Críticas de la sección Perlak - #67SSIFF

Por Diego Batlle, Manu Yáñez, María Fernanda Mugica y Carlos Reviriego
-Son 19 los títulos que integran este selección de nuevos trabajos de grandes directores que pasaron por festivales como los de Cannes, Berlín, Venecia y Toronto: Hirokazu Kore-eda, Bong Joon-ho, Ken Loach, Pablo Larraín, Céline Sciamma, Robert Eggers, Steven Soderbergh y Ciro Guerra, entre otros.
-Todos los largometrajes de esta muestra compiten por el Premio del Público Ciudad de Donostia / San Sebastián que se compone de dos distinciones diferentes: un 1º Premio a la Mejor Película, dotado con 50.000 euros, y un 2º Premio a la Mejor Película Europea, de 20.000 euros, que en ambos casos serán entregados a los distribuidores en España de esos films que sean votados por la gente.

-AMAZING GRACE, de ALAN ELLIOTT y SYDNEY POLLACK (EE.UU.) ★★★★✩

En 1971 -como bien explican los carteles introductorios, única información que se proporcionará al espectador- la genial Aretha Franklin ya había grabado más de 20 discos, ganado 5 premios Grammy y metido 11 singles consecutivos en el primer puesto de los rankings. En enero de 1972, próxima a cumplir 30 años, ella decidió dar un brusco giro en su carrera y actuó durante dos noches en la Iglesia Bautista Misionera New Temple en Watts, Los Ángeles, donde grabó el que se convertiría en su álbum más vendido, Amazing Grace, integrado sobre todo por clásicos del gospel que ella había cantado de niña.

Warner Bros. contrató al director Sydney Pollack para que registrara ambos shows, pero por cuestiones técnicas que no se aclaran el material de archivo terminó olvidado durante cuatro décadas. Antes de su muerte, en 2008, Pollack expresó su deseo de que se completara la película y el productor Alan Elliott lo abordó con Spike Lee entre los coproductores.

La película -estrenada fuera de competencia en el último Festival de Berlín- es nada más (y nada menos)  que la enorme Aretha cantando con su voz portentosa, tocando el piano, acompañada por una banda que era un auténtico dream team y por un coro extraordinaro. Un registro íntimo, directo, en un pequeño lugar con un público entusiasta (en su mayoría negro, claro) para disfrutar y ratificar por enésima vez que ella fue un prodigio del arte mundial. DIEGO BATLLE





-SEBERG, de BENEDICT ANDREWS (EE.UU.-REINO UNIDO). Intérpretes: Kristen Stewart, Jack O'Connell, Anthony Mackie, Vince Vaughn, Margaret Qualley y Zazie Beetz (Película de apertura en competencia) ★★★✩✩

Aquí la crítica completa de María Fernanda Mugica



-BEANPOLE / UNA GRAN MUJER (BEANPOLE), de KANTEMIR BALAGOV (RUSIA). Intérpretes: Viktoria Miroshnichenko y Vasilisa Perelygina ★★★½ 

Discípulo de Alexander Sokurov, el ruso Kantemir Balagov (de apenas 27 años) ya había llamado la atención en la competencia oficial Un Certain Regard 2017 con Tesnota / Closeness. En Beanpole, nos lleva a la devastada Leningrado de posguerra (1945) para narrar las historias de dos mujeres, Iya ((Viktoria Mironshnichenko), dueña de una altura descomunal que le ha valido el apodo de Jirafa y enfermera de un hospital lleno de oficiales heridos en los combates, y Masha (Vasilisa Perelygina), quien regresa del frente.

Este durísimo (en lo dramático) y asombroso (en lo visual) film arranca con la muerte de un encantador niño a manos de Iya, pero que a los pocos minutos sabremos era hijo de Masha al cuidado de su amiga. Lo que sigue son más de dos horas de melodrama de época (algo manipulador en su narración, pero brillante en sus aspectos formales). Más allá de algunos excesos, Balagov -ganador del premio a la mejor dirección en Un Certain Regard por este trabajo- es un talento para seguir muy de cerca. DIEGO BATLLE





-DI JIU TIAN CHANG / SO LONG, MY SON, de WANG XIAOSHUAI (CHINA). Intérpretes: Wang Jingchun, Yong Mei, Qi Xi, Wang Yuan y Du Jiang ★★★★½

Crítica completa de Fernando E. Juan Lima



-LES MISÉRABLES (LOS MISERABLES), de LADJ LY (FRANCIA). Intérpretes: Damien Bonnard, Alexis Manenti, Djebril Zonga, Steve Tientcheu y Jeanne Balibar ★★★✩✩

Les Misérables tiene, como su título lo indica, algunas conexiones con la creación de Victor Hugo y, de hecho, transcurre en la misma zona (Montfermeil) que ese clásico de la literatura francesa, pero la ópera prima de Ladj Ly está ambientada poco después de la obtención de la Copa del Mundo. El film comienza con las masivas celebraciones en Champs-Élysées, aunque luego los personajes regresan a los monoblocks de los suburbios (banlieue), donde se hacinan inmigrantes ilegales llegados sobre todo desde Africa.

