunde calidez con tontería.

-Of Freaks and Men (Rusia), de Alexei Balabanov. Excéntrico film que se disfraza de melodrama mudo para narrar una parábola de explotación y corrupción en la Rusia de principios del siglo XX. Los protagonistas son varios, pero destacan los gemelos orientales unidos físicamente desde su nacimiento.

-Oh, Uomo! (Italia), de Yervant Gianikian y Angela Ricci Lucchi. La dupla investiga las mutilaciones corporales producto de la Gran Guerra y los intentos por rearmar el cuerpo humano artificialmente. Gran obra del found footage no apta para ojos sensibles.

-Paranoid Park (Estados Unidos), de Gus Van Sant. Qué suerte que Van Sant abandonó hace rato su flirteo con el cine mainstream. La seguidilla de grandes films no se corta con Paranoid Park, otro experimento formal de alto impacto emocional protagonizado por un joven skater.

-Profit Motive and the Whispering Wind (Estados Unidos), de John Gianvito. Un film extremadamente inusual y poderoso que utiliza imágenes de tumbas y placas conmemorativas para repensar el pasado y el presente de los Estados Unidos.

-Retour en Normandie (Francia), de Nicolas Philibert. El director de Ser y tener regresa al pueblo en el cual, hace tres décadas, se rodó un film del cual fue asistente de dirección. Otro gran ejemplo del documental de búsqueda reflexivo y en primera persona.

-Sex Jack (Japón), de Kôji Wakamatsu. Otro Wakamatsu, quizás su película más godardiana. Un grupo de guerrilleros debe esconderse de la policía, excelente ocasión para “compartir el amor socialista” con la única mujer del grupo. Pinku-politik al rojo vivo.

-Staub (Alemania), de Hartmut Bitomski. O de cómo hacer una película con el protagonista más insólito: el polvo. Un viaje alucinado y alucinante de uno de esos realizadores “tapados” que bien vale la pena descubrir.

-Sukiyaki Western Django (Japón), de Takashi Miike. Homenaje al spaghetti western súper estilizado, hablado en un inglés con fuerte acento oriental, el último Miike es un eye candy con algo de esencia. Este es el film del BAFICI para dejarse tentar, abrir los ojos y apreciar una explosión de colores primarios. Y sí: Tarantino roba pantalla en un par de escenas.

-The Rebirth (Japón), de Masahiro Kobayashi. Sutileza minimalista en la historia del encuentro entre el padre de un chico asesinado y la madre del criminal. El último Kobayashi logra construir, con escasos diálogos, un potente drama sobre el amor.

-The Red Shoes/Las zapatillas rojas (Reino Unido), de Michael Powell y Emeric Pressburger. Cualquier Powell-Pressburger cumple y dignifica, pero si la copia en 35mm está a la altura de las expectativas, el espectador del BAFICI podrá apreciar uno de los más extraordinarios usos del color de la historia del cine en este musical que se parece poco y nada a los del Hollywood clásico.

-Tirador (Filipinas), de Brillante Mendoza. No sólo de grandes films viven los festivales. El director de Masahista –exhibida en Mar del Plata hace un par de años- dirigió ahora esta curiosidad rodada con una cámara digital en verdaderos barrios marginales de Manila. Una buena ocasión para ver y comparar con los últimos grandes éxitos del cine de la miseria latinoamericana.

-Val Lewton: The Man in the Shadows (EE.UU.), de Kent Jones. Con un preciso e inventivo uso del montaje, el crítico Kent Jones hace de este ensayo audiovisual un gran homenaje al famoso productor de films de horror. Martin Scorsese aportó su voz como narrador.

-Wonderful Town (Tailandia), de Aditya Assarat. La excusa argumental, el encuentro entre un arquitecto y la empleada de un hotel en un pueblito barrido por un tsunami, es el punto de partida para un film que bucea en las emociones humanas con sutileza y un gran sentido del misterio. Seguramente, una de las mejores películas de la Competencia.

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