Críticas de la sección Autores (33 películas comentadas)

Los grandes éxitos del circuito anual de festivales reunidos en esta selección insoslayable que suma casi 40 títulos.

 -Tres recuerdos de mi juventud (Francia), de Arnaud Desplechin (Película de Apertura) ★★★★✩

Crítica completa de Diego Batlle





-11 Minutes (Polonia / Irlanda), de Jerzy Skolimowski ★★★★★

Claro que se pueden contar muchas historias, cruzando y administrando con inteligencia la información respecto de cada una de ellas. Y se las puede vincular con ritmo y suspenso. Eso que en la producción de Arriaga y González Iñárritu es impuesto a fuerza de sobreescritura, sentido único y algo de confusión en el revoleo, acá funciona con una elegancia y una velocidad que sorprenden. Lo que sorprende, en verdad, es la constancia en el riesgo, la búsqueda, la acojonante juventud de la última película del bueno de Jerzy, ya cercano a los 80 años. Fragmentación y descentralización, características de la vida actual y forma en la que 11 minutos se pasea por hoteles, plazas, calles y oficinas. Una actriz que hace un casting (¿al borde de ser sábana?) para un productor estadounidense, su celoso marido que trata de llegar a esa entrevista, un vendedor de panchos en un parque, un motoquero dispuesto a todo servicio, el calidoscopio parece inconexo pero no lo es. En el aparente caos de la velocidad constante hay algo que une las historias, y ello no es el truco de guión que en realidad re-construye de atrás para adelante para justificar un golpe de efecto, tal como sucede en las malas películas. Hay una, o varias, historias que nos interesan y muchos momentos inolvidables (el diálogo del panchero con unas monjas; el vibrante final). Pero lo que nos engancha y nos atrapa los compactos 81 minutos de narración es una construcción formal gozosa y festiva que nos habla de un realizador que sabe utilizar en serio las herramientas que el cine posee. Y si no encuentra la herramienta adecuada, tiene el grado de lucidez e inteligencia como para inventarla. FERNANDO E. JUAN LIMA





-La academia de las musas (España), de José Luis Guerin ★★★★✩

Crítica completa de Diego Batlle



-Afternoon (Taiwán), de Tsai Ming-liang ★★★★✩

Hace rato que Tsai viene extremando la provocación, concentrándose en juegos, chistes o ejercicios de estilo. Está claro que Afternoon no será recordada como una de sus grandes obras. Se trata de una conversación de 137 minutos entre Tsai Ming-liang y Lee Kang-sheng en una única locación (un ambiente medio en ruinas, como corresponde, dos sillones en cuadro y dos ventanas sin vidrios a través de las que se ve la selva y el sol que lentamente se pone y va variando la luz). Dicho esto, no puede dejar de advertirse el interés para el cinéfilo en esta charla, no sólo por la cantidad de jugosas referencias a películas inolvidables como Rebels of the Neon God, Vive l'amour, The Hole, Good Bye Dragon Inn o The Wayward Cloud, sino también por los detalles de la muy especial relación que une a los protagonistas de esta película (director y actor de cada una de las mencionadas). Lee Kang-sheng dice no tener deseos o expectativas (manejar alguna vez una Ferrari es el único gustito que le gustaría darse), Tsai, por el contrario, quiere que todo se haga como él quiere. Es recién a los 20 minutos que el actor fetiche de todas las películas de Tsai dice su primera frase. Todo lo expansivo y hablador que es uno, el otro lo tiene de reposado y silente. Nos enteramos de que viven juntos, con una relación más parecida a la de padre-hijo (madre-hijo parece aclarar Tsai), de las distintas elecciones sexuales de ambos, del miedo a la muerte del realizador. Advertimos también cierta incomodidad en el actor, detrás de esa aparente postura zen. El director en un momento le pregunta: "Vos me odias, ¿no?"; y sí,  parece que es también un sentimiento presente en la relación, por más que nunca sea admitido. Si el cine imita a la vida o la vida imita el cine es algo que no se pregunta ni se intenta responder, pero la potencia de esa tensión es lo que mantiene la atención durante las más de dos horas de diálogo. FERNANDO E. JUAN LIMA