El director sabe de lo que habla porque vivió allí y experimentó varias de las situaciones que se exponen en el film, que tienen que ver sobre todo con la brutalidad policial (los protagonistas son los agentes que interpretan Damien Bonnard, Alexis Manenti y Djibril Zonga) incluso contra los niños y adolescentes que, sin demasiado que perder, suelen responder también de forma muy violenta. No es la primera vez que Cannes selecciona películas de esta temática. De hecho, Jacques Audiard ganó la Palma de Oro hace cuatro años con Dheepan, película que tiene varios puntos en común con Les Misérables, un film intenso y político que deja muy en claro que habrán pasado más de 150 años desde la aparición de la novela de Victor Hugo, pero la miseria, la marginación, la violencia y las profundas diferencias sociales -lamentablemente- se mantienen intactas. Premio del Jurado en Cannes. DIEGO BATLLE





-PARASITE (PARÁSITOS), de BONG JOON-HO (COREA DEL SUR). Intérpretes: Song Kang-Ho, Sun Kyun Lee, Yeo Jeong Cho, Woo Shik Choi y So-Dam Park ★★★★✩

Critica completa de Diego Batlle



-O QUE ARDE / FIRE WILL COME (LO QUE ARDE). Dirección: OLIVER LAXE (ESPAÑA - FRANCIA - LUXEMBURGO). Intérpretes: Amador Arias y Benedicta Sánchez ★★★★✩

El realizador de Todos vosotros sois capitanes y Mimosas llegó a la sección oficial Un Certain Regard de Cannes (donde terminó ganando el Premio del Jurado) con este film ambientado en la Galicia rural para, de alguna manera, describir el principio del fin de una época (el de las granjas tradicionales que están en vías de extinción entre el avance del “desarrollo” y el furor de los agroemprendimientos turísticos). La película se inicia con una mirada desoladora a la deforestación (máquinas topadoras arrasando con los bosques de eucaliptos) y luego irá de los etnográfico a lo ficcional con la historia de Amador (Amador Arias), un hombre ya maduro que sale en libertad condicional tras dos años en prisión y, al reencontrarse con su madre octogenaria Benedicta (Benedicta Sanchez), ella lo primero que atina a decirle es: “¿Tienes hambre?”.

La interacción con la naturaleza y los animales, las pocas palabras y muchos silencios entre los personajes (la mayoría interpretados por no actores) van marcando el tono melancólico de un ensayo sobre la melancolía, el dolor y la pérdida que alcanza momentos de belleza sublime gracias a los aportes del fotógrafo Mauro Herce, quien consigue cautivantes, hipnóticas imágenes en Súper 16, y a la utilización de temas como Suzanne, de Leonard Cohen, que sintonizan con el espíritu y el tono de la película. El premio es un reconocimiento a su filmografía y a todo el nuevo cine gallego, uno de los más interesantes dentro del de por sí valioso “otro” cine español. DIEGO BATLLE





-SORRY WE MISSED YOU, de KEN LOACH (REINO UNIDO - FRANCIA - ALEMANIA). Intérpretes: Kris Hitchen, Debbie Honeywood, Rhys Stone y Katie Proctor ★★★½

Crítica completa de Diego Batlle

-LIGHT OF MY LIFE, de CASEY AFFLECK (EE.UU.). Intérpretes: Casey Affleck, Elisabeth Moss y Anna Pniowsky.

Arranca Light of My Life con el plano cenital de un padre (Casey Affleck) que inventa una historia para su hija (Anna Pniowsky) antes de dormir. Entramos así en un cuento post-apocalíptico que en realidad es una tierna historia de amor paterno-filial. La primera película de ficción dirigida por Casey Affleck –realizó el delirante falso documental I’m Still Here, protagonizado por Joaquin Phoenix– plantea un escenario hipotético en el que la población femenina ha sido erradicada por la amenaza de un virus. Para evitar la captura de su hija, que es una de las pocas supervivientes de la hecatombe, los protagonistas llevan una vida nómada ocultándose en bosques y huyendo de las compañías. A su modo, el marco del filme recuerda a En la carretera, la novela de Cormac McCarthy llevada al cine por John Hillcoat, si bien aquí el relato de supervivencia tiene un carácter más emocional que físico.

