Críticas de “Molly’s Game”, de Aaron Sorkin; “Darkest Hour”, de Joe Wright y “Mother!”, de Darren Aronofsky - #TIFF17

El gigantesco festival canadiense arrancó con Borg / McEnroe, pero ya en las primeras jornadas se presentaron varias de las películas más esperadas de esta edición, que también significa el comienzo de la temporada de premios. El debut en la dirección de Sorkin, uno de los guionistas más aclamados de Hollywood; y lo nuevo del realizador de Orgullo y prejuicio, Expiación: deseo y pecado; Hanna y Anna Karenina estuvieron a la altura de las expectativas; en cambio, el más reciente trabajo del creador de Pi, Réquiem para un sueño, La fuente de la vida, El luchador, El cisne negro y Noé resultó bastante decepcionante. 

-Molly’s Game (Estados Unidos, 140’), de Aaron Sorkin ★★★★½

Aaron Sorkin, uno de los mejores guionistas de Hollywood, debuta como director de cine con esta entretenida película basada en la historia de Molly Bloom, una mujer joven que manejaba un multimillonario juego de póker clandestino en Nueva York, del que participaban ricos y famosos y que fue arrestada y acusada de tener vínculos con la mafia rusa.

Jessica Chastain irradia la inteligencia, fuerza y vulnerabilidad que el rol requiere y su nombre probablemente empiece a sonar fuerte para la temporada de premios. Los diálogos rápidos e ingeniosos que son marca registrada del guionista de películas como Hombres de honor, Mi querido presidente y Red Social, y de series como The West Wing, Sports Night y The Newsroom brillan aún más en las escenas que comparte la actriz con Idris Elba, quien interpreta a su abogado defensor. Pero el mejor momento del film es un encuentro entre Molly y su padre -encarnado por el gran Kevin Costner- con quien tiene una relación muy complicada. Las palabras de Sorkin y la interpretación de estos talentosos actores convierten a esta escena en antológica.

Como también es antológico el comienzo del film, una secuencia de pura lógica Sorkin, rápida y repleta de inteligencia y humor. Molly’s Game demuestra que el celebrado guionista puede llevar lo que escribió a la pantalla con eficacia y total control sobre la puesta en escena. Pero también parece subrayar que el gran talento de Sorkin es la escritura y su marca de autor sigue estando en el papel.





-Las horas más oscuras / Darkest Hour (Reino Unido, 114’), de Joe Wright ★★★★½

Darkest Hour es un nuevos testimonio de que Joe Wright es uno de los mejor directores actuales de películas de época. El realizador de Orgullo y prejuicio es cuidadoso con los detalles de la recreación, pero no se regodea en ellos sin sentido; explota su belleza en cada plano, pero utilizándolos para construir el universo de la historia que está contando. 

La presencia constante del humor, especialmente a través de Winston Churchill, su protagonista, le quita solemnidad a la película que cuenta dramáticos momentos de la Segunda Guerra Mundial, a partir de la asunción del histórico primer ministro.

El film permite conocer el otro lado de la historia narrada en Dunkerque, de Chistopher Nolan. Aquí se ve cómo los hombres poderosos del Reino Unido, el rey, Churchill y su consejo de guerra decidían el rescate de las tropas varadas en esas playas y discutían si era mejor sentarse a negociar o enfrentar a la amenaza alemana que avanzaba a gran velocidad.

No es demasiado arriesgado decir que Gary Oldman tiene enormes posibilidades de conseguir una nueva nominación al Oscar por su interpretación de Churchill en el film. La personalidad desbordante del primer ministro británico y sus discursos memorables lo convierten en el personaje perfecto para que un actor de la talla del protagonista de El topo le saque todo el jugo posible. La película es el show de Winston Churchill; y el excelente trabajo del actor termina convirtiéndola en el show de Oldman. (Su lanzamiento en Argentina por ahora está fijado para el 15 de febrero de 2018).





-¡Madre! / Mother! (Estados Unidos, 121’), de Darren Aronofsky ★★½

Durante la primera hora de Mother!, Aronofsky construye una situación extraña y un suspenso que prometen. Todo sucede en una casa en el medio del campo, en la que viven un escritor con un bloqueo creativo (Javier Bardem) y su esposa (Jennifer Lawrence). Un incendio había destruido el lugar, pero la joven mujer se encargó de reconstruirla para hacer feliz a su marido e intentar que éste puede recuperar sus impulsos artísticos (y también de otro tipo). Detrás de las paredes la casa parece estar viva y el personaje de Lawrence recorre su propio hogar con cierta incomodidad. La llegada de un hombre (Ed Harris) en medio de la noche y luego la de su mujer (Michelle Pfeiffer) resultan amenazantes para la joven anfitriona y el clima se va poniendo cada vez más espeso.

El problema del film aparece cuando esta historia con aires góticos y que parecía relacionarse con películas como El bebé de Rosemary, de Roman Polanski, y Rebecca, una mujer inolvidable, de Alfred Hitchcock, toma otro camino mucho más extraño y arduo de soportar. Se notan intentos de establecer reflexiones metafóricas sobre la celebridad y el hambre insaciable de los fans que quieren siempre algo más de sus ídolos; el matrimonio; la maternidad; y el egoísmo del artista, pero estas ideas no se desarrollan con demasiada profundidad. O, más bien, quedan apenas esbozadas dentro de la maraña de situaciones bizarras e imágenes pesadillescas que son el corazón de la segunda parte de la película (El estreno en Argentina está previsto para el 28 de septiembre). 




Conferencia de prensa del equipo de ¡Mother!