Otra crítica de Carlota Moseguí



-Anomalisa (Estados Unidos), de Charlie Kaufman ★★★★½

Crítica completa de Carlota Moseguí





-The Assassin (Taiwán), de Hou Hsiao-Hsien ★★★★★

Crítica completa de Diego Batlle



-The Forbidden Room (Canadá), de Guy Maddin y Evan Johnson ★★½

En The Forbbiden Room, la habitual psicodelia alucinatoria, la fusión de géneros o los homenajes al cine mudo característicos de la obra del canadiense Guy Maddin devienen elementos más inteligibles de lo habitual. Codirigida por su antiguo colaborador Evan Johnson, The Forbidden Room se presenta como una incesante e inabarcable exaltación de la fabulación cinematográfica. Sin embargo, existe una historia principal que ordena este flujo de conciencia carente de sujeto: una obra que imagina el funcionamiento de un cerebro colectivo. Tras ser testigos de las savias palabras de un anciano en bata que da instrucciones sobre cómo tomar un baño –un acto acuático que lleva a otra historia sobre la precaria supervivencia en un submarino en alta mar–, los autores desvelan la trama esencial de la película: un miembro de la tripulación del submarino cuenta la leyenda de un cazador de lobos (Roy Dupuis) que rescata a su novia (Clara Furey) de los salvajes que la tienen presa en su cueva. No obstante, decenas de digresiones entorpecen la continuidad de dicha ficción. Hablamos de interrupciones tan insólitas como el relato del sueño de un volcán o los recuerdos que rememora el bigote de un mayordomo (Udo Kier) a punto de ser asesinado por un histriónico burgués (Mathieu Amalric). El espectador se siente perdido, como Alicia en el País de las Maravillas, pero el universo de Maddin no promete maravillas, sino vampiros, asesinatos, lobotomías, orgías con esqueletos, accidentes automovilísticos y catástrofes naturales. Una imagen de The Forbidden Room resume a la perfección los efectos secundarios que ocasiona el film: un cerebro estallando al saturarse.. CARLOTA MOSEGUÍ





-Chant d'hiver (Francia / Georgia), de Otar Iosseliani ★★★★✩

Crítica completa de Diego Batlle



-Tag (Japón), de Sion Sono ★★★★½

Este es el Sono Sion que queremos y no el de The Whispering Star, decepcionante película que pasó por el Festival de Toronto de este año (y que ya reseñamos en estas páginas). Con en torno a 25 producciones para cine y televisión en 10 años, el 2015 parece haber sido especialmente prolífico, incluso en sus amplios parámetros: 7 películas, de las cuales dos podrán verse en Mar del Plata. Tag insólitamente sólo pasó por el Mercado del Festival de Cannes (donde pude verla). Pero es así: ya se sabe de la desconfianza hacia el cine de género en general que tienen algunas muestras; desconfianza que se acentúa ante los habituales excesos y delirios del director de Why Don’t You Play in Hell? y Guilty of Romance (que tuvo su paso en una función especial de la Quincena de Realizadores en su momento). Pues bien, Sono se apropia de la novela de Yusuke Yamada Real Onigokko para pasearnos por un feliz carnaval de sangre, planos de bombachas (fetiche personal que quedó en claro en Love Exposure) y personajes femeninos que ocupan distintos cuerpos para contar tres distintos escenarios de enfrentamiento con la opresión machista. Post-feminismo, actitud punk y mucho humor recorren toda la película, en la que los elementos o misteriosas fuerzas superiores persiguen a las jóvenes. El comienzo, en el que el viento (sí, el viento) es la amenaza que se corporiza al atacar los micros en los que viajan unas colegialas, cortándolos horizontalmente al medio (con todo lo que llevan adentro) me dejó con la boca abierta (fruto de un espasmo nacido de la sorpresa, pero también de la risa). Y así seguí la casi hora y media de esta fiesta en la que el disparate en modo alguno se identifica con el sinsentido. FERNANDO E. JUAN LIMA





-Cemetery of Splendour (Tailandia / Reino Unido / Francia / Alemania / Malasia), de Apichatpong Weerasethakul ★★★★✩

Tras ganar la Palma de Oro en 2010 con El hombre que podía recordar sus vidas pasada (Tío Boonmee), el realizador de Blissfully Yours rodó en su pueblo natal de Khon Kaen una historia que transcurre casi íntegramente dentro de un hospital, donde dos mujeres (una veterana voluntaria que anda en muletas y una joven médium con poderes para conectarse con los espíritus) cuidan a unos soldados que sufren de una extraña dolencia que los deja casi permanentemente dormidos. La amistad entre ellas y los contactos que van estableciendo de a poco con los militares que padecen esa enfermedad del sueño, más las habituales apelaciones a las energías místicas y espirituales, y las conexiones con la rica tradición del lugar hacen de Cemetery of Splendour un film que se disfruta cada vez más a medida que avanza la trama y nos sumergimos en este particular universo. Sin llegar a las cimas de El hombre…, se trata de otro notable aporte de Apichatpong Weerasethakul, que por primera vez trabajó en la propuesta visual con el mexicano Diego García, ya que su fotógrafo habitual fue “robado” por el director portugués Miguel Gomes para la trilogía de Las mil y una noches. DIEGO BATLLE