Lo que parece interesarle realmente a Affleck es la hipótesis de tener que educar a un menor en tiempos extremos, mas aún tratándose de la última mujer viva sobre el planeta. El padre siempre encuentra una respuesta a las imposibles preguntas de la hija, y el foco de la propuesta siempre privilegia la interrelación de los personajes por encima de la “acción”. No se trata de una película sobre la violencia en un mundo agónico, sino sobre la posibilidad del amor como redención humana, incluso cuando ya no parece posible confiar en nadie. Affleck impone una política de contención que juega todo el tiempo en favor del film. Incluso cuando la inevitable brutalidad entra en escena, el director y protagonista logra mantener el foco sobre lo que realmente le interesa, jugando elegantemente con la oscuridad y el fuera de campo. CARLOS REVIRIEGO





-ALICE ET LE MAIRE / ALICE AND THE MAYOR (LOS CONSEJOS DE ALICE), de NICOLAS PARISER (FRANCIA - BÉLGICA). Intérpretes: Fabrice Luchini, Anaïs Demoustier, Nora Hamzawi, Antoine Reinartz y Maud Wyler ★★★★✩

Crítica completa de Diego Batlle



-WAITING FOR THE BARBARIANS, de CIRO GUERRA (ITALIA - EE.UU.). Intérpretes: Mark Rylance, Johnny Depp y Robert Pattinson. 

Publicada en 1980, la novela Esperando a los bárbaros, del premio Nobel sudafricano J. M. Coetzee, figura como uno de los más clarividentes y contundentes alegatos en contra de la intolerancia inherente al poder. Ambientada en un territorio desértico de coordenadas geográficas imprecisas, la novela describía la odisea existencial del Magistrado de un “imperio” cualquiera que, desde su puesto fronterizo, contemplaba y sufría en sus carnes la brutalidad de un sistema militarista empeñado en cercenar cualquier atisbo de disidencia. La novela de Coetzee llega ahora a la gran pantalla de la mano del cineasta colombiano Ciro Guerra (El abrazo de la serpiente y Pájaros de verano), que ha contado como principal aliado con el propio Coetzee, autor del guion de esta adaptación cinematográfica.

A grandes rasgos, la transposición que proponen Guerra y Coetzee muestra una gran fidelidad a la novela; sin embargo, la simplificación de una de las subtramas –la que contempla la relación sexual y afectiva entre el Magistrado y una mujer indígena víctima de la violencia del “Imperio”– provoca que el conjunto se tambalee. Es justamente en ese pasaje de la novela donde se exploran en mayor detalle las contradicciones del Magistrado, que se ve a sí mismo como un emblema de la civilización, pero que se adentra en los territorios de la sinrazón cuando se descubre incapaz de entender sus sentimientos hacia una víctima del imperio al que representa.

Así, Waiting for the Barbarians deviene una urgente y poderosa denuncia de la barbarie que anida en el interior de las sociedades supuestamente avanzadas (ahí están, por ejemplo, dramas actuales como el que se vive en la frontera entre Estados Unidos y México, o el que viven los inmigrantes que se lanzan al Meditarráneo en busca del sueño europeo y lo único que encuentran es un cruel circo de tacticismo político). Sin embargo, pese a capturar la indignación de Coetzee, el film de Guerra no consigue hacer justicia al testimonio humano complejo, matizado, a veces incluso contradictorio, que florecía en la novela. MANU YÁÑEZ





-LA VERITÉ / THE TRUTH (LA VERDAD), de HIROKAZU KORE-EDA (JAPÓN - FRANCIA). Intérpretes: Catherine Deneuve, Juliette Binoche y Ethan Hawke.

Nada es lo que parece en La verdad, una muy inspirada aproximación al modo en que los seres humanos tendemos a construir nuestra realidad a partir de ilusiones, anhelos, mentiras piadosas, memoria selectiva y un conjunto de ficciones penetrantes, siendo el cine una de las más poderosas y embriagantes. Representaciones que, durante el curso de una vida, terminan dando forma a eso que llamamos nuestra personalidad, nuestra verdad.

