Festival 4+1 2012: Críticas de los films de la sección oficial

Análisis película por película de los 14 títulos de esta tercera edición de la muestra que se realiza del 21 al 25/11 en 5 grandes ciudades de Iberoamérica (Río de Janeiro será el eje principal con Werner Herzog de invitado) y con la Sala Lugones (Corrientes 1530) como sede local

SECCIÓN OFICIAL (competirán por el premio del público, dotado con 20.000 euros)

Entradas: 20 pesos (10 pesos para jubilados y estudiantes)
Venta anticipada: 0800 333 5254
Para ver online (12 pesos aprox. por película): www.filmin.es


-4:44 LAST DAY ON EARTH (Abel Ferrara, 2011). El verdadero fin del mundo llegó con 4:44 Last Day on Earth, película que marca el regreso de Abel Ferrara a la ciudad de la que es todo un emblema: Nueva York. Cabe apuntar que mientras Lars Von Trier necesitó en Melancolia una mastodóntica mansión para retratar el fin del mundo (y Malick un torbellino de parafernalia digital en El árbol de la vida), a Ferrara le basta un pequeño loft del Lower East Side de Manhattan, donde una pareja de pintores (Willem Dafne y Shanyn Leigh) esperan el Apocalipsis exponiendo sus dudas, reproches y culpas; pero sobre todo exponiendo el viejo lema del incorruptible Ferrara: amor, arte, sexo, adicción y resistencia. Hay pocas voces tan brutalmente honestas en el cine mundial y su inconformismo quema la pantalla y el corazón de los espectadores incluso cuando el rey de Nueva York navega sobre el caos. MANU YAÑEZ MURILLO (Sábado 24, a las 22)


-CRAZY HORSE (Frederick Wiseman, 2011). “Un festival de culos”, como le definió el amigo Pablo Mazzola, este nuevo documental de observación del veteranísimo Frederick Wiseman es algo así como el reverso “grasa” de la reciente La danse. Si allí describía el día a día (ensayos, trastienda, organización) del prestigioso ballet de l'Opera National de París, aquí muestra el detrás de escena del célebre cabaret de esa ciudad y, claro, los castings y las coreografía de las chicas desnudas. El método Wiseman sigue dando buenos resultados, pero para mi gusto está un escalón por debajo de sus trabajos anteriores, en los que ha recorrido desde manicomios hasta ámbitos legislativos, pasando por escuelas o gimnasios de boxeo. DIEGO BATLLE (jueves 22, a las 14.30)


-THE BALLAD OF GENESIS AND LADY JAYE (Marie Losier, 2011). The Ballad of Genesis and Lady Jaye es una oda romántica, un film sobre la cultura neoyorquina avant-garde, una película con sangre rockera y espíritu artesanal a cargo de esta directora de origen francés pero radicada en la Gran Manzana, conocida en la Argentina gracias al foco que le dedicó el BAFICI. Por primera vez en el formato de largometraje (72 minutos), Losier describe con su típica apuesta experimental (imágenes en 16mm, edición con múltiples cortes, sonido asincrónico y efectos de posproducción) la conmovedora y trágica historia de amor entre Genesis Breyer P-Orridge, la multifacética artista conocida por sus trabajos con Throbbing Gristle y Psychic TV, y su socia en la vida y los afectos Lady Jaye (nacida como Jacqueline Breyer). Si bien se aborda tangencialmente la historia de la música industrial que tuvo su explosión en los años '70 y la contracultura de NYC a lo largo de varias décadas, el film es -sobre todo- una épica sobre una pasión poderosísima que terminó abruptamente con el suicidio de Lady Jaye en 2007. Luego de semejante decisión, el film -que estuvo cerca de cancelarse- adquirió un tono elegíaco y de tributo. The Ballad of Genesis and Lady Jaye expone el proyecto de androginia abordado durante años por la pareja (que a fuerza de múltiples cirugías estéticas buscaba convertirse, fundirse en un tercer individuo) y se sostiene en el impactante testimonio en off de Genesis y en la potencia de las imágenes super íntimas que consiguió Losier al seguir durante años a las protagonistas. DIEGO BATLLE (viernes 23, a las 22)


-LA DEMORA (Rodrigo Plá, 2012). Una mujer cuida de su padre, senil, mientras lidia con sus tres hijos y el trabajo en una fábrica en Montevideo. El asunto se le transforma en insoportable y toma una decisión tremenda. Una película pequeña, bien actuada, que transmite las sensaciones de los personajes y del lugar en el que habitan. Del director de La zona y Desierto adentro. DIEGO LERER (jueves 22, a las 17)


