Todas las críticas de la Competencia Internacional

Por Diego Batlle, desde Valdivia
-Uno de los principales ámbitos de descubrimientos que ofrece cada año el FICV es su sección oficial, que apuesta siempre por el riesgo, la provocación, la experimentalidad y la renovación.
-Para esta 20ª edición, se programaron 12 títulos, entre los que aparecen la magistral E agora? Lembra-me, Soldate Jeanette, Costa da Morte, It Felt Like Love, Lukas The Strange y la representante argentina Fango.
-Además, habrá dos films chilenos en estreno mundial: Naomi Campbel, de Nicolás Videla y Camila Donoso; y Volantín cortao, de Diego Ayala y Aníbal Jofré.

-El futuro (España), de Luis López Carrasco.

-Mary is Happy, Mary is Happy (Tailandia), de Nawapol Thamrongrattanarit. 

En su segundo largometraje, el director de Bangkok Traffic Love Story se basó en 410 tweets consecutivos de una adolescente anónima para construir una agridulce tragicomedia sobre una chica que está en su último año en un colegio secundario full-time (hasta duerme en el establecimiento). Sus contradicciones, sus inseguridades, sus angustias, sus desamores, sus fracasos con los hombres, su amistad íntima con otra alumna que está a punto de irse al exterior para continuar allí sus estudios universitarios y sus conflictivas relaciones en el ámbito académico con burócratas y profesores son narrados de forma fragmentaria, mixturando los breves textos de Twitter con las imágenes de esta antiheroína desventurada, pero siempre querible. Más allá de que la propuesta resulta algo excesiva en sus 126 minutos, se trata de una muy lúcida y sensible exploración del universo juvenil y una búsqueda válida por trasladar el espíritu actual de las redes sociales al lenguaje cinematográfico.



-The Dirties (Canadá-Estados Unidos), de Matthew Johnson.

Esta ópera prima escrita, dirigida y protagonizada por este jovencísimo artista canadiense arrasó en el último Festival Slamdance y, luego de su paso por Locarno, llegó a Valdivia con una mirada descarnada y muy provocadora sobre el bullying y sus inimaginables consecuencias. Construido como un falso documental (hay algunos problemas con el punto de vista, pero el recurso funciona), esta suerte de making of registra el proceso de filmación de una pelicula sobre The Dirties, un grupo de matones de un colegio secundario que tiene al propio director del film, y del film-dentro-del-film (Matt Johnson), como víctima predilecta. Pero, se sabe, cuando hay humillación y furia contenida de por medio, el límite entre víctima y victimario es cada vez más impreciso y precario. Con múltiples elementos autobiográficos y otros que remiten a la tragedia de Columbine (y, por lo tanto, a Elefante, de Gus Van Sant), este debut de Johnson -no exento de humor negro, cinefilia clase B y desparpajo- constituye un desgarrador retrato de la descontención adolescente y una muy auspiciosa carta de presentación dentro del panorama indie norteamericano.



-Ruin (Australia-Camboya), de Michael Cody y Amiel Courtin-Wilson. 

En tres años que llevo cubriendo el FICValdivia jamás había visto una mala película en Competencia Internacional. Esa buena racha se cortó de forma abrupta con este film que describe (acumula) las penurias de un hombre que subsiste con trabajos efímeros y precarios (y algún robo ocasional) y una mujer ultrajada y sometida a la prostitución en condiciones infrahumanas. Ambos se terminan escapando, pero aquí lo importante no es tanto lo que se cuenta (la degradación, la humillación, la pobreza extrema, el machismo, la trata de personas) sino cómo se lo cuenta: esteticismo, sadismo, pornomiseria, música horrible, subrayados y un permanente mal gusto. En señal de protesta me levanté en medio de la función.



-Fango (Argentina), de José Celestino Campusano. GANADORA DEL GRAN PREMIO DEL JURADO

A este nuevo largometraje del director de Vil romance y Vikingo podrá cuestionársele miles de cosas (cierta desprolijidad, algunos problemas de fluidez, actuaciones desparejas), pero aún con sus carencias resulta un trabajo siempre fascinante y valioso. Como siempre, Campusano filma en locaciones reales del sur más profundo y menos favorecido del conurbano con gente de la zona, verdaderos "pesados" y artistas marginales (en este caso, músicos que mixturan el tango con el heavy metal). El resultado de este largo proceso creativo sin guión fijo, intentando captar en conjunto con sus intérpretes las facetas más verídicas y extremas de estas personas devenidas personajes, está lleno de hallazgos, de pequeños grandes momentos. La relación de amistad entre el Indio y el Brujo (impulsores del tangro trash), los affaires extramatrimoniales, unas lesbianas de armas tomar, los robos y secuestros, los duelos a cuchillo y los sangrientos ajustes de cuentas con los códigos del submundo dan vida a un melodrama tanguero tosco, es cierto, pero lleno de vida, de nobleza y de potencia cinematográfica. El cine de Campusano sigue gozando de buena salud.



-Lukas The Strange (Filipinas), de John Torres.

Película clásica y moderna, liviana y experimental, documental y ficción, artificial y creíble a la vez, se trata de una bienvenida rareza. Con elementos que remiten al cine de su compatriota Raya Martin, sobre todo en la forma en que introduce elementos de la tradición (y las leyendas populares) de su país en un relato que en otros momentos de bien vanguardista y contemporáneo, Torres combina con muchos más aciertos que tropiezos elementos que van desde el ingreso de un adolescente al universo adulto hasta el cine dentro del cine, pasando por un bello retrato de la comunidad rural. Un patchwork visual para una película que explora sin prejuicios y con mucha creatividad nuevos caminos para el cine.



-It Felt Like Love (Estados Unidos), de Eliza Hittman.