Otra crítica de Carlota Moseguí





-El cielo del Centauro (Argentina / Francia), de Hugo Santiago ★★★✩✩

Crítica completa de Diego Batlle



-Counting (Estados Unidos), de Jem Cohen ★★★½

Luego de su paso por un cine algo más tradicionalmente narrativo (solo algo) con Museum Hours, Cohen vuelve a su modo más usual, el de retratista audiovisual, el de viajero captador de imágenes del presente, el de fotógrafo (en movimiento) de las bellezas ocultas detrás del ir y venir cotidiano, especialmente en las grandes ciudades. Counting son quince episodios audiovisuales en los que el realizador va y viene entre Nueva York y Rusia, con algunos pasos por Turquía y Emiratos Arabes. No hay una narración, no hay una “historia” en el sentido clásico. Lo que hay es cine, la combinación de imágenes y sonido que retrata y transforma al mundo a través de una lente, de un ojo que observa. Hay algo de Chris Marker (quien está explícitamente homenajeado) y de Agnes Varda, pero Cohen compone esos cuadros –en general de seres solitarios, de espacios vacíos, de esos agujeros silenciosos el medio del ruido de las ciudades como los callejones neoyorquinos– con una belleza muy propia, que ya lo identifica, lo mismo que esos planes de trenes y aviones. Cineasta de cámara viajera, Cohen cuenta con algún apoyo de secuencias musicales pero en general deja que las imágenes reflejen el mundo, su mundo, por sí solas. Una manifestación contra el racismo, un hombre hablando nervioso en su celular, una bolsa de basura que parece querer liberarse del tacho que la contiene, gatos, perros, calles desiertas. Y el ojo que los mira. DIEGO LERER





-Deux Rémi, deux (Francia / Suiza), de Pierre Léon ★★★★✩

Una de las más simpáticas y sorprendentes películas de esta sección es esta nueva adaptación libre que Leon hace de una novela de Fiodor Dostoievski, en este caso El doble, como ya lo había hecho anteriormente con El adolescente y El idiota. Aquí, el film se centra en Rémi, un timorato oficinista de pueblo chico quien es pasado por alto e ignorado por todos sus colegas y que guarda un secreto amor por la hija del dueño de la empresa, pero nunca avanza ni concreta. Todo parece cambiar cuando, misteriosamente, aparece un hombre igual a él, que se une también a su oficina pero cuya personalidad –ganadora, canchera– no tiene nada que ver con la suya. Rémi se pierde aún más, se deprime, su “otro yo” va ocupando su lugar y parece hacerlo todo mejor que él. ¿Será que también perderá a su amada con este sujeto? Mezcla de comedia romántica y absurda con drama existencial, Leon elige contar esta historia de una manera ligera y eso la vuelve especialmente efectiva, con un gran trabajo de composición de Pascal Cervo haciendo dos personajes idénticos pero muy diferentes entre sí, uno que tiene aparentemente todo lo que al otro le falta para poder funcionar en el mundo. Ese “doble” soñado que puede terminar resultando pesadillesco… DIEGO LERER





-The Event (Holanda / Bélgica), de Sergei Loznitsa ★★★★★

Tras la enorme Maïdan, Loznitsa vuelve al pasado, quizás como una manera más de intentar comprender el presente. El momento: agosto de 1991, conato de golpe de Estado para impedir el avance de la democratización de la Unión Soviética. El momento de inflexión, las versiones sobre la posible enfermedad o muerte de Gorbachov, la aparición de Yeltsin como líder de las libertades en la incipiente nueva Rusia son algunos de los interrogantes que se disparan a través del montaje de material de archivo de la época, en blanco y negro. El documento es de un interés y una potencia que atrapan desde el minuto cero y, como en Maïdan, las imágenes del pueblo en la calle son las que dan sentido a una narración sin voz en off, sin explicaciones, sin imposiciones de sentido. Veinticinco años después varios interrogantes siguen siendo los mismos, pero muchos héroes de entonces hoy en día se parecen bastante a los villanos que se creía estar expulsando. FERNANDO E. JUAN LIMA