-VERANO (José Luis Torres Leiva, 2011). La cantante y actriz argentina Rosario Bléfari -quien interpreta a una joven embarazada que decide tener a su hijo sola- es una de las protagonistas de esta película coral ambientada en unas viejas termas en el sur de Chile, donde un grupo de visitantes y trabajadores pasa horas en contacto con la naturaleza, mientras experimenta breves momentos de felicidad y de descubrimiento en un contexto de gran belleza. Construida como una serie de viñetas, como un diario personal, como una película antigua sobre los recuerdos de las vacaciones estivales que se mantienen inalterables desde la niñez, este nuevo film del director de El tiempo que se queda y El cielo, la tierra y la lluvia tiene un look muy especial, que remite al VHS de los años ’80. DIEGO BATLLE (viernes 23, a las 17) 


-GOODBYE (Mohammad Rasoulof, 2011). El director iraní narra las desventuras de una mujer embarazada y con su marido (periodista) encarcelado, que se debate entre practicarse o no un aborto (en ese país es legal), ya que su hijo nacerá con Síndrome de Down, mientras realiza los tortuosos trámites para conseguir el pasaporte y la visa para viajar al exterior. El film, a pesar de los temas que aborda, no cae jamás en la declamación ni en el subrayado. El director es fiel a su puesta en escena ascética y rigurosa, pero en el trasfondo se percibe el clima represivo (y opresivo) que se respira actualmente en Irán. Gran trabajo de la protagonisa excluyente: Leyla Zareh. DIEGO BATLLE (sábado 24, a las 17)


-LES ÉCLATS (MA GUEULE, MA RÉVOLTE, MON NOM) (Sylvain George, 2011). Para algunos, Qu’ils reposent en révolte (Des figures de guerres) -ganadora de la Competencia Internacional del BAFICI 2011- fue algo así como una revelación y poco menos que una obra maestra. La considero una película valiosa (tan potente en lo político como lírica en sus expresivas imágenes en blanco y negro), pero no de esas que vayan a cambiar la historia del cine. Este segundo film -un "blues" con armónica de fondo- es un sucedáneo de todo aquello que George rodó durante su convivencia (y su lucha) con los inmigrantes ilegales africanos en el puerto de Calais. Me resultó un desprendimiento menor, una suerte de lado B (o outtakes) con aspectos interesantes, sí, pero que no agregan demasiado a la película original. Menos de lo mismo. DIEGO BATLLE (jueves 22, a las 22)


-NANA (Valerie Massadian, 2011). Mejor ópera prima en Locarno, Mejor película en Valdivia, este primer largometraje de Massadian (pareja de Pedro Costa) describe las vivencias de la niña del título, quien -con apenas cuatro años- parece mucho más adulta que aquellos que debieran cuidarla y la dejan sola buena parte del tiempo en una casa/granja ubicada en medio de un bosque. La película empieza de la peor manera (otra vez, con una larga matanza de un cerdo, uffff), pero luego -por suerte- cambia de registro y narra (con una cámara fija, ubicada a una considerable distancia de la protagonista) cómo ella construye su mundo propio y se relaciona con los conflictos del afuera. Kelyna Lecomte es un prodigio de expresividad y dulzura que Massadian afortunadamente no explota con fines demagógicos. La pregunta, inevitable, es si se trata de una gran película por su puesta en escena, o simplemente del hallazgo de una directora que supo captar el encanto, ese "ángel" de la pequeña (no)actriz. Yo me inclino más por la segunda alternativa, aunque reconozco que soy minoría, ya que casi todos mis colegas están convencidos de que aquí no ha nada casual sino causal y que, por lo tanto, el resultado artístico es extraordinario. DIEGO BATLLE (miércoles 21, a las 22.30)


-PHOTOGRAPHIC MEMORY (Ross McElwee, 2011). El director de Sherman's March y Bright Leaves construye una película sobre sí mismo, grabada con su cámara de video hogareña, retratando en principio la relación con su hijo, quien fue transformándose de un niño adorable en un adolescente complicado y luego en un veinteañero aislado en sus contactos virtuales. Pero más que criticar su actitud desde el facilismo de “yo soy de otra generación donde la gente se conocía, etc., etc.”, Ross elige investigar qué hacía él a la edad de su hijo. A partir de unas viejas fotos sacadas por él mismo, recuerda una temporada de hace 38 años en un pueblito francés, un romance con una chica llamada Maud, y se va hacia allá a ver qué hay de todo eso porque él, literalmente, no se acuerda de casi nada. La relación con su hijo, su recolección del pasado, su investigación sobre Maud y sus reflexiones en primera persona sobre la memoria, las imágenes, el tiempo y las relaciones van conformando un diario, un “memoir” fílmico a la altura de la mejor Agnès Varda. Un hombre que construyó un pasado con una cámara de fotos y que trata de reconstruirlo, o de encontrarlo, cuatro décadas después, con una de cine. Y cómo esas memorias analógicas y digitales no siempre coinciden con las reales, si es que esas existen en verdad. Así, hasta demostrar que entre él y su hijo hay menos diferencias de las que parecen. Una película humana, personal, desordenada, algo caótica (“rambling”, dirían los americanos), pero sentida como pocas. Una joyita y una película, además, completamente accesible. Casi lo que filmaría alguien que, a los 50/60 años, saliera con su cámara a buscar a alguna novia o conocido de la juventud del que jamás volvió a saber nada. Todo para ver hasta qué punto los recuerdos y la memoria son tan confiables como uno cree que son… DIEGO LERER (miércoles 21, a las 17)