Construida como un festival de desdoblamientos, La verdad sitúa una de sus tramas en un rodaje cinematográfico, una película-dentro-de-la-película (un drama materno-filial de ciencia ficción) que funciona como un reflejo deformado de la tensa relación que mantiene los personajes de Catherine Deneuve (que interpreta una versión semificcional de sí misma) y su hija en la ficción, una guionista interpretada por Juliette Binoche. Las evidentes resonancias entre los diferentes niveles de ficción remiten a Opening Night, de John Cassavetes, y -a diferencia de lo que ocurría en la densa y teórica El otro lado del éxito, de Olivier Assayas, aquí las ideas y emociones fluyen con gran ligereza. Haciendo gala de su talento para crear una cierta ilusión de liviandad narrativa, Kore-eda construye en La verdad un resonante teatro de la vida en el que comedia y drama conviven de manera armónica.

Por otra parte, la nueva película del director de Un asunto de familia puede verse como un elogio a la figura del actor. La verdad no puede evitar bromear con la imagen pública e icónica de Deneuve: su característica frialdad y altivez resplandecen humorísticamente cuando la diva atiende, desdeñosa, a un comentario sobre las iniciales repetidas de las “grandes actrices” francesas (Anouk Aimée, Brigitte Bardot, Simone Signoret… pero no Catherine Deneuve). Sin embargo, los chistes privados quedan a un lado cuando el personaje defiende airadamente que, como actriz, “no tengo que decir la verdad. Eso no es interesante”. Una sentencia que halla un bello reflejo en uno de los hilos más encantadores de la película, donde Deneuve convence a su nieta de que, al igual que una bruja, “la abuela” es capaz de convertir a las personas en animales.

En su salto desde el retrato de la vida marginal japonesa hasta la realidad burguesa parisina, Kore-eda consigue mantener casi intacta la fuerza expresiva de su cine naturalista. En La verdad, la cámara está al servicio de los actores y pocas veces se permite un ademán virtuoso, aunque cuando lo hace la película resplandece: un largo plano de la nuca Binoche refleja una personalidad anulada por una madre insensible, mientras que la imagen de Deneuve reflejada sobre una ventana y aureolada por unas difusas luces exteriores se presenta como la perfecta representación de un estado de confusión existencial. MANU YÁÑEZ





-PORTRAIT DE LA JEUNE FILLE EN FEU / PORTRAIT OF A LADY ON FIRE (RETRATO DE UNA MUJER EN LLAMAS), de CÉLINE SCIAMMA (FRANCIA). Intérpretes: Adèle Haenel, Noémie Merlant, Valeria Golino ★★★½ 

Ambientada en 1770, la nueva película de la realizadora de Tomboy y Bande de filles (Girlhood) narra la relación cada vez más íntima entre Marianne (Noémie Merlant), una joven pintora que viaja hasta una casona aislada en las costas de Bretaña para pintar un retrato de Héloïse (Adèle Haenel), hija de una condesa encarnada por Valeria Golino, y ese objeto de deseo (primero artístico, luego amoroso). Sin embargo, tras la tensión inicial, Héloïse -quien nunca ha aceptado posar frustrando así el intento de otros pintores predecesores- cederá en su negativa y dejará que Marianne la observe.

El resultado de esa observación (mutua, recíproca) constituirá el eje de este film de clara impronta feminista (no eran precisamente tiempos en los que una relación lésbica fuese aceptada con normalidad y también aparece el tema del aborto clandestino a partir del personaje de una joven criada interpretada por Luàna Bajrami), que tiene algunos innecesarios regodeos y lugares comunes propios del cine de qualité, pero que sostiene su interés por el aporte de dos notables actrices para lo que en definitiva es una más que interesante historia escrita, dirigida y protagonizada exclusivamente por mujeres. Galardonada con el premio a Mejor Guión de Cannes. DIEGO BATLLE





-THE LIGHTHOUSE, de ROBERT EGGERS (EE.UU. - CANADÁ). Intérpretes: Robert Pattinson y Willem Dafoe ★★★★½

Crítica completa de Diego Batlle



-THE LAUNDROMAT / LA LAVANDERÍA, de STEVEN SODERBERGH (EE.UU.). Intérpretes: Meryl Streep, Gary Oldman, Antonio Banderas y Sharon Stone.

La nueva película de Steven Soderbergh podría verse como la perfecta conjunción de los numerosos registros explorados por el inquieto cineasta estadounidense a lo largo de su carrera. De partida, en The Laundromat (una producción de Netflix) hallamos el perenne interés de Soderbergh por sacar a la luz pública el efecto lacerante de diversas lacras sociales: aquí se aborda la desfachatez con la que las grandes fortunas esquivan sus responsabilidades fiscales echando mano de la ingeniería financiera, del mismo modo que Traffic estudiaba el tráfico de drogas, Erin Brockovich las malas praxis de las corporaciones y la reciente High Flying Bird el precario rol de la América negra en la industria del espectáculo deportivo.