Otra crítica de Carlota Moseguí





-Heart of a Dog (Estados Unidos), de Laurie Anderson ★★★★½

Crítica completa de Carlota Moseguí



-High-Rise (Reino Unido), de Ben Wheatley ★★✩✩✩

Esta distopía retrofuturista basada en la novela de J. G. Ballard de 1975 conserva poco del interés que habían despertado Kill list (2011) y Sightseers (2012). Posiblemente tentado por una reproducción lineal del original, el carácter binario y crasamente alegórico de esta obra nos encuentra con un director que cruza la linealidad y la bajada de línea setentista con una estética de estilización de la violencia más propia de décadas más recientes. ¿Cómo sería una versión de If u Hospital Britannia hecha por Guy Ritchie? Uno no se quiere exceder en la dureza, pero algo de eso hay en esta historia que transcurre íntegramente en un edificio de lujo (de esos con "amenities") donde todo se irá desmadrando para terminar en una total y violenta anarquía. Si ya se sabe: los ricos viven arriba, los que menos tienen, abajo; y, por si faltaba algún subrayado, la película remata con un discurso de Margaret Thatcher sobre el capitalismo. Ese es el tono de pretenciosidad y de condescendencia o menosprecio por el espectador que no puede sino expulsar, aun cuando desde el punto de vista objetivo en el film hay unos cuantos hallazgos. FERNANDO E. JUAN LIMA





-In Jackson Heights (Estados Unidos), de Frederick Wiseman ★★★★★

Al mismo tiempo que recuperó su Tititcut Follies (1967), el TIFF presentó la última producción del director de At Berkeley. La acción, la vida, esta vez transcurren ante las cámaras de Wiseman en Jackson Heights, un barrio de Queens (Nueva York) caracterizado por su multiculturalismo y diversidad. Las historias se entrelazan, dialogan, generan un crescendo que resulta ciertamente narrativo sin necesidad de voz en off o explicación alguna. En un barrio donde se hablan 167 lenguas puede pasar (y pasa) de todo: los encuentros de los latinos que llegan como ilegales al país y las denuncias y marchas de organizaciones LGBT, pero también el asilo de ancianos con una señora que se aburre porque nadie le habla o las mujeres de origen indio que cortan el vello de la cara de sus clientas sólo munidas de un hilo que manejan con las manos y la boca. Por supuesto que todo está atravesado por la política: la Nueva York glamorosa o trendy debe expandirse constantemente para no morir; y en esa expansión amenaza los barrios con una identidad propia. Sin algún elemento innecesariamente explicativo que sí tenía, por ejemplo, la también muy buena National Gallery (2014), esta es una película mayor de uno de los grandes documentalistas de nuestros tiempos. FERNANDO E. JUAN LIMA

Otra crítica de Carlota Moseguí





-As mil e uma noites: Volume 1, O inquieto (Portugal / Francia / Alemania / Suiza), de Miguel Gomes ★★★★✩
-As mil e uma noites: Volume 2, O desolado (Portugal / Francia / Alemania / Suiza), de Miguel Gomes ★★★★½
-As mil e uma noites: Volume 3, O encantado (Portugal / Francia / Alemania / Suiza), de Miguel Gomes ★★★½ 

Crítica completa de Diego Batlle



-The Other Side (Francia / Italia), de Roberto Minervini ★★★½

Siempre dispuesto a mostrar la contracara del sueño americano, el director de The Passage, Low Tide y Stop de Pounding Heart continúa sus viajes por la Norteamérica profunda (en este caso Texas y el norte de Louisiana) para describir las historias de vida de los habitantes de una comunidad donde todos parecen ser perdedores. El protagonista es un drogón querible, pero a la vez patético y temible, mientras que el resto de los personajes son jóvenes, adultos y ancianos sin demasiadas luces ni rumbo, que suelen odiar a Obama tanto como amar a la patria y a sus armas de fuego. La película es dura, cruda y se agradece la valentía y la contundencia del relato, aunque por momentos hay situaciones demasiado armadas (manipuladas) y la explicitud (en las escenas de sexo, en los constantes pinchazos con jeringas en primer plano) resulta un poco chocante y sensacionalista. Así y todo, Minervini se ha convertido en un cronista insoslayable de ese país que no miramos (o muchos no nos quieren mostrar). DIEGO BATLLE