-LA FOLLIE ALMAYER (Chantal Akerman, 2011). En su primera película de ficción en siete años, Akerman nos transporta hacia Malasia en una época indefinida que sólo notamos que es el presente en dos escenas. Es una muy libre adaptación de la novela de Joseph Conrad y, característicamente, la directora mantiene su estética de planos largos y sostenidos, sus movimientos casi coreográficos en el cuadro, sus planos fijos del rostro de Nina, la hija de Almayer, la mujer de raza mixta a quien envían a una “boarding school” para que aprenda a actuar como una europea. Akerman logra meterte en ese clima pantanoso, opresivo, denso, que recuerda al que consiguió Coppola en Apocalypse Now, con sus historias de “traders” europeos mezclándose con los nativos y enfrentados en una lucha cultural entre su propia historia y la local. Todo esto, sazonado con canciones interpretadas por Elvis Presley. DIEGO LERER (viernes 23, a las 14.30)


-LIFE WITHOUT PRINCIPLE (Johnnie To, 2011). Otro que no sabe hacer películas malas. Aquí, el maestro del neo-noir hongkonés sorprende con una película en la que la acción brilla por su ausencia. Ambientada en el mundo de los inversores financieros —estamos ante el Wall Street de To—, Life Without Principle es una certera, implacable y divertidísima reflexión sobre cómo el azaroso e inclemente funcionamiento de los mercados sacude la realidad cotidiana de una variado grupo de personajes. Construida como un mecanismo perfecto de historias cruzadas, la acción trasncurre el día del estallido de la crisis financiera griega, cuando la bolsa china se desploma llevándose por delante el destino de mafiosos reconvertidos en brokers, cajeras de banco sometidas a la ley del beneficio, pequeños ahorradores cautivados por las inversiones de riesgo… En conjunto, una mirada crítica (y poco sentimental) a la avariciosa jungla del sistema capitalista. En ciertos momentos, el film flirtea con la farsa, la caricatura mordaz, pero To impone una mirada de trasfondo sobrio, marcada por una versión impura del género, a medio camino entre el cine negro, la comedia y el melodrama. Mientras veía la película, sentado en la sala Darsena (la más incómoda y mítica del festival), no podía dejar de recordar la proyección, siete años atrás en la misma sala, de The World, de Jia Zhang-ke. Aquella se me antojó, en su momento. como la primera gran película sobre la globalización. Life Without Principle podría ser la primera gran película sobre “la crisis”. MANU YAÑEZ MURILLO (sábado 24, a las 19.30)


También compiten:

-TERRI (Azazel Jacobs, 2011). Se exhibe el jueves 22, a las 19.30. 

-LAND OF OBLIVION (Michale Boganim, 2011). Se exhibe el sábado 24, a las 14.30

Por otra parte, dentro de la misma sección pero fuera de concurso se proyectarán el film coral producido por la Invitada de Honor de la segunda edición del Festival 4+1, Naomi Kawase, 3.11 A Sense of Home (domingo 25, a las 17) y el documental Hollywood Talkies (domingo 25, a las 14.30), dirigido por Óscar Pérez y Mía Ribot

Además, como ya fue publicado aquí, el invitado de honor será el gran realizador alemán Werner Herzog (el miércoles 21, a las 14.30, se proyectará Into the Abyss; el domingo 25, a las 19.30, The Wild Blue Yonder; y el domingo 25, a las 22, Nosferatu). 

PROYECCIONES INAUGURALES
Siguiendo la iniciativa del año anterior, el Festival 4+1 hace extensivo uno de sus principales propósitos, fomentar la difusión de aquellas películas que no alcanzan la visibilidad que merecen, renovando su alianza con The Film Foundation, la institución creada por Martin Scorsese, que promueve la restauración y conservación de películas. Con copias restauradas por la citada entidad, se proyectará como apertura del Festival en Buenos Aires: Bonjour tristesse (1958), de Otto Preminger (miércoles 21, a las 19.30, con invitación), una dramática historia de amor escrita por Françoise Sagan y protagonizada por una jovencita Jean Seberg, aún por descubrir por Godard. 

Más info y visión online de la masterclass de Werner Herzog en: www.festival4mas1.com


Spot del festival