En el caso de The Laundromat, la denuncia se articula a través de la sátira más descarada, un tono que Soderbergh ya exploró en El desinformante y que sobrevuela sus comedias más frívolas (pienso en la saga de los La gran estafa / Ocean's Eleven). Y, por último, lo nuevo del cineasta norteamericano se presenta como un fragmentario collage que se ramifica en la esfera internacional, una estrategia que ya resplandecía en Contagio, que a su vez comparte con The Laundromat su carácter “procesual”.

Resulta impactante la seguridad con la que Soderbergh –todo un veterano de la industria a sus 56 años– emplea las herramientas cinematográficas a su disposición para embestir contra la avaricia del sistema capitalista, un mensaje que ya se infiltraba en el díptico que forman Magic Mike y La estafa de los Logan. La película brilla cuando se proyecta a las alturas de la comedia cínica de la mano del dúo formado por Gary Oldman y Antonio Banderas, que en la piel de los abogados Jürgen Mossack y Ramón Fonseca –cuyas actividades fraudulentas fueron destapadas por los Papeles de Panamá–, devienen los narradores de The Laundromat. Rompiendo la cuarta pared y exhibiendo con absoluto descaro la cara más amoral del sistema, Oldman y Banderas son la punta de lanza de una película que, en su despliegue autorreflexivo, dialoga con la herencia de Bertolt Brecht para animar a los espectadores a no olvidar que la ficción (basada en hechos reales) no es más que el reflejo de un conflicto real de profundo calado sociopolítico. MANU YÁÑEZ





-EMA, de PABLO LARRAÍN (CHILE). Intérpretes: Mariana di Girolamo, Gael García Bernal, Paola Giannini y Santiago Cabrera.

Ema, de Pablo Larraín, es una película contradictoria… como el mundo del que surge y como el universo que aspira a retratar. El interés del cineasta chileno por adentrarse en la cara más sórdida de la naturaleza humana emerge con fuerza en su acercamiento a la atormentada existencia de una joven pareja –formada por Ema (Mariana Di Girolamo) y Gastón (Gael García Bernal)– que acaba de devolver a su hijo adoptivo después de que el niño, de siete años, intentara quemar a su tía. Los diálogos entre Ema, una bailarina, y Gastón, su coreógrafo, funcionan como un festín de hiriente y retorcida violencia verbal: “cerdo infértil” o “condón humano” son algunos de los epítetos que Ema dirige a su atolondrado compañero. Sin embargo, pese a la truculenta premisa y a la agresividad que se manifiesta en muchas de las interrelaciones entre los personajes (la hipocresía y la manipulación son monedas de cambio habituales), Ema camina hacia la luz y hacia el fuego a medida que Larraín va permitiendo que la película se alinee empática e ideológicamente con su protagonista.

Desmarcándose del severo distanciamiento que suele caracterizar la relación con sus personajes, Larraín despliega en Ema un esfuerzo permanente por intentar comprender la visión (muy) particular del mundo que tiene la protagonista: una visión sublevada y alejada de los códigos familiares y sexuales tradicionales –Ema deambula por la realidad causando estragos parecidos a los que provocaba Terence Stamp en la familia burguesa de Teorema–. Desde ese ensimismamiento propio de la juventud, Ema rompe con todo aquello que se interpone en su anhelo maternal, desde la necesidad de un trabajo bien remunerado hasta el grupo de danza moderno-folclórica que dirige Gastón. En su personal camino de autoafirmación, Ema encuentra un apoyo primordial en un grupo de amigas con las que se entrega, en cuerpo y alma, a bailar reggaetón.

Por su parte, Larraín se pone del lado de Ema y la envuelve en luces de neón que convierten las calles y apartamentos de Valparaíso en un cosmos colorista asaltado por una juventud indomable. En definitiva, el director de No, Post Mortem, Tony Manero, El club y Neruda consigue esquivar la tentación del moralismo para convertirse en una privilegiada puerta abierta a los misterios de la generación que, muy pronto, dará forma y futuro a nuestro mundo. MANU YÁÑEZ



También se proyectan en esta sección

-HORS NORMES / THE SPECIALS (ESPECIALES), de OLIVIER NAKACHE y ÉRIC TOLEDANO (FRANCIA). Intérpretes: Vincent Cassel, Reda Kateb y Hélène Vincent

-TENKI NO KO / WEATHERING WITH YOU, de MAKOTO SHINKAI (JAPÓN)

-THE CLIMB, de MICHAEL ANGELO COVINO (EE.UU.). Intérpretes: Michael Angelo Covino, Kyle Marvin y Gayle Rankin. CLAUSURA / Fuera de competencia




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