-Mountains May Depart (China / Japón / Francia), de Jia Zhang-ke ★★★★✩

Crítica completa de Manu Yáñez



-Yakuza Apocalypse (Japón), de Takashi Miike ★★★★✩

Película perfecta para una trasnoche, nos encontramos nuevamente con el Miike más demente, el de la saga Dead or Alive o The Happiness of the Katakuris. Esto es: mucho gore y algo de sexo, pero con un tono decididamente humorístico y juguetón (sin los componentes de shock de Ichi the Killer, por ejemplo). Para ser claros: el advenimiento del apocalipsis tiene que ver con una epidemia de vampiros yakuza. Un disparate absolutamente feliz. FERNANDO E. JUAN LIMA





-No Home Movie (Bélgica / Francia), de Chantal Akerman ★★½

La realizadora belga -recientemente fallecida- ya había incursionado con mejor suerte en el video-diario personal (News From Home). Se suponía que este documental dedicado a su madre (la filmó durante mucho tiempo hasta su muerte) iba a alcanzar una intensidad y una intimidad digna de, por ejemplo, un Alain Cavalier. Es cierto que en las extensas dos horas de registro hay un puñado de momentos (una cena casera en la que la anciana polaca radicada en Bélgica desde 1938 charla con la directora de La captive y La Folie Almayer sobre cómo el horror nazi afectó a la familia o un par de charlas vía Skype con Akerman conectando con su madre desde Estados Unidos) que pueden llegar a conmover, pero este film sobre el fin de una época tiene demasiados puntos muertos, demasiado relleno, demasiados planos indignos de una artista del calibre de una directora que, tanto en el documental como en la ficción, supo volar mucho más alto. DIEGO BATLLE



-Office (China / Hong Kong), de Johnnie To ★★★★★

Si alguna duda cabía a alguien sobre que To es uno de los cineastas más heterodoxos, hábiles e inteligentes de la actualidad, aquí llega este musical sobre la vida corporativa, con sus convicciones y traiciones, sus éxitos y fracasos para despejarla. Filmada en 3D, el realizador utiliza (esta vez de manera pertinente y con elegancia) eso que Lars von Trier había ensayado en Dogville: los espacios y lugares son diseñados sin paredes divisorias, todo está expuesto, desnudo, a la vista. La cámara sobrevuela la acción y atraviesa las paredes imaginarias con una belleza y sobrio lujo que sorprenden, aun tratándose del realizador de Breaking News, Exiled, Mad Detective y Blind Detective. La llegada de dos nuevos interinos a prueba por un tiempo en una empresa que está a punto de hacer pública una oferta de sus acciones en el mercado por primera vez es el disparador de esta deriva en la que, con mucho humor, se hace foco en el rol de jefes y gerentes, las relaciones sexuales o amorosas al interior de la oficina y la constante circulación del chisme. Algo de eso de "pueblo chico, infierno  grande" se aplica a ese grupo de gente que debe convivir en un mismo  edificio. También como siempre, la aguda mirada de To que, así como venía hablando de la anexión de Hong Kong a China en sus películas de mafia (Election), en este musical luminoso no deja de señalar la crisis económica que al momento de la filmación era una previsión o una sospecha y que ahora parece ser una realidad fácilmente constatable. FERNANDO E. JUAN LIMA





-Right Now, Wrong Then (Corea del Sur), de Hong Sang-soo ★★★★½

Crítica completa de Diego Batlle



-Sunset Song (Reino Unido / Luxemburgo), de Terence Davies ★★★★✩

En un director tan marcado por el universo femenino no es de extrañar la decisión de adaptar la clásica novela de Lewis Grassic Gibbon, que sigue a su heroína (Chris/Agyness Deyn) en un devenir que va de la violencia de un padre despótico que lleva a su madre al suicidio a un marido transformado en algo muy parecido, fruto de su participación en la Primera Guerra Mundial. Nostalgia y melodrama, la necesidad de perdonar para seguir viviendo, el refugio (pese a todo) en la familia, esos elementos no encuentran su génesis en una visión conservadora (la novela es de 1932, claro está, y no podemos negar que el mundo algo ha cambiado) sino en la cosmovisión del realizador de Distant Voices, Still Lives, The Long Day Closes, The Neon Bible, Del tiempo y la ciudad y The Deep Blue Sea que con los años cada vez más se acerca al pasado para intentar entender el presente. La deslumbrante belleza de las imágenes resulta más prodigiosa si se atiende a los exiguos fondos de esta realización, filmada en 35 mm en los espacios abiertos (luego pasado a 4K) y en digital (con todos los ambientes creados digitalmente) para los interiores. Son especialmente emocionantes los muchos momentos en los que los protagonistas cantan, habitual refugio del cine clásico (en todos los géneros y aun en las situaciones más dolorosas) y guiño perfecto de este enorme director que ama el musical. FERNANDO E. JUAN LIMA





-Todo comenzó por el fin (Colombia), de Luis Ospina ★★★★✩

Crítica completa de Diego Batlle



-Iec Long (Portugal), de João Pedro Rodrigues y Joâo Rui Guerra da Mata ★★★½

Los directores portugueses siguen explorando pasado y presente de Macao (luego de la magistral A última vez que vi Macau) con este corto sobre una fábrica de fuegos artificiales cerrada desde los años '70. La dupla reconstruye el esplendor del lugar (y de la industra de la pirotecnia) sobre todo durante la primera mitad del siglo XX y reivindica la tradición por esa actividad en la sociedad de esa ex colonia portuguesa ahora en manos China. Bella, climática, melancólica, la película nos devuelve a un lugar y a un tiempo perdidos, donde los recuerdos y los fantasmas regresan a pleno lirismo. DIEGO BATLLE





-The Old Jewish Cemetery (Holanda / Letonia), de Sergei Loznitsa ★★★★✩

Otra leyenda del documental –y ocasional incursionador en la ficción– presenta un corto que pone a las claras la relación entre el pasado y el presente, entre el Holocausto y la vida cotidiana de hoy, al mostrar la actividad de un día normal de un parque en Riga en el que estuvo durante más de dos siglos el viejo cementerio judío de la ciudad en medio del gueto y hoy es un paseo familiar que oculta o tapa los muchísimos horrores que se cometieron allí en la zona y que están recordados por alguna que otra placa. El lugar pasó por la invasión nazi, fue luego arrasado por las Brigadas Comunistas y hoy desapareció y solo es recordado por su nombre, ya que la gente llama allí al lugar “el antiguo cementerio judío” pero funciona como un parque. Parque que, de todos modos, no puede dejar de ocultar las historias que pasaron por allí y, seguramente, los cuerpos que continúan enterrados debajo de esa plácida apariencia. DIEGO LERER



-Ryuzo and His Seven Henchmen (Japón), de Takeshi Kitano ★★✩✩✩

Kitano nos regaló varios de los mejores momentos de nuestra formación cinéfila. Películas como Sonatine o Flores de fuego -por nombrar sólo un par- están en nuestro acervo íntimo de manera indeleble. Por eso, porque respetamos a los viejos amigos, seguimos fieles a su cine, pese a que hace ya varios años Takeshi no nos regala un buen film. Lamentablemente, Ryuzo... está entre los peores de su carrera. Una (supuesta) comedia (que no hace reir casi nunca) sobre unos yakuzas ya retirados (patéticos jubilados) que intentan volver al ruedo en un universo ya dominado por corporaciones (corruptas, claro). Imagínense un reciclaje de todos los chistes viejos sobre ancianos que regresan a la batalla, pero sin que casi ninguno funcione. El querido Kitano parece haber perdido el touch, el timing, la fluidez y la capacidad de sorpresa. Aquí intenta con una comedia popular de enredos (por momentos parecía estar viendo una de Porcel y Olmedo), pero le sale el tiro por la culata. Una pena, pero seguiremos acompañándolo hasta el final, incluso si el declive continúa. Ojalá lo veamos recuperado. DIEGO BATLLE


-Kommunisten (Francia / Suiza), de Jean-Marie Straub
-La Guerre d'Algérie! (Francia / Suiza), de Jean-Marie Straub

Críticas de ambos cortos por Roger Koza







También se exhiben en esta sección:

-Gli uomini di questa città io non li conosco. Vita e teatro di Franco Scaldati (Italia), de Franco Maresco

-Virgin Mountain (Islandia / Dinamarca), de Dagur Kári

-The Exquisite Corpus (Austria), de Peter Tscherkassky

-C'est l'amour (Francia), de Paul Vecchiali

-Love & Peace (Japón), de Sion Sono

-Ederly (Polonia), de Piotr Dumala



Aquí más reseñas de esta sección por Diego Lerer en nuestro blog Micropsia