Especial Cine Español: críticas de “La Parra”, “Mamántula”, “El sueño de la sultana” y “On the Go” - #BAFICI2024

Reseñas de cuatro películas que se verán en distintas secciones de la muestra porteña.

La parra / The Rim (España/2024). Guion y dirección: Alberto Gracia. Fotografía: Ion de Sosa. Elenco: Alfonso Míguez, Pilar Soto, Lorena Iglesias Lista y Emilio Buale. Duración: 90 minutos. En Competencia Internacional. ★★★★✩

En el nuevo film del director de O quinto evanxeo de Gaspar Hauser (2013) y La estrella errante (2018) se explica una leyenda. Al comienzo de la película, entre la oscuridad, se escucha a un hombre contando por qué la ermita de Chamorro de Ferrol se llama así. La historia resuena sobre un fondo casi negro. Quizá es de noche, podemos pensar, aunque pronto descubrimos que no es así: que estamos en pleno día, y que la oscuridad es la del grupo de ciegos que ha hecho una excursión a esos parajes de la ermita de Chamorro.

En La parra planea una desaparición, la de Cosme, el guía que acompaña al grupo de invidentes al comienzo de la película y que sin mediar ninguna explicación se arroja desde una montaña rocosa que bien podría evocar otra evanescencia inexplicada, la de Picnic at Hanging Rock (1975), de Peter Weir. Ahora bien, esta no es la historia de Cosme, sino la de Damián, un tipo que malvive en Madrid y que, tras la muerte de su padre, regresa a Ferrol. Damián se aloja en la pensión que da título a la película, y donde vivía Cosme. Poco a poco, como al Roger Thornhill de Con la muerte en los talones / Intriga internacional / North by Northwest, de Alfred Hitchcock; o como al protagonista de El escritor fantasma / El escritor oculto / The Ghost Writer, de Roman Polanski, todos van confundiendo a Damián con el desaparecido Cosme, y así lo van empujando a convertirse en él. Quien más insiste en llamar a Damián Cosme es un hombre de rostro intenso y sonrisa prominente, una especie de “hombre misterioso”, como el de Carretera perdida / Lost Highway, de David Lynch.

Ferrol se muestra como un rincón dentro del rincón (Galicia, en la esquina de la península). Hacia el final de la película, la ciudad portuaria se describe como una suerte de islote desconectado del mundo (¿y por tanto de lo real?). Por momentos, Ferrol parece el Twin Peaks ibérico. Envuelto en el manto de un sonido atmosférico, el espacio emana extrañeza y termina por empujar al protagonista a una huida entre paranoide y alucinada.

El Festival de Rotterdam 2024 se ha fijado en un cine español que bascula entre el retrato social y local y lo fantástico. España es rara, podríamos decir; y lo extraño está en sus campos, en sus pensiones, en el rostro de su gente, en un bar donde sirven café con leche, en la presencia anodina de la televisión, o en una precariedad que cala en los huesos. VIOLETA KOVACSICS


Mamántula (España-Alemania/2023). Dirección: Ion de Sosa. Duración: 48 minutos. En competencia Vanguardia y Género.

Colaborador habitual de Chema García Ibarra y Luis López Carrasco en tareas de dirección de fotografía, Ion de Sosa cuenta con dos largometrajes en su haber –True Love (2010) y Sueñan los androides (2014)– que además de ser notables ya perfilaban un estilo muy propio. Su nueva propuesta se presenta como una extensión, un paso más allá, de lo planteado en Sueñan… Porque el autor donostiarra recurre a la ciencia ficción, en la que aterriza de nuevo desde la extrañeza, para narrar una historia de corte fantástico, formulada con total libertad y dejando que el relato fluya entre la provocación, el ingenio y otros recursos inesperados.

Replicar la sinopsis de Mamántula ya revela un espíritu nada ortodoxo. El título hace referencia a un joven de apariencia humana que en su interior esconde una araña gigante, y que se dedica a tener encuentros fugaces con otros hombres para acabar con ellos, absorbiendo su sangre, su semen y su vida. El director cita entre sus referencias para esta película A la caza (1980) o La posesión (1981); a nivel visual y de diseño de producción, la pintura de Francis Bacon y las fotografías de Nan Goldin; y, por supuesto, Under the Skin (2013), por la forma en la que el asesino arácnido, con origen fuera de este planeta, adopta forma humana.

Estamos, sin duda, ante una propuesta apasionante a nivel visual, que confirma a De Sosa como un cineasta que siempre busca los márgenes de lo narrativo. Ocurre, eso sí, que tras su visionado deja con ganas de más, de saber cómo hubiera discurrido esta historia si se hubiera prolongado más allá de sus casi cincuenta minutos hasta transformarse en un largometraje. FERNANDO BERNAL




El sueño de la sultana (España/2023). Dirección: Isabel Herguera. Duración: 87 minutos. En la sección Óperas Primas.

La Competencia Oficial del Festival de San Sebastián 2023 recibió por primera vez un título de animación europeo como aspirante a la Concha de Oro. Se trata de El sueño de la sultana, el primer largometraje de Isabel Herguera, una directora y artista visual que hasta ahora había desarrollado una amplia carrera en el mundo del cortometraje y que, en su primera película, sigue valiéndose de técnicas artesanales, algo que ha caracterizado hasta el momento su valiosa producción. La cineasta donostiarra toma como punto de partida la adaptación del cuento El sueño de la sultana, escrito por la bengalí Rokeya Hussein en 1905, una utopía feminista con la que se encontró por casualidad y que marcó el rumbo y la personalidad de su ópera prima.

El film está sustentando en tres hilos narrativos, que corresponden al mismo tiempo a las fases de su proceso de creación interno. Por un lado, está la adaptación del propio del cuento, que se desarrolla en un lugar llamado Ladyland, donde las mujeres han conquistado el poder en el Estado y son las encargadas de desarrollar los avances científicos, mientras sus maridos viven encerrados en casa tras perder una batalla con un país vecino. Por otra parte, Herguera narra la vida de la autora del libro, Hussein, que luchó por incorporar a las mujeres al sistema educativo indio y conseguir su derecho al voto. Y por último se encuentra el hilo conductor de la narración, el viaje que realiza Inés, una joven cineasta de animación donostiarra, a la India, donde encuentra en una librería el cuento.

Su cuaderno de bocetos y su trayecto representan a la propia Herguera, que viajó también a la India para realizar una serie de talleres con mujeres y comprobar así la vigencia del cuento. Lo que en principio iba a ser un documental, acabó definiéndose completamente a través de la animación, y el resultado es un film que resulta fascinante a nivel visual, una auténtica experiencia sensorial tanto en sus hermosas y poéticas imágenes, como por su diseño de sonido, con una mirada feminista universal. Algo que funciona de una manera notable si se disfrutan de manera independiente las diversas set pieces artísticas de la que se compone (algunas de ellas realmente magistrales), aunque se echa de menos una conexión más sólida y férrea entre las mismas y quizá se muestre en exceso reiterativa en su intención didáctica.

Dejando de lado esas cuestiones narrativas, que encuentran su origen en la propia estructura y conexión del guion, El sueño de la sultana es un hermoso y virtuoso despliegue de técnicas de animación artesanal. Herguera se vale del mehndi, la forma tradicional con la que las mujeres indias se tatúan con Henna de forma temporal, para ilustrar el episodio que transcurre en el ‘país de las mujeres’. Para reproducir la vida de Rokeya Hussein recurre al teatro de sombras y a recortables. Para la historia de la joven viajera utiliza la animación clásica en 2D y las acuarelas, siempre con los fondos pintados a mano. Mientras que de manera fugaz recurre al 3D en un momento en el que la protagonista, que solo puede disfrutar de los sueños que otros le cuentan, por fin consigue soñar.

El sueño de la sultana es una sugerente propuesta que combina esa vocación experimental con un relato onírico, donde tampoco falta la presencia de referentes del pensamiento en torno al género y el feminismo, como el filósofo Paul B. Preciado, que mantiene una relación epistolar con Inés y que la sigue y la aconseja en el descubrimiento de sí misma y de la realidad de otras mujeres. También aparece la especialista en estudios clásicos Mary Beard, que participa en una secuencia que se desarrolla en Roma y en la que se hace referencia a la primera vez que en literatura, concretamente en La Odisea, obligaron a callar a una mujer. Dos conexiones que refrendan la vocación documental del film que, sin embargo, cuando más brilla y se disfruta es cuando explota su vertiente ensoñadora y se aferra con sutileza a la fantasía. FERNANDO BERNAL




On the Go (España/2023). Dirección y guion: María Gisèle Royo y Julia de Castro. Elenco: Julia de Castro, Omar Ayuso, Manuel de Blas y Chacha Huang. Fotografía. Ilton K. do Rosario. Edición: Paola Álvarez y Sergio Jiménez. Dirección de arte: Sofía Alazraki. Duración: 72 minutos. En la sección Nocturna. ★★★✩✩

La ópera prima de la venezolana María Gisèle Royo y la española Julia de Castro es un objeto extraño, por momentos inasible, que mezcla las coordenadas narrativas de las road movie (el viaje como elemento transformador, el camino como símbolo de la progresión de los cambios) con una suerte de realismo mágico, todo condimentado con algunos apuntes sobre el mundo contemporáneo.

Ese carácter contemporáneo queda claro apenas los protagonistas revelen sus problemas nodales: si Milagros (Julia de Castro) tiene 37 años y estira su juventud sin preocupaciones aparentes, aunque en su interior esté atravesada por las dudas sobre si ser o no madre, Jonathan (Omar Ayuso, de la serie Elite) promedia sus veinte intentando engañar a la soledad con citas casuales con chicos que conoce en redes sociales.

Es en ese contexto que entra en escena una sirena oriental (Chacha Huang) que los guiará en un viaje costero del que sus protagonistas regresarán muy distintos a lo que eran. Las realizadoras registran esa transformación a través de un relato asordinado, con partes iguales de humor ante las situaciones absurdas que se presentan y una nostalgia, reforzada por los granos del formato 16 mm. con que está filmada, ante la juventud que la dupla protagónica siente que se le escurre entre las manos.

No todos los elementos de On the Go funcionan de igual manera, pero el resultado es un film estimulante y abierto al descubrimiento. Un descubrimiento que puede llegar, incluso, con la forma de una canción frente a la inmensidad del océano. EZEQUIEL BOETTI

Sumate a la comunidad OtrosCines/Club

Las suscripciones son la mejor manera para que las lectoras y los lectores apoyen directamente a los emprendimientos periodísticos independientes y ayuden a sostener un producto de calidad que mantiene el acceso a todos sus contenidos de forma gratuita. Además, se accede a una amplia oferta de beneficios y contenidos exclusivos.

MÁS INFORMACIÓN
SOBRE BENEFICIOS
Y SUSCRIPCIONES