Esta ópera prima fue una de las revelaciones en festivales como los de Sundance y Rotterdam con una mirada llena de sutileza e inteligencia para describir la intimidad durante un verano de una insegura chica de 14 años que vive en Brooklyn con su padre (bastante ausente) y está obsesionada por relacionarse con los varones e iniciarse sexualmente, sobre todo viendo que sus amigas ya están más “avanzadas”. El film -una exploración sobre las inseguridades, las contradicciones, la autoestima, la relación con el cuerpo en pleno desarrollo- tiene algunos pasajes bastante duros (los muchachos no son precisamente un ejemplo de dulzura y sensibilidad), pero Hittman muestra lo que hay que mostrar (y hasta dónde hay que mostrar), eludiendo así la sordidez y el regodeo explotador.



-Costa da Morte (España), de Lois Patiño. GANADORA DE UNA MENCIÓN ESPECIAL

Este joven realizador gallego se quedó con el galardón al Mejor Director Emergente de la competencia Cineasti del Presente del reciente Festival de Locarno con un documental de una belleza (y lirismo) singular que "dialoga" con films como Arraianos o El cielo gira. El arranque parece un homenaje a La libertad, de Lisandro Alonso, con una larga escena de tala de árboles. Pero el que aparecerá luego en pantalla no es Misael Saavedra sino una serie de pobladores de la zona del título, considerada el fin del mundo, una suerte de triángulo de las Bermudas, en tiempo de los romanos, ya que en esa región rocosa y neblinosa del noroeste de Galicia solían encallar (y eran saqueados) numerosos barcos. Esas leyendas de piratas se escuchan en off mientras la cámara capta en hermosas panorámicas la actividad de pescadores, hacheros o artesanos en las costas, los bosques o las edificaciones antiguas. La relación entre el hombre y los paisajes no es nueva en la obra de Patiño, formado tanto en la New York Film Academy como en la Pompeu Fabra de Barcelona, y -en ese sentido- Costa da morte surge como una ampliación y profundización de las búsquedas emprendidas en cortos como Montaña en sombra



-Soldate Jeanette (Austria), de Daniel Hoesl.

Este ex asistente de dirección de Ulrich Seidl elige como (anti)heroína a una mujer madura y decididamente border de origen aristocrático que se dedica a dilapidar la fortuna familiar, mientras crecen sus deudas, es desalojada de su departamento y termina trabajando en una granja (hay en esta producción de apenas 65.000 euros de presupuesto varias escenas delirantes y creativas). Una comedia negra muy provocativa, que sintoniza con el grado de descontención, negación y descomposición que impera incluso en los sectores más acomodados de la otrora opulenta Europa. Y otra muestra de que el nuevo cine austríaco está loco, loco, loco.



-E agora? Lembra-me (Portugal), de Joaquim Pinto. GANADORA DEL PREMIO A MEJOR PELÍCULA 

Muy de vez en cuando el cine nos regala experiencias tan poderosas, descarnadas, viscerales y conmovedoras como este nuevo film de Pinto. Primero: ¿Quién es este portugués? Se trata de un multifacético artista (actor, editor, camarógrafo, director de fotografía, productor, realizador de ficciones, documentales y animaciones y, sobre todo, eximio sonidista) que trabajó mucho con su mentor Joâo Cesar Monteiro, varias veces con Raúl Ruiz, y con otros autores como Manoel de Oliveira, Werner Schroeter, Joâo Canijo, Joâo Pedro Rodrigues y André Téchiné. ¿Y qué es lo que hace tan especial a este film? El punto de partida es el de construir un diario íntimo para exponer el tratamiento con medicación experimental que el propio director emprendió durante un año en su larga y titánica lucha contra el SIDA y la Hepatitis C (está infectado desde hace casi dos décadas).

Sí, en varios de los extraordinarios 164 minutos de E agora? Lembra-me se habla de (¡y muchas veces se muestran!) infecciones crónicas, cirrosis, virus, bacterias, plaquetas, hemoglobina, inyecciones, píldoras, dolores que aquejan todo el cuerpo, insomnio, picazón, fotofobia y otros efectos colaterales…

Pero quien crea que este film es un mero tratado médico y un bajón deberá saber que estamos ante un relato apasionante, de una inteligencia y una sensibilidad superiores. Pinto se expone en toda su intimidad (puede que haya algo de exhibicionismo) y en toda su dimensión intelectual (por momentos puede pecar de demasiado pretencioso) y el resultado es casi siempre atrapante.

E agora? Lembra-me es también un hermoso ensayo cinéfilo (reivindica a sus héroes y amigos de los años ’70, ’80 y ‘90: Pier Paolo Pasolini, Derek Jarman, Serge Daney y un largo etcétera), una gran historia de amor gay (Pinto vive con su pareja y socio laboral Nuno Leonel), un film sobre viajes, sobre música y literatura, sobre la crisis europea, sobre la relación directa con la naturaleza (ambos trabajan la tierra en una pequeña parcela en las islas Azores), sobre perros y sobre muchas cosas más.  

Pinto apela al collage, a un patchwork estilístico que incluye la lectura en off de sus caóticas notas médicas y de citas a grandes autores, una excelente selección musical y, ya en el terreno visual, pasajes en impecable HD y viejos materiales en Súper 8, largas tomas fijas e imágenes aceleradas, animaciones, efectos visuales y miradas al microscopio con las muestras extraídas de su cuerpo. Una película a-lo-Chris Marker mixturada con elementos de la vanguardia y del videoarte que resulta, sí, dura, ardua y hasta por momentos cruel, pero también hermosa y fascinante.

Se comentaron aparte:

-Naomi Campbel (Chile), de Nicolás Videla y Camila José Donoso

-Volantín cortao (Chile), de Diego Ayala y Aníbal Jofré