Competencia oficial

-L'ilusionniste (foto), la nueva joya animada del francés Sylvain Chomet, es uno de los platos fuertes de la sección principal de la 25ª edición del festival, que incluye también Essential Killing, del veterano polaco Jerzy Skolimowski; Tuesday, After Christmas, del rumano Radu Muntean; y la argentina Aballay, de Fernando Spiner. En total, son 13 los títulos que disputarán los premios Astor. Aquí, todas las reseñas.

-L'ilusionniste, de Sylvain Chomet (Gran Bretaña/Francia). Calificación: 9

El director de Las trillizas de Belleville invirtió más de cuatro años de trabajo y 10 millones de euros en concretar este guión original (hasta ahora inédito) escrito en 1956 por Jacques Tati, el genial creador de Playtime, Mi tío y Trafic. La película tiene como protagonista al propio Tati (en una versión animada, claro), como un decadente mago que, luego de varios fracasos en París, sale de gira por distintas ciudades y pueblos del Reino Unido hasta que conoce a una inocente joven escocesa que pasa a acompañarlo en el tour y a convertirse en una suerte de hija sustituta (de hecho, Tati concibió esta historia como un regalo para una hija adolescente a la que apenas conoció) que cree que el protagonista tiene poderes para conseguirle vestidos, zapatos y todo lo que ella sueña. Y él hará todo lo posible para no desilusionarla a pesar de las crecientes dificultades. Concebida con la técnicas artesanales de animación en 2D y la inclusión de algunos elementos en 3D, El ilusionista es una tragicomedia (llena de gags pero también de una profunda melancolía) que no sólo remite al universo de Tati (el artista favorito de Chomet) sino también al humor físico de los Chaplin y los Keaton. Un film de una belleza y un talento abrumadores que los cinéfilos marplatenses -previo a su estreno comercial en los salas argentinas- sabrán apreciar en toda su dimensión.

 

-Essential Killing, de Jerzy Skolimowski (Polonia / Noruega / Irlanda). Calificación: 8,5

El gran maestro polaco ratifica que, a los 72 años (y con casi cinco décadas de carrera), está atravesando un gran momento (su regreso luego de una larga ausencia había sido con Cuatro noches con Anna). El director de El grito y Trabajo en negro narra, con una enorme potencia visual, una absoluta crudeza y un tono alucinatorio que prescinde casi por completo de diálogos, la persecución por parte de soldados estadounidenses a un luchador talibán (Vincent Gallo) que se ha fugado de una de las bases en Europa del Este. El film apela a lo más instintivo, visceral y descarnado de un ser humano en permanente lucha por la supervivencia en medio de las condiciones más inhóspitas. Ganadora del Premio Especial del Jurado y del galardón a mejor actor en la reciente Mostra de Venecia.   

 

-Aballay: el hombre sin miedo, de Fernando Spiner (Argentina). Calificación: 8

¡Qué placer reencontrarse (casi redescubrir) a Spiner con este vistoso y atrapante western gauchesco! Una película que se anima a dialogar sin miedo con el género de los John Ford, los Sam Peckinpah y los Anthony Mann, pero también con el cine latinoamericano de Leonardo Favio y Glauber Rocha. Más allá de ciertos preciosismos visuales innecesarios (por momentos, el director de La sonámbula y sus técnicos parecen regodearse un poco en su indudable talento para el encuadre, la fotografía o la edición y terminan cayendo en cierto esteticismo), esta tragedia sobre la venganza y la culpa rodada en bellísimo parajes tucumanos (la inmensidad de los paisajes es un personaje más) expone en toda su dimensión y sus múltiples facetas la crueldad, el salvajismo, la opresión, el machismo, la religiosidad (y la superstición) de la Argentina del siglo XIX. Basada en un cuento del gran Antonio Di Benedetto, Aballay es una película épica, intensa, sangrienta, visceral y expresiva (casi expresionista) en el que más allá de los excesos apuntados se lucen tanto sus hacedores (el DF Claudio Beiza, el compaginador Alejandro Parysow, el músico Gustavo Pomeranec, la directora de arte Sandra Iurcovich) como sus intérpretes (Pablo Cedrón como el bandido-santo del título, Claudio Rissi como el malvado de turno, la bella Moro Anghileri como el objeto del deseo y, en menor medida, un no del todo convincente Nazareno Casero como el porteño que intenta vengar 10 años más tarde el asesinato de su padre). Un film que no debería pasar inadvertido en el marco del festival ni luego en su paso por el circuito comercial.

 

-Tuesday, After Christmas, de Radu Muntean (Rumania). Calificación: 8

Varios críticos minimizaron en Cannes los logros de este notable nuevo film del director de Boogie argumentando de que es "más de lo mismo", aludiendo a cierto estilo, cierta "marca" del nuevo cine rumano. Para mí, sigue siendo una obra de enorme solidez y categoría. Construido en base a largos y sofisticados planos-secuencia sostenidos por los notables intérpretes que está presentando película tras película la producción de este país, narra una historia bastante común (las desventuras de un hombre casado y con una hija que mantiene una doble vida con una amante más joven), pero con su estilo austero y depurado destila tanta verdad en cada una de sus situaciones (aparentemente banales) que evita caer en los esperables excesos y lugares comunes.

 

-De caravana, de Rosendo Ruiz (Competencia Internacional). Calificación: 7,5

¿Una "superproducción" financiada y rodada íntegramente en Córdoba, con la Mona Giménez en vivo, con un trasfondo romántico y, al mismo tiempo, de fuertes diferencias de clases, con clubes nocturnos, cabarets y bares de mala muerte, con secuestros, dealers, malandras, fotógrafos y travestis de la mejor cepa almodovoriana? Todo eso (y bastante más) es lo que propone esta opera prima de Ruiz, una propuesta llena de ideas, de grandes momentos (también de los otros) y, especialmente, de genuinas aspiraciones populares. Es cierto que hay momentos de cierta torpeza, desniveles en el cast y situaciones que podrían haberse evitado, pero los problemas aquí quedan minimizados ante la intensidad, la tensión, la empatía, la alegría, la "vida" que tiene esta comedia a puro cuarteto, a puro vértigo y a puro cine. Una verdadera sorpresa.

 

-Todos vós sodes capitáns (España), de Oliver Laxe. Calificación: 7,5

Nacido en Francia, de familia española y radicado en Tanger, Laxe rodó en Marruecos, en blanco y negro (hay algunas pocas imágenes en color), en árabe y con un mínimo presupuesto aportado desde Galicia las vivencias de unos chicos que viven en un centro social. La pequeñísima película va creciendo a medida que avanza el relato (que no tiene una trama ni una narración convencional) hasta convertirse en irresisitible, más allá de su filiación con el neorrealismo italiano, el cine de Abbas Kiarostami o de Albert Serra, entre otros. Uno de los descubrimientos del año. 

 

-Chantrapas (Georgia-Francia), de Otar Iosseliani (Fuera de competencia). Calificación: 7,5

Esta tragicomedia rodada en (y cofinanciada por) Francia y Georgia describe con el habitual estilo caótico, desbordante, mordaz e impiadoso del director de Pastoral, Jardines en otoño y Hogar, dulce hogar las penurias de un joven realizador que sufre la censura gubernamental en su país y luego, la de los productores galos que lo contratan y terminan editando la obra a su antojo en París. Más trágica que cómica, más política que cinéfila, llena de simpáticos anacronismos y situaciones entrañables, Chantrapas es un film menor, pero igualmente disfrutable del gran Iosseliani.

 -Fase 7, de Nicolás Goldbart (Competencia Internacional). Calificación: 7,5

Tras su elogiada (y premiada) participación en el reciente Festival de Sitges, se presentó esta opera prima de Goldbart (montajista de directores como Pablo Trapero, Damián Szifrón y Rodrigo Moreno). Con buena parte del mismo equipo de producción, actoral y técnico de Los Paranoicos (Gabriel Medina fue ahora asistente de dirección), Fase 7 demuestra que la FUC -a pesar de los prejuicios- no sólo forma cultores de un cine intelectual o críptico sino que hay mucho amor por los géneros. En el caso de Goldbart, propone aquí una combinación entre la comedia negra (con algo de La comunidad, de Alex de la Iglesia), el terror apocalíptico (en la línea de la saga de REC), el western urbano (con claras referencias -incluso desde la banda sonora- a John Carpenter), la ciencia ficción y el cine de acción. La pandemia de Gripe A es el pretexto para narrar una suerte de sátira con un costumbrismo porteño llevado al delirio lúdico y violento a la vez. Aunque por momentos la narración se traba y se resiente un poco, el film es simpático, atractivo y lleno de ideas visuales. El ecléctico elenco que incluye a la pareja de Los Paranoicos (Daniel Hendler y Jazmín Stuart), como una pareja que en un par de meses tendrá una beba, a Yayo y al inmenso Federico Luppi transcurre casi íntegramente dentro de un edificio en cuarentena. Los enfrentamientos entre los vecinos generarán una escalada sangrienta irrefrenable. El film -festejado de forma efusiva e incondicional por el público- tiene un gran trabajo en HD del fotógrafo Lucio Bonelli (muy buena la proyección en DCP), del músico Guillermo Guareschi y del equipo de arte liderado por Mariela Ripodas. Más allá de sus desniveles y caprichos, en el segundo día de exhibición el festival ya encontró su película de culto. Todo un hit. 

-The Hunter, de  Rafi Pitts (Irán). Calificación: 7

Este film escrito, dirigido y protagonizado por el iraní Rafi Pitts (It's Winter) narra la historia de un ex preso y trabajador de la industria automovilística que, tras sufrir la muerte de su esposa y su hija de siete años a causa de un tiroteo ocurrido durante las manifestaciones callejeras opositorias contra el régimen de su país, decide vengarse matando a dos policías. Más allá de que la historia pueda verse como algo oportunista teniendo en cuenta el actual contexto de ese país, la película está narrada con gran potencia y alcanza a transmitir el sinsentido de la violencia política y sus profundas implicancias en la vida cotidiana de la población.

 

-The Fourth Portrait, de Mong Hong Chung (Taiwán). Calificación: 6,5

Esta nueva película del director de Parking -presentada en la última edición de Locarno- es más interesante por lo que elude que por lo que aborda. Si uno contara la trama -un niño sufre la muerte del padre y, cuando está a punto de ir a un orfanato, reaparece su madre, que es prostituta y ha conformado una nueva familia (con un marido bastante cruel), para llevárselo a vivir con ella-, parecerían inevitables los desbordes melodramáticos y la conmiseración para con el pequeño protagonista. Nada de eso. El director aborda el ríspido ambiente con una naturalidad que evita todo subrayado. Así, los posibles clisés o lugares comunes (tanto demagógicos como sádicos) son trascendidos con altura para lo que resulta, en definitiva, un pequeño, agradable, cuidado, aunque no demasiado sorprendente film.

 

-Chassis, de Adolfo Borinaga Alix Jr. (Filipinas). Calificación: 5,5

El más que prolífico director filipino de 32 años (tres largometrajes sólo en 2010) narra -en blanco y negro y con un intensa búsqueda neorrealista- la historia de una joven que vive con su hija debajo de un acoplado en un estacionamiento y se prostituye para alimentarla y educarla, mientras espera que su patético marido camionero regrese. El mayor mérito de este film es que no carga demasiado las tintas (es una suerte de tragedia asordinada), pero, más allá de ciertos hallazgos en la pintura social y del ambiente urbano (dominado por camioneros, portuarios, indigentes y prostitutas) trabajada con mucha cámara en mano, hay pocos logros más.  

 

-Silent Souls, de Alexei Fedorchenko (Irán). Calificación: 5,5

Aclamada por casi toda la crítica tras su paso por la competencia oficial del Festival de Venecia, esta nueva película del director de First on the Moon es la aplicación de una fórmula/receta "artie" que el cine ruso (y no sólo el ruso) viene sosteniendo desde hace ya bastante tiempo (y engatusando a medio mundo): planos bellísimos, solemnidad (no profundidad) en su narración en off, apelaciones a las tradiciones (con buena dosis de pintoresquismo) y una veta literaria y poética que busca de forma desesperada un "lirismo" trascendente. Aquí, un empresario pierde a su esposa y le pide a uno de sus empleados que lo acompañe en la concreción de antiguos rituales. El protagonista y narrador -un cuarentón sin familia- apenas sabe escribir, pero nos explica que todo lo que vemos es parte de un libro por venir. Lo que queda detrás de esta pretenciosa y artificiosa búsqueda es "la orquestación orgiástico-espiritual de planos cinematográficos" (Roger Alan Koza dixit). Firmo con las dos manos la implacable frase de mi amigo.

 

-White White World, de Oleg Novkovic (Serbia). Calificación: 5

No le creí nada a esta tragedia coral sobre la angustia existencial y los excesos. El film se regodea bastante en su sordidez y patetismo a la hora de reflejar las penurias de sus personajes, varios de ellos alcohólicos, drogadictos y solitarios (los encuentros sexuales son penosos). Que por momentos el director apele al género musical para bajar un poco el tono de sufrimiento no es un gran hallazgo, aunque hay algunos buenos pasajes. Para colmo, abusa de los movimientos bruscos de cámara, del corte en el plano y demás elementos forzados como para (intentar) darle un tono nervioso y vertiginoso al relato. Me hizo recordar por momentos a otro director que no me gusta demasiado: Tony Gatlif.

 

Más info: www.mardelplatafilmfest